James Brandon Lewis donne l’impression d’être sage au-delà de ses années, mais il a tout autant de questions que quiconque. Fils d’un ministre, il a grandi à Buffalo, dans l’État de New York, et a fréquenté Howard University. Après l’obtention de son diplôme en 2006, il s’est installé au Colorado, où il a passé plusieurs années en tant que musicien gospel. En 2010, il a commencé à fréquenter CalArts, étudiant auprès de Wadada Leo Smith, Charlie Haden et d’autres, et a sorti un album indépendant, Moments. Après avoir obtenu son MFA, il s’est installé à New York et a commencé à travailler avec Matthew Shipp, William Parker et Gerald Cleaver, parmi d’autres. Il a sorti Divine Travels en 2014, et n’a cessé de progresser depuis.
La discographie de Lewis est vaste, et répartie sur plusieurs labels, des grandes maisons comme Okeh à de petites maisons européennes indépendantes. Il change fréquemment de personnel, apportant son saxophone dans des contextes très variés. Mais depuis 2018, l’une de ses relations créatives les plus solides est avec le batteur Chad Taylor.
« J’ai d’abord vu Chad Taylor jouer avec Cooper-Moore peut-être en 2014 », se souvient Lewis dans une interview de 2021 accordée à Troy Collins. « Quoi qu’il en soit, nous avons commencé à collaborer après que j’aie réalisé des arrangements de morceaux de Coltrane pour un marathon de saxophone en solo à Philadelphie il y a quelque temps, puis nous avons décidé d’utiliser ces arrangements pour notre duo, que nous avons enregistré comme notre premier album Radiant Imprints. »
Cet album, enregistré en janvier 2017 au Park West Studios de Brooklyn, est sorti l’année suivante. Dans la foulée, les deux ont joué en Autriche, enregistrant l’album Live In Willisau, qui comprend une version de « Willisee », une pièce de l’album Red And Black In Willisau (1985) de Dewey Redman et Ed Blackwell.
« Mon amour pour l’enregistrement en duo Red And Black de Dewey Redman et Ed Blackwell, tout comme l’amour de Chad Taylor pour cet enregistrement, ont alimenté notre propre duo et consolidé notre dévouement à l’exploration profonde du format duo », a confié Lewis à Collins. Il ajouta : « Chad a un niveau mélodique élevé via les percussions et cela m’inspire. De plus, son utilisation de mbira ajoute à son art de manière très dynamique. Sa polyvalence à connaître de nombreux genres musicaux me permet de puiser dans plusieurs influences au sein de ma propre expérience, m’offrant une liberté ultime. »
En 2020, Lewis invita Taylor, le bassiste Brad Jones et le pianiste Aruán Ortiz à le rejoindre dans un nouveau projet de quartet. L’objectif, avec ce groupe, distinct de tous ses autres, était d’explorer un ensemble de principes compositionnels que Lewis appelle la Musique Systématique Moléculaire (MSM). Dans un essai de 2020, il expliquait la théorie derrière cela : que la somme de ce qu’un musicien a entendu au cours de sa vie est l’ADN de ce qu’il jouera sur son instrument choisi. « MSM offre aux musiciens un moyen de découvrir leur propre ADN musical en examinant leurs expériences musicales antérieures, produisant une carte sous forme de ‘molécule’ qui peut ensuite être utilisée pour générer des idées de composition et d’improvisation. »
Au fil de cinq albums en studio et d’un double CD live, Lewis a utilisé les théories de la Musique Systématique Moléculaire pour composer plus de 40 pièces, dont certaines sont clairement liées (il existe des compositions nommées simplement « Per 1 » à « Per 7 » sur les quatre premiers albums en studio du groupe) mais toutes s’emboîtent d’une manière ou d’une autre, formant un seul corps d’œuvre.
