Cécile McLorin Salvant n’est pas une chanteuse de jazz. C’est probablement la raison pour laquelle j’aime tant son travail.
Elle a enregistré et s’est produite dans des contextes jazz depuis des années, bien sûr, et continue de le faire; mon album préféré à ce jour, Dreams And Daggers (2017), a été majoritairement enregistré avec un trio de piano, dont une grande partie en live au Village Vanguard. Mais elle a aussi chanté devant des quatuors à cordes, écrit un cycle de chansons théâtral qui sortira sous forme de film d’animation plus tard cette année, et réalisé un album d’art-pop électronique. Toutefois, l’approche de Salvant envers son répertoire — dont une partie croissante qu’elle écrit elle-même — va bien au-delà de ce que ferait typiquement une chanteuse de jazz, au point d’être brutalement injuste envers les deux camps de les comparer.
Sa tessiture et sa maîtrise de son instrument sont éblouissantes. On dirait que Billie Holiday serait une cantatrice d’opéra et une actrice dramatique formée au théâtre classique. Et ce n’est que lorsqu’elle chante en anglais; elle peut faire les mêmes ficelles en français, comme on décrit jadis Ginger Rogers qui aurait fait tout ce que Fred Astaire faisait, en plus en marche arrière et en talons hauts.
Le dernier album de Salvant, With Every Breath I Take, est une collaboration avec le compositeur et chef de file du Secret Society, Darcy James Argue, qui a arrangé dix chansons pour son trio habituel — le pianiste Sullivan Fortner, le bassiste David Wong et le batteur Kush Abadey —, plus le Metropole Orkest, composé de 48 musiciennes et musiciens, dirigé par Jules Buckley. C’est une vitrine grandiose pour sa voix et sa capacité à incarner une parole; bien que chaque titre se suffise à lui-même, et qu’il y ait des performances individuelles éblouissantes, l’ensemble se déploie comme une suite et crée un parcours émotionnel unique.
Le déroulé est facilité par le fait que les dix chansons sont des ballades, et dont la plupart figurent parmi les préférées de Salvant depuis longtemps. « C’était surtout des chansons d’île déserte », m’a-t-elle confié via Zoom depuis les Pays-Bas, où elle se produisait au North Sea Jazz Festival, « des chansons-torch que j’adorais, qui étaient mes favorites et qui me faisaient pleurer. »
Le disque a pris forme au fur et à mesure qu’ils l’enregistraient; lorsqu’on lui a demandé si une chanson représentait le cœur du projet, elle répondit : « Je pense que si je dois revenir… la réponse à cette question, maintenant que c’est fait, c’est que le centre du disque pour moi est probablement [« Being Alive »] de Stephen Sondheim, à certains égards. Mais lorsque j’ai commencé à penser aux chansons qui seraient sur cet album, je pense que [« Sophisticated Lady »] de Duke Ellington était probablement l’une des premières chansons sur lesquelles nous devions vraiment l’enregistrer. »
Beaucoup des chansons sur With Every Breath I Take proviennent de comédies musicales, elles sont donc interprétées en personnage, presque comme des monologues dramatiques, notamment Bertolt Brecht and Kurt Weill’s « Barbara Song », qui atteint des sommets d’émotion brute presque écrasants. Lorsque je demande à Salvant si le jeu d’acteur fait partie de son approche du chant, elle répond par l’affirmative.