« Je pense que, spécialement pour le quartet, en dehors de tous mes autres groupes, il existe clairement un langage que nous avons construit au fil du temps », me disait récemment Lewis, alors qu’il était en tournée avec les Messthetics (guitariste Anthony Pirog, puis bassiste Joe Lally et batteur Brendan Canty, tous deux ex-Fugazi). « Et je ne les ai jamais vraiment montrés. Chad a vu la molécule, et vu comment j’ai construit la musique au fil des années. Mais Aruán et Brad, j’ai un peu de mal… j’aime encore écrire en notation occidentale pour le groupe. »
Lewis m’a expliqué la molécule comme un ensemble de 17 échelles de six ou sept notes. « Mais ce n’est pas de la musique modale. Ce n’est même pas venant de cette perspective. En gros, j’ai construit une molécule pour moi il y a des années qui tire des inférences entre la biologie moléculaire et la nomenclature musicale. Et ensuite, essentiellement, elle sert d’outil de cartographie structurelle, une notion analogue ou métaphorique où vous avez deux éléments… et puis vous continuez à tirer des inférences entre les deux jusqu’à ce qu’ils ne fassent plus qu’un seul. » Il déclare que même après cinq albums, il n’en a encore effleuré que la surface du potentiel de MSM, que son système est « construit d’une manière très spécifique et idiosyncratique, et que la plupart des albums ne couvrent peut-être qu’un, ou peut-être deux ou trois de ces gammes. Donc c’est vraiment… un travail de toute une vie, vraiment, comment je construis dessus. »
Le dernier album du quartet, Omni, est quelque peu une suite musicale à leur sortie de 2024, Transfiguration : « J’utilise désormais l’autre, ce que vous appelleriez dans le cadre de mon système l’espace négatif, qui correspond aux six notes supplémentaires d’une échelle à douze tons. Donc cela répond vraiment à l’idée de musique atonale, mais c’est ma propre interprétation. Ce n’est pas du Schoenberg ou quoi que ce soit. Je conçois ces formules puis je les mets dans des structures de call-and-response ou de cadence. Par exemple, si vous écoutez ‘Line Upon Line’, c’est à peu près ce qui arriverait à l’église, sauf que j’emploie la rangée de tons au début, comme une introduction. »
En effet, « Line Upon Line » commence par une échelle ascendante de douze notes, jouée avec passion, telle une fanfare. Mais la pièce qui suit utilise ces douze tons comme cadre pour un blow-out free jazz passionné dans l’esprit d’Albert Ayler ou de David S. Ware. « C’est comme l’église, tout comme l’église noire », dit Lewis, « où l’on entend la section rythmique répondre au sermon, mais il fallait que cela ressemble à ceci. Mais c’est toujours, vous savez, oscillant entre ces deux structures de six notes et elles se répondent sans cesse. Même chose avec ‘Testify.’ Cela ressemble à du blues. C’est un blues. Mais ce n’était pas nécessairement la façon dont j’y pensais conceptuellement, vraiment… pratiquement toutes les pièces tournent autour de cette idée de jouer avec 12 tons sans nécessairement un centre tonal exact. »
L’idée de combiner la musique à 12 tons — bien que sans s’appuyer explicitement sur Schoenberg — avec les rythmes énergiques du gospel et du blues est fascinante, et l’exécution est à couper le souffle par moments. Il y a un classicisme dans la musique d’Omni; la première fois que j’ai entendu « The Sermon », cela m’est resté en tête comme quelque chose que j’avais déjà entendu auparavant. Avec ses percussions en shuffle et la ligne de basse de Jones qui rebondit, et les accords lourds de piano d’Ortiz qui ancrent le morceau, la mélodie a la force et la profondeur d’un morceau d’Art Blakey.
Lewis dit, « C’était un autre exercice de composition où, quand vous m’entendez jouer, c’est moi qui joue, c’est moi qui abandonne le système et qui utilise simplement ma musicalité, comme d’entendre ma ligne mélodique et de tricher. Je suis presque comme si je m’opposais au problème, vous savez, de dire : il faut que ce soit 12 notes. Et puis j’ai juste chanté mon chemin à travers cela. Donc c’était une ligne que j’ai chantée… j’ai choisi d’aller à l’encontre du jeu de composition que je me suis fixé et j’ai simplement suivi mon intuition. Qu’est-ce que j’entendais et chantais — ce que je fais souvent, je chante à travers certains de mes problèmes pour m’échapper de l’exercice de composition. »
Lewis est très conscient du quartet comme véhicule pour des choses qu’il ne fait pas avec ses autres formations. « Je compartimente ces groupes… lorsque j’ai fondé le quartet, je pensais qu’il me fallait un niveau de maturité. C’est pourquoi tout le monde dans le groupe est plus âgé que moi — cela m’a vraiment aidé de jouer avec eux… Je veux dire, ils me dépassent sur ma propre musique et je me suis amélioré et suis devenu meilleur. » Ainsi, chaque album à ce jour n’a pas seulement été un raffinement de l’idée centrale, mais aussi une vitrine pour un aspect particulier de la musique du quartet. Par exemple, alors que leur premier opus, Molecular (2020), a établi leur voix, le suivant, Code Of Being (2021), a mis l’accent sur de fortes mélodies, et Transfiguration (2024) s’est concentré sur des ballades et des états plus méditatifs, et Abstraction Is Deliverance (2025) était une collection de pièces de free jazz passionnées, presque mantra-like, qui semblaient tracer une ligne entre Coltrane et Ware. Et Omni est presque une suite; Lewis précise que c’est « une continuation de ce que j’ai fait avec Transfiguration, mais incluant aussi des éléments de… pas nécessairement penser à du jazz spirituel, laissez-moi dire que je ne pense pas à ce genre d’ambiance, même si je pensais à la structure d’un service. »
La question de ce qui compte comme « jazz spirituel » est complexe. Les personnes qui emploient ce terme semblent vouloir l’appliquer uniquement à des formes de spiritualité non occidentales. Le jazz influencé de manière ostentatoire par le gospel n’est pas compté, à leurs yeux. Il m’est impossible de comprendre comment un album comme For Mahalia, With Love (2023), collection de morceaux gospel associée à la chanteuse légendaire Mahalia Jackson et sorti en 2023 avec son Red Lily Quintet, pourrait être autre chose que du jazz spirituel dans sa forme la plus directe, mais peut-être que certains critiques ressentent une honte intériorisée liée au christianisme qui les pousse à l’éviter.
« Je pense que cela a été délibéré », dit Lewis. « C’est comme lorsque je rencontre quelqu’un et qu’il me dit pourquoi il n’écoute plus de musique. C’est parce qu’il a commencé sur le clarinette et a eu un mauvais professeur. Cela ne signifie pas que la clarinette est un mauvais instrument. Ça signifie simplement que vous avez vécu une mauvaise expérience. Et je pense que, souvent, non seulement dans la religion, mais dans bien d’autres domaines, nous nous privons nous-mêmes de principes universels. Vous savez, comme je pense que, d’une certaine façon, au fil du temps, cela est devenu une mauvaise chose, l’idée même d’aimer son prochain ou, vous savez, des notions auxquelles nous pouvons tous adhérer. Mais quelques mauvaises expériences, sur des siècles, vous savez, quand on pense aux guerres qui ont eu lieu à cause du christianisme… il y a beaucoup de choses qui se sont produites qui amènent les gens à dire que ce n’est pas cela. Je pense qu’ils ne veulent pas que ce soit… par exemple, pour certaines personnes, il est plus facile d’accepter le mot “créateur” que le mot Dieu. »
Omni est pratiquement un album conceptuel, et comme Lewis le dit, il suit la structure d’un service: les titres des morceaux, dans l’ordre, sont « Omnipotent », « The Sermon », « Fire In My Bones », « Testify », « Omniscient », « Call To Worship », « Line Upon Line », « Spirit Of The Living God » et « Omnipresent ». C’est une déclaration religieuse à l’égal du Meditations de John Coltrane — un album de 1965 dont les deux faces constituant des suites portaient les titres « The Father And The Son And The Holy Ghost/Compassion » et « Love/Consequences/Serenity » — ou de l’œuvre de Charles Gayle (un autre natif de Buffalo, NY, et une grande influence sur Lewis). Mais c’est suffisamment puissant pour qu’un non croyant puisse l’écouter et se laisser emporter par la force de son timbre, et par les échanges grandioses d’un des meilleurs petits ensembles de jazz du XXIe siècle, opérant à l’apogée de son pouvoir.
CHOIX 10
Eric Harland – « Nascente »
En 2010, le batteur Eric Harland — connu pour son travail avec Chris Potter, Charles Lloyd et d’autres — a formé un groupe appelé Voyager avec Walter Smith III au ténor, Taylor Eigsti au piano, Julian Lage à la guitare, et Harish Raghavan à la basse. Ils ont publié un album live, puis ont suivi avec Vipassana en 2014. Ils ont enregistré un autre album, 13th Floor, en 2018, puis ont pris des routes séparées. Maintenant, Harland est de retour avec Vipassana II, mais seul le bassiste Raghavan est présent de nouveau parmi les autres membres de Voyager. Le nouveau groupe réunit Ben Wendel au ténor, Gilad Hekselman à la guitare, Big Yuki aux claviers, et Keita Ogawa aux percussions; la musique est plus aérienne, électronique et funk que jazz. Il y a une pièce plutôt swingante écrite par Ben Wendel, mais « Nascente », une version d’une chanson de 1981 de l’artiste brésilien Flávio Venturini, est si douce et tendre qu’elle semble presque se dissolver au contact de l’air. (Extrait de Vipassana II, disponible dès maintenant via Ropeadope.)