« Je pense que cela remonte à mon enfance, quand je voulais devenir chanteuse d’opéra. Être fascinée par le théâtre musical, c’est l’idée que le chant peut être un acte, que le chant lui-même peut vivre dans cet espace intermédiaire entre la musique et les mots et aussi entre le jeu et la musique… le monde du jeu, du personnage, mais aussi cet univers vraiment étrange et non verbal de la musique et de tout ce que la musique évoque en dehors du langage, donc c’est en réalité un espace hybride très amusant, à mon sens. Et je pense que c’est l’une des choses les plus excitantes et fascinantes du chant : il vit comme un pont entre tous ces éléments. »
Salvant et Darcy James Argue se connaissent depuis longtemps. Ils ont travaillé ensemble pour la première fois sur Ogresse, un cycle de chansons qu’elle a écrit il y a près d’une décennie. « À l’origine », se souvient-il, « elle m’a approché pour arranger un album d’originaux qu’elle avait en tête. Et j’ai pensé que c’était génial. Elle m’a donné quelques esquisses et idées et j’ai bricolé quelques éléments pour elle. Nous avons échangé pendant un petit moment. Puis, sans prévenir, elle m’a envoyé cet e-mail et m’a dit, ne me déteste pas, mais j’ai complètement changé de cap et j’ai écrit cette fable sur un monstre qui vit dans les bois et qui a une soif insatiable de chair humaine, et voici un mémo vocal de l’ensemble. »
Ogresse, orchestré pour un ensemble de chambre de 13 instrumentistes, a été créé au Metropolitan Museum of Art de New York en 2018 et enregistré à l’automne 2019, mais alors qu’une tournée était en cours, la pandémie est arrivée. « Nous étions à Oakland, en fait. Nous devions monter sur scène au Paramount à 15 heures lorsque le lieu a été fermé. Nous avons fini par donner une performance privée ce soir-là pour Angela Davis chez elle à Oakland. Et puis c’était la dernière fois que nous avons fait une performance pendant plus d’un an et demi. »
Une adaptation animée de Ogresse, réalisée par l’animatrice belge Lia Bertels, est en cours de préparation pour une sortie; vous pouvez voir un court extrait ici.
Par la suite, Salvant a participé à la dernière piste de l’album Secret Society d’Argue, Dynamic Maximum Tension, sorti en 2023. Mais With Every Breath I Take demeure leur collaboration la plus ambitieuse à ce jour.
Argue a parlé de l’approche de Salvant: « Cécile est très autocritique, extrêmement autocritique. Et l’essentiel pour elle, c’est: est-ce que j’y crois? Et s’il y a une prise où elle n’y croit pas, nous en faisons une autre… Elle interprète un rôle. Elle interprète le texte. Elle cherche à se préparer au rôle comme on le ferait dans une performance théâtrale et fait le même genre — je veux dire, je ne lui ai pas directement demandé si elle s’engage dans ce type de travail préparatoire qu’un acteur ferait pour préparer un rôle. Mais l’objectif était certainement de transmettre ce sentiment d’authenticité émotionnelle. »
L’album a été enregistré en seulement deux jours en décembre 2025, Salvant revenant tout juste de New York et travaillant malgré le décalage horaire afin que le démarrage à 10 h du matin lui paraisse équivaloir à 4 h du matin. Et pourtant, les chansons ont été enregistrées en deux ou trois prises seulement, ce qui a toujours été sa préférence.
« Je pense qu’il y a une certaine magie dans les première, deuxième et troisième prises », m’a-t-elle confié. « Il y a une autoconscience qui s’installe lorsque l’on se met à faire de plus en plus de prises; on devient de plus en plus conscients du studio, et le studio et le processus d’enregistrement prennent une place immense dans le son de ce que l’on fait — la connaissance de cela. On commence à jouer pour le studio, si cela a du sens. »
Salvant a enregistré sa voix dans la même pièce que l’orchestre, légèrement protégée par des barrières acoustiques, ce qui ajoutait une tension. Comme l’explique Argue, « Il y a quelque chose dans la tension du moment, à chaque prise suivante qui augmente les enjeux parce qu’il y a tant de personnes impliquées, parce qu’il y a si peu de temps, parce que tout le monde est dans la même pièce, parce que la moindre erreur d’un musicien à la fin de la section des seconds violons peut tout gâcher. Et il y a quelque chose dans ce stress, je pense, qui, au moins sur cet enregistrement, a fait ressortir le meilleur de Cécile. Donc un certain nombre de ces prises, il y a une prise magique, et ce n’est généralement pas la première prise. Parfois c’était le cas, mais pour d’autres, il n’y avait qu’une seule prise où tout le monde a compris tout de suite, y compris Cécile, ‘Eh bien, c’était la prise.’ Souvent, c’était la troisième prise.»
La chanson la plus difficile à enregistrer était « Left Over », car Salvant — qui l’a écrite — est passée au piano et a chanté tout en le jouant. (Tout en étant filmée, comme vous pouvez le voir.) Argue se souvient: « Cela a été peut-être la plus stressante de toutes les chansons à enregistrer pour Cécile. C’est sa contribution originale, mais c’est celle où elle chante tout en jouant du piano pour toute la section à cordes avec l’orchestre. Il n’y a aucune possibilité de montage dans cette situation. C’est tout à fait transparent parce qu’elle est dans la même pièce, juste là, à côté du premier violon. Et donc chaque micro est partout. Sa voix est dans le micro de tout le monde. Tous les instruments à cordes sont dans son micro. C’est presque comme aller directement sur disque. Et c’était donc la toute dernière chose que nous avons faite à la fin de cette longue et intense et quelque peu stressante séance d’enregistrement. »
La capacité de Salvant à choisir son répertoire est l’une des choses qui rendent son travail si fascinant. Elle chante beaucoup de chansons familières, mais il y a des morceaux sur ses albums qui pourraient être seulement les deuxièmes ou troisièmes enregistrements de quelque chose, jamais réalisés auparavant. J’étais curieux de savoir comment elle trouvait des matériaux qui lui parlent.
« C’est beaucoup d’écoute de beaucoup de musique, à passer en revue des choses que parfois je n’aime même pas, ou à m’enthousiasmer sur un compositeur ou un chanteur. Puis, d’écouter tout ce qu’ils ont fait. C’est beaucoup de plongées dans des labyrinthes. Je le comparerais presque à mon enfance, quand j’allais sur Wikipédia et que je cliquais sur les liens jusqu’à ce que mon cerveau explose. »
« Barbara Song », extrait de Bertolt Brecht et Kurt Weill’s Threepenny Opera, est venu à elle par une performance de Bea Arthur, pour ne pas mentir. « Je l’ai écouté du début à la fin et j’ai pensé qu’il existe d’incroyables chansons dans cet opéra, dans ce musical, peu importe comment on l’appelle. Et puis cela m’a peut-être conduite à écouter tout ce que Kurt Weill a écrit. Et éventuellement cela me mènera à une autre chanson. »
« Being Alive », tiré de la comédie musicale Company de Stephen Sondheim, a aussi été inspiré par une performance inattendue. « J’étais intéressée par Stephen Sondheim et je connaissais le documentaire Company avec Elaine Stritch. Mais je pense que le moment où j’ai vraiment eu envie de chanter cette chanson, c’est quand j’ai vu Adam Driver la chanter dans Marriage Story, le film. Comme, il chante cette chanson de façon aléatoire à la fin du film. Et je pense que sa version est, en toute honnêteté, la meilleure version de cette chanson. Donc je me suis dit : « Oh, attends, je veux faire cette chanson. »
La discographie de Salvant a connu des sauts assez fous ces dernières années. Les disques de jazz acoustique relativement simples qui l’avaient faite connaître ont été remplacés par des cycles de chansons de musique de chambre, de l’art-pop numérique en laptop, et désormais une collection de ballades orchestrales. C’est palpitant de la voir rebondir d’un registre à l’autre, surprenant l’auditeur à chaque fois; mais est-ce trop pour son label ou pour son public ?
« Je pense que, sur le plan professionnel, il est probablement utile pour quiconque promeut la musique de savoir ce qui s’en vient ensuite, non ? », m’a-t-elle confié en riant. « C’est utile pour le public qui est habitué à un certain son et qui ne veut peut-être pas être ébranlé trop souvent. Disons qu’il est utile pour eux d’avoir juste une seule façon de faire les choses. Mais pour moi, j’ai presque l’impression que je ne peux pas m’empêcher. Parfois, j’ai le sentiment d’essayer de garder les choses plutôt tranquilles et de ne pas faire quelque chose de trop différent. Et puis, d’une manière ou d’une autre, je n’arrive pas à rester calme, je suppose que c’est vraiment ce que c’est. »
En fait, With Every Breath I Take était à l’origine supposé sortir avant son disque de pop électronique, Oh Snap!. Mais la séance orchestrale n’a pas pu être planifiée à temps. Et sans révéler ce que ce sera, elle promet que son prochain album sera encore un autre virage à 180 degrés, « mais pour ceux qui me connaissent, ils diront : “Oh oui, tu as toujours aimé ce genre de musique, tu as toujours chanté ce type de musique.” »
Pour Salvant, l’ensemble de sa discographie s’emboîte plutôt bien. « Je pense qu’ils appartiennent tous à peu près au même genre. Je ne sais juste pas quel genre on appelle ça. »
TAKE 10
Civil Disobedience – “For Duke P. (aka XYZ)”
Civil Disobedience est un quintette dirigé par le bassiste David Ambrosio et comprenant le saxophoniste Donny McCaslin, le trompettiste Ingrid Jensen, le pianiste Bruce Barth et le batteur Victor Lewis. Leur premier album éponyme rend explicitement hommage aux tentatives des artistes de Blue Note Records de créer une bande sonore pour le changement social des années 60 à la fin des années 60. Pensez à des albums comme Free For All et The Freedom Rider des Art Blakey and the Jazz Messengers, ou Ghetto Music d’Eddie Gale, mais encore plus obscurs. Le premier morceau, « For Duke P. », est un hommage au pianiste et compositeur Duke Pearson, qui a enregistré abondamment en tant que leader et sideman tout en travaillant comme homme A&R et producteur chez Blue Note. Il a été écrit par le vibraphoniste Bobby Hutcherson; les autres morceaux de l’album sont d’auteurs saxophonistes James Spaulding et Harold Land et du batteur/vibraphoniste Joe Chambers. Tout ici swingue fortement, en restant fidèle aux formes traditionnelles tout en laissant place à des explorations audacieuses. (From Civil Disobedience, disponible dès maintenant via Blue Frog.)