Miles Okazaki – « Boomtown Girl »
Le guitariste et compositeur Miles Okazaki réfléchit beaucoup à la composition; il a enregistré chaque pièce de Thelonious Monk pour guitare solo (et les a toutes interprétées au festival Big Ears cette année). Cet album est un ensemble de pièces arrangées avec rigueur pour un ensemble de 10 musiciens qui comprend les saxophonistes Caroline Davis, Anna Webber et Jon Irabagon; les trombonistes Jacob Garchik et Kalia Vandever (qui apparaît trois fois dans cette chronique, donc surveillez bien); le pianiste Matt Mitchell; les bassistes Chris Tordini et Hannah Marks; et le batteur Dan Weiss. La moitié des musiciens (Davis, Webber, Irabagon, Garchik et Mitchell) étaient présents sur le dernier album d’Okazaki, Miniature America, sorti en 2024, mais la musique ici est très différente; celui-là avait des chanteurs. Par moments, il donne l’illusion d’un acte spontané et d’un abandon, mais chaque note a été placée avec le soin d’un mosaïque. Gardez cela à l’esprit lorsque vous écoutez, et vous serez encore plus impressionné. (Extrait de Boomtown, sorti le 26 juin via Pi Recordings.)
Micah Thomas – « Interface »
Le pianiste et compositeur Micah Thomas a rassemblé un groupe imparable sur son deuxième album solo: il est accompagné du saxophoniste alto Immanuel Wilkins, du tromboniste Kalia Vandever (voir ci-dessous), du bassiste Thomas Morgan et de la batteuse Lesley Mok. C’est une équipe dont le travail, à eux seuls ou dans d’autres formations, repousse les limites du jazz acoustique pour intégrer tout, du gospel au classique contemporain en passant par l’électronique avant-gardiste et la pop rêveuse. Et Thomas les exploite au maximum de leurs capacités, les compositions de cet album passant de free jazz criard et hurleur (« Logic ») à des exercices d’harmonie presque chambristes (« O »). La plupart des pièces laissent beaucoup d’espace pour que les phrases et idées s’impriment dans la mémoire de l’auditeur avant que le groupe n’avance; « Interface », superficiellement une ballade avec Wilkins et Vandever réalisant une sorte de duo romantique, se déploie comme si les musiciens essayaient de vous enseigner la chanson. (Extrait de Lucid, sorti maintenant via Micah Thomas.)
Lakecia Benjamin – « Flame Keeper »
Le dernier album studio de Lakecia Benjamin est presque surchargé d’invités. Les trompettistes Terence Blanchard, Sean Jones et Chief Adjuah y figurent; la chanteuse Tarriona « Tank » Ball et Bilal y sont; les batteurs Kassa Overall et Jeff « Tain » Watts y sont également. Mais « Flame Keeper » pourrait bien être la piste la plus surprenante de l’album, simplement en raison de la combinaison des musiciens. Benjamin est au alto, Chris Potter est au ténor, et il y a trois claviers: Hiromi au piano, Oscar Perez au Fender Rhodes et Miki Hayama sur synthés, avec Richie Goods à la basse et Jonathan Barber à la batterie. Et la pièce est un jam sérieux, bâtie autour d’un groove synthé-funk sinueux sur lequel Benjamin et surtout Hiromi exécutent des soli absolument défiants. Honnêtement, c’est assez surprenant que Potter se retrouve là pour harmoniser avec Benjamin sur les refrains. (Rassurez-vous, il a un solo sur une autre piste, « Dream Breaker. ») Mais c’est un brûlant à ne pas manquer. (Extrait de We Dream, sorti maintenant via Artwork.)
Kalia Vandever – « Waiting »
Je suis habitué à écouter le tromboniste/compositeur Kalia Vandever dans des contextes de petits ensembles relativement traditionnels : leur album 2025 Another View mettait en vedette la guitariste Mary Halvorson, le bassiste Kanoa Mendenhall et le batteur Kayvon Gordon. Mais Vandever semble alterner albums de groupe et sorties solo, dont celle-ci est la deuxième, après 2023’s We Fell In Turn. Les morceaux de ce court disque (sept titres en 27 minutes) ne sont pas seulement des improvisations de trombone; ce sont des pièces soigneusement montées qui présentent de douces et flottantes mélodies de cor mais entourées d’un halo de claviers roses, un piano émotif et des voix discrètes de Vandever qui ressemblent à une version Sade. « Waiting » commence par un trombone nuageux et réverbéré qui semble être voilé par des chœurs fantômes, des notes simples qui gémissent comme une baleine éperdue appelant son compagnon à travers les profondeurs de l’océan. À mi-parcours, l’embouchure s’éloigne, laissant derrière elle des échos échantillonnés, tandis que des graves synthés résonnent et que Vandever commence à chanter au milieu de l’éclat. (Extrait de Mana, sorti maintenant via International Anthem.)
SML – « Roundabouts »
SML est un quintette composé du saxophoniste Josh Johnson, du guitariste Gregory Uhlmann, du claviériste Jeremiah Chiu, de la bassiste Anna Butterss et du batteur Booker Stardrum. Tout le monde, sauf Butterss et Stardrum, fait aussi de l’électronique sous diverses formes, ce qui donne à leur musique une ambiance légèrement mystérieuse, « Qui a fait ce bruit ? » à l’esprit. Leurs albums précédents ont été enregistrés en live, mais soumis à un montage et à une post-production rigoureux; Butterss m’avait confié plus tôt cette année, « J’aime un disque soigneusement curaté… Tu entres, tu sors — tu montres l’idée mais tu laisses tout le monde sur son appétit pour en vouloir plus, et ensuite ils peuvent venir au spectacle live. » Eh bien, cet album est composé de deux longues improvisations live sans montage, enregistrées lors d’une résidence de trois soirées au club Zebulon à Los Angeles en décembre 2025, et il me rappelle un peu Can du début des années 70, avec un saxophoniste qui passe régulièrement à l’avant-scène. (Extrait de Spontaneous Music Live, sorti maintenant via International Anthem.)
Your Brother’s Keeper & Gary Bartz – « Cauldron »
Remontant à 2020, le saxophoniste alto Gary Bartz — qui est devenu une sorte de saint-patron pour la nouvelle génération de musiciens de jazz spirituel — a enregistré un duo avec le groupe britannique Maisha. Cette équipe, dirigée par le batteur Jake Long, comprenait le trompettiste Axel Kaner-Lindstrom, le claviériste Al MacSween, le bassiste Twm Dylan et le percussionniste Tim Doyle. Plus tard, Maisha a perdu deux membres fondateurs, Nubya Garcia au saxophone et Shirley Tetteh à la guitare, et a changé son nom pour Your Brother’s Keeper. Ils ont maintenant enregistré à nouveau avec Bartz. Leur première collaboration fut une session directe sur disque en une journée; ce projet-ci est beaucoup plus tourné vers le studio, avec de nombreux synthés et des effets de production dub apportés aux cuivres. Sur le titre d’ouverture, « Cauldron », le son de Bartz est caressé par des carillons et des synthés drones, avant que Dylan et Doyle lancent une boucle de basse et de rythme qui rappelle le trance. Puis les deux autres cuivres entrent avec une mélodie presque afrobeat et nous sommes partis. (Extrait de Where Rivers Meet, sorti maintenant via Brownswood.)
Patricia Brennan/Sylvie Courvoisier – « The Time We Spent »
Quand deux personnes qui sont de véritables maîtres et pionniers de leurs instruments collaborent, les résultats peuvent être extraordinaires. La vibraphoniste Patricia Brennan a passé ces dernières années à étendre les possibilités expressives de son instrument grâce à l’utilisation subtile et créative de l’électronique; en 2025, elle a joué sur une demi-douzaine d’albums, se révélant comme étant pour les vibes ce que Mary Halvorson est pour la guitare. Aujourd’hui, elle s’associe à la pianiste Sylvie Courvoisier (qui a enregistré l’album Bone Bells avec Halvorson l’an dernier) et la musique que ce duo crée est aussi étonnamment créative et belle que tout ce qu’elles ont pu faire par le passé. Le titre de l’album, Talamanti, dérive d’un mot nahuatl, tlamantli, décrivant des choses qui se ressemblent tout en restant distinctes; et en effet, la façon dont les notes de chaque musicienne résonnent sur « The Time We Spent », devient tout simplement une seule et éblouissante chose. (Extrait de Talamanti, sortie le 26 juin via Antlia.)