Josh Berman Trio – “Property”
Le trompettiste de Chicago Josh Berman a publié son premier album en trio, avec le bassiste Jason Roebke et le batteur Frank Rosaly, sur le réputé label Delmark de la ville en 2015. A Dance And A Hop était un disque swingant, voire bluesy, avec une énergie bondissante. Un peu plus d’une décennie plus tard, Berman a retrouvé le trio, désormais avec Chris Corsano à la batterie. On pourrait penser, compte tenu de l’habitude de Corsano d’apparaître dans des contextes libres et d’avant-garde (je l’ai déjà vu jouer avec Jandek), que ce serait un ensemble plus fort et plus difficile que son prédécesseur, mais toute la beauté du premier disque est intacte ici. Le timbre de la trompette de Berman est riche et plein, parfaitement équilibré par la basses épaisse et chaude de Roebke. Les pièces ont un flux calme et conversationnel, comme un enregistrement de répétition ou un travail collectif d’idées. Par moments, ils flirtent avec les limites du bruit, mais une douceur centrale revient toujours. (From Everybody Else’s Life, Too, sorti maintenant via Corbett vs. Dempsey.)
Little North – “Hold On”
Little North est un trio danois composé du pianiste Benjamin Nørholm Jacobsen, du bassiste Martin Brunbjerg Rasmussen et du batteur Lasse Jacobsen. Ils existent depuis environ une décennie; leur premier album, Yonder, est sorti en 2016, et ils en ont produit cinq autres depuis. En 2023, ils se sont rendus à Brooklyn et ont enregistré leur septième album avec deux invités: le saxophoniste alto suédois Hannes Bennich et le vibraphoniste américain Joel Ross. C’est ma première rencontre avec leur musique, et ma première impression est qu’ils se situent très clairement dans le domaine « post-jazz » — c’est de la musique pour les fans d’E.S.T., GoGo Penguin et d’actes similaires. Cela dit, les deux invités font beaucoup de travail et les propulsent vers une zone de jazz plus agressive, plus hardcore. « Hold On » est une pièce énergique qui permet à Bennich et Ross d’échanger de longues lignes intenses pendant que Lasse Jacobsen pose une pulsation lourde et rapide. (From Crossing Currents, sorti maintenant via ACT Music.)
Seamus Blake – “Listen Here”
Eddie Harris n’est pas reconnu comme il le mérite. Dans la fin des années 60, il se distinguait en jouant du ténor, de l’orgue et du Varitone, un saxophone électrique, et a connu plusieurs succès qui brouillaient la frontière entre le jazz et le funky R&B. De nos jours, il est probablement mieux connu pour la chanson « Compared To What », enregistrée avec la chanteuse Les McCann, mais son morceau instrumental « Listen Here » a été publié en single, partagé sur les deux faces du 45 tours et l’album The Electrifying Eddie Harris a atteint la 2e place du tableau Billboard des Hot R&B LPs et a été nominé pour un Grammy en 1968. Seamus Blake s’attaque à quelques-unes des pièces les plus connues d’Harris, y compris « Listen Here », « Compared To What » et « Freedom Jazz Dance » (enregistré par Miles Davis !) sur cet album funk qui met en vedette Sam Yahel aux claviers, Tim Lefebvre à la basse électrique, Corey Fonville à la batterie, et la chanteuse Dawn Pemberton. (From The Electrifying Seamus Blake – EH! ‘Plays The Music Of Eddie Harris’, sorti maintenant via Cellar Jazz.)
Remi Álvarez Trio & Isaiah Collier – “Black Emperor”
Remi Álvarez est saxophoniste de free jazz originaire du Mexique. Sur cet album, lui et son groupe habituel — le bassiste Arturo Baez et le batteur Gustavo Nandayapa — sont rejoints par le saxophoniste basé à Chicago, Isaiah Collier, qui a été couvert à plusieurs reprises dans cette chronique. Le résultat est une déferlante old-school, tout à fait dans l’esprit de la résurgence free jazz des années fin 1990/début 2000, lorsque des artistes comme David S. Ware, Charles Gayle, Fred Anderson, Kidd Jordan et d’autres faisaient trembler les salles de New York et de Chicago. Franchement, cet album me rappelle beaucoup (et me procure les mêmes joies hurlantes que) 2 Days In April, un titanesque double CD réunissant Anderson, Jordan, le bassiste William Parker et le batteur Hamid Drake dont je reviens avec étonnement souvent. Álvarez et Collier vont vraiment loin ici, leur énergie ne fléchit jamais, alors que la section rythmique écrase sans relâche comme des vagues sur une plage agitée. (From Black Emperor, sorti maintenant via Pesticide Free Music.)
Nils Petter Molvær – “London – Finsbury Park (John Paul Jones)”
Le trompettiste norvégien Nils Petter Molvær est surtout connu pour son album de 1997, Khmer, une fusion tourbillonnante de jazz et musique électronique qui a défini le paradigme de bon nombre de sa carrière ultérieure. Il a publié une pléthore d’albums qui superposent ses lignes de cor oniriques sur des rythmes pulsants et des guitares étonnamment croustillantes. Be Quiet n’en fait pas partie. Il s’agit d’une collection de pièces en duo, enregistrées ici et là autour du monde sur plusieurs années, avec des musiciens issus d’horizons variés, des expérimentateurs électroniques comme Alva Noto et Miki Yui jusqu’aux traditionalistes comme la violoncelliste Anja Lechner et la joueuse de guzheng Chang Jing. Cette pièce met en vedette l’ancien bassiste de Led Zeppelin John Paul Jones, bien qu’il joue du piano ici, et c’est une ballade improvisée véritablement belle qui s’élève vers des pics émotionnels surprenants. Be Quiet prouve qu’il ne faut jamais tenir un artiste réel pour acquis — ils peuvent toujours vous surprendre. (From Be Quiet, sorti maintenant via Edition.)
Marshall Allen – “Bass Thrust”
Saxophoniste Marshall Allen, qui a fêté ses 102 ans en mai, dirige la Sun Ra Arkestra depuis plus de 30 ans, mais ces dernières années il a enregistré des albums sous son propre nom, et ils sont assez variés et très bons. 101: An Audio Odyssey a été mis en place par le bassiste Jamaaladeen Tacuma, qui a amené Allen, le guitariste Nels Cline, le saxophoniste alto Immanuel Wilkins et d’autres à Big Ears pour une performance, puis les a emmenés en studio. Tacuma a ramené les bandes à Philadelphie, où lui et Allen sont basés, et ils ont continué à travailler, ajoutant quelques éléments jusqu’à ce que l’album soit terminé. Il est l’un des bassistes les plus funky de l’histoire du jazz, après avoir débuté dans le groupe Prime Time d’Ornette Coleman avant de faire carrière solo, et cet album est profondément funk avec des accents spatiaux, comme le montre le morceau d’ouverture, « Bass Thrust ». Les visions de Tacuma et Allen se fondent magnifiquement tout au long. (From 101: An Audio Odyssey, sorti le 24/07 via Ropeadope.)
Terri Lyne Carrington & Social Science – “Solidarity Song”
Le groupe Social Science de la batteuse Terri Lyne Carrington (avec le guitariste Matthew Stevens, le claviériste Aaron Parks et le multi-instrumentiste Morgan Guerin) est son véhicule pour un jazz explicitement polémique et politique. Ce deuxième album présente des pièces au titre simple et déclaratif comme « Identity Song », « Solidarity Song », « Climate Song », « Abolition Song », etc., et une pléiade d’invités vocaux et instrumentistes. « Solidarity Song », la plage présentée ici, bénéficie d’une guitare acérée de Marc Ribot, d’un orgue de Larry Goldings, de voix principales par Buck Elvis et Miki Howard, et de chœurs par Debo Ray et Kokayi. Il se joue comme un court drame dialogué sur le conservatisme rural et la myopie « moi d’abord » versus la résistance; et si vous vivez loin de tout comme moi maintenant (j’écris ceci depuis l’un des comtés les plus conservateurs du Montana), cela vous touche. Vos voisins pensent comme ça. Mais Carrington est optimiste, et la pièce se termine sur une note d’espoir… ou du moins une note d’espoir. (From Trip The Night Fantastic, sortie le 31/07 via Label.)