Alden Hellmuth – « Face The Wall »
Sur son deuxième album, l’alto saxophoniste Alden Hellmuth est accompagné par le bassiste Logan Kane et Miller Wrenn, ainsi que le batteur Justin Brown, et divers invités: Yakiv Tsvietinskyi joue de la trompette sur une pièce, Paul Cornish joue du piano sur une autre, Sharada Shashidhar donne des voix sur une autre, et Caleb Buchanan joue de la guitare sur une autre. Certaines pièces sont fortement abstraites, tandis que d’autres sont clairement soigneusement composées. « Face The Wall », premier single et pièce de clôture, ne présente que le groupe central, mais ils envoient du lourd. L’effectif — alto, un bassiste pincant et l’autre bowant, et des percussions frappantes — imite ce que Ornette Coleman effectuait lorsque je l’ai vu au Carnegie Hall en 2003, et ce groupe, du moins sur cette pièce, est presque aussi agressif que ce qu’il était. La performance de Brown rappelle qu’il joue avec le trompettiste Ambrose Akinmusire, mais aussi dans le groupe de Thundercat, et qu’il faisait partie du quatuor hardcore OFF! (Extrait de Tether, sorti maintenant via Leiter.)
Nduduzo Makhathini – « Unembeza »
J’écoute le pianiste sud-africain Nduduzo Makhathini depuis près d’une décennie maintenant. Je l’ai découvert d’abord avec l’album Ikhambi, sorti en 2017 chez Universal South Africa. Mais j’ai rapidement découvert que Ikhambi était son huitième album; il avait déjà sorti sept disques indépendamment, débutant en 2014 et couvrant tout, des sessions de petits groupes conventionnels (Mother Tongue, Listening To The Ground, Sketches Of Tomorrow, Icilongo: The African Peace Suite) à un ensemble en solo, Reflections, puis Inner Dimensions, un album composé pour un trio piano et un ensemble vocal de huit chanteurs. (Ces premiers albums sont tous disponibles sur Bandcamp. À écouter.)
En 2020, Makhathini a signé avec Blue Note, et semble avoir recommencé à zéro. Son premier ensemble sous ce label, Modes Of Communication: Letters From The Underworlds, était une suite directe de Ikhambi. Ses 11 titres, qui s’étendent sur 75 minutes, mêlaient jazz spirituel (et gospel) à des rythmes et des textes en anglais et en isiZulu, chantés par Makhathini lui-même et sa femme Omagugu. Cela a ravi de nouveaux fans, mais en tant qu’auditeur familier avec son travail, j’en voulais plus. Le suivant, 2022, In The Spirit Of Ntu, était un album plus puissant et conflictuel, émotionnellement cru par moments et même agressif; son jeu piano sonnait moins comme McCoy Tyner et son mentor de l’époque Bheki Mseleku et plus comme Randy Weston, voire même comme Matthew Shipp. Cela a été suivi par le trio uNomkhubulwane (2024), une suite en 11 titres divisée en trois mouvements.
Le quatrième album Blue Note de Makhathini est encore plus tourné vers la sphère familiale que ses œuvres précédentes. Il est construit autour de son trio actuel avec le bassiste Dalisu Ndlazi et le batteur Lukmil Perez, mais il a été co-produite par son fils Thingo, et met en vedette Omagugu sur les voix sur plusieurs morceaux. Le DJ et producteur Black Coffee, le flûtiste Shabaka Hutchings, le trompettiste Robin Fassie, le guitariste Keenan Ahrends, le batteur Ayanda Sikade, et deux autres chanteurs, Thando Zide et Muneyi, apparaissent ici et là aussi. Les pièces vont des morceaux de jazz spirituel qui ressemblent presque à des hymnes à des expériences teintées d’électronique et à d’autres encore. Mais ce morceau, « Unembeza », est une pièce de trio simple, une mélodie douce qui révèle la musique gospel au cœur d’une grande partie de son travail (Makhathini est un guérisseur traditionnel mais aussi un chrétien convaincu) et peut-être aussi un petit peu de Keith Jarrett? C’est beau, issu d’un album extrêmement varié et excitant. Avec le décès récent du pianiste Abdullah Ibrahim, il semble que Nduduzo Makhathini soit le musicien de jazz sud-africain le plus en vue du moment, et un album comme celui-ci va seulement aider à cimenter son statut. (Extrait de The Myth We Choose, à paraître le 26 juin via Blue Note.)