Cindy Blackman Santana – “The Message Is Love” (Feat. Carlos Santana)
Cindy Blackman Santana est surtout connue pour ses associations avec des stars du rock : elle a été la batteuse live de Lenny Kravitz pendant près de deux décennies (bien qu’il ait joué la batterie sur ses albums), et est mariée à Carlos Santana depuis 2010, avec lequel elle joue. Mais elle a commencé comme musicienne de jazz — je l’ai vue accompagner Pharoah Sanders au début des années 90 — et a enregistré dix albums en tant que leader. Coherence, sorti ce mois-ci, est son onzième. Le noyau du groupe comprend le saxophoniste Emilio Modeste, le claviériste Zaccai Curtis, le guitariste Aurelien Budynek et le bassiste Felix Pastorius (oui, le fils de Jaco Pastorius), mais l’album présente des invités de Carlos Santana et de John McLaughlin (séparément et ensemble). « The Message Is Love » est l’une des pistes sur lesquelles Carlos joue, et c’est une pièce fusion lourde et percutante avec un backbeat façon Godzilla et un saxophone soprano criard qui s’accorde avec les guitares qui hurlent. (From Coherence, sorti le 31/07 via Mack Avenue.)
Steven Bernstein – “Mammoth”
Le trompettiste Steven Bernstein a toujours été un expérimentateur, quelqu’un qui aime jouer avec le son, les genres, et même la trompette elle-même; sur nombre de ses enregistrements, il joue de la trompette à coulisse, qui est techniquement plus proche d’un trombone soprano que d’une trompette. Il a fait énormément de travail en tant que compositeur et arrangeur, et a joué avec une grande variété d’interprètes rock et pop, y compris Aretha Franklin, Lou Reed, Sting, Linda Ronstadt et Laurie Anderson. Son projet principal pendant de nombreuses années a été le groupe Sex Mob, avec le saxophoniste Briggan Krauss, le bassiste Tony Scherr et le batteur Kenny Wollesen; ils ont publié dix albums en tant que groupe, et ont accompagné Laurie Anderson lors d’une tournée européenne 2023-2024 documentée sur l’album live Let X=X, sorti en mai. Les voici interprétant « Gravity’s Angel » ensemble:
Quoi qu’il en soit, Bernstein vient de sortir deux albums simultanément: en fait, ils se vendent sous forme de double LP ou de deux CD, bien qu’il souhaite qu’ils soient considérés comme des œuvres distinctes. ResoNation Trio le met en vedette à la trompette et à la trompette flugelhorn, avec le bassiste Scott Colley et le batteur Nasheet Waits, et c’est un ensemble de musique vraiment agréable, sombre et intime. « Mammoth » est en fait l’un des morceaux les plus uptempo — une grande partie de l’album mijote plutôt qu’elle ne s’emballe. Pourtant, c’est souvent assez beau, et vous le présente comme un joueur lyrique et même romantique.
Le deuxième disque de l’ensemble est complètement différent. Ultra Resonance est une collaboration entre Bernstein et le producteur Scotty Hard, où les sons de ResoNation Trio sont aspirés dans l’ordinateur, déformés et manipulés, et sortent sous des formes totalement méconnaissables. Ce n’est pas une simple « remix » des morceaux, bien que Bernstein cite Garvey’s Ghost (l’accompagnement dub de l’album Marcus Garvey des légendes du reggae Burning Spear) comme source d’inspiration. Chaque composante de la musique est soumise à une réévaluation et à une recontextualisation extrêmes; il est impossible de dire quelle phrase de trompette ou quelle figure de basse provenait d’une chanson d’origine. L’ensemble est un voyage qui déforme l’esprit vers le pur son. Mais à sa façon, il est aussi beau que ResoNation Trio. (From ResoNation Trio/Ultra Resonance, sorti maintenant via Royal Potato Family.)
