La dernière fois que Death Cab For Cutie a sorti un album qui n’était pas sur Atlantic Records, The O.C. était la nouvelle sensation télévisuelle, et une partie des fans du groupe n’allait pas encore naître. Cet album était Transatlanticism, un classique indie qui a propulsé Death Cab vers une vraie célébrité dans le monde du rock. Aujourd’hui, le groupe revient enfin au monde dont il provenait. Vendredi, pour la première fois en 23 ans, Death Cab sortira un nouvel album sur un label indépendant.
Prévu pour sortir sur la filiale storied d’Epitaph, ANTI- Records, I Built You A Tower marque une nouvelle ère pour l’un des groupes qui ont défini une génération de rock indépendant, et ils entament cette nouvelle phase en fanfare. Le successeur de Asphalt Meadows (2022) associe certaines des chansons les plus percutantes de Benjamin Gibbard au producteur John Congleton, un disciple de Steve Albini qui sait mettre en valeur l’agressivité dans une prise de son. Et, aux côtés des accès d’agressivité tels que « Punching The Flowers » et « How Heavenly A State », il y a des virages stylistiques comme l’ouverture acoustique « Full Of Stars » et le morceau axé sur les claviers « Trap Door ». C’est un autre chapitre accompli dans ce qui a été une renaissance du milieu de carrière pour le groupe.
La nature alternant entre tumulte et tendresse de la musique reflète les circonstances qui l’ont façonnée. Dans les années qui ont suivi Asphalt Meadows, Death Cab et l’autre groupe de Gibbard, The Postal Service, se sont lancés dans une tournée d’arènes célébrant le 20e anniversaire de Transatlanticism et Give Up. Les concerts ont été exigeants pour Gibbard, le chanteur des deux groupes, et pas seulement physiquement. Tout au long de la tournée, il traversait un divorce extrêmement douloureux. I Built You A Tower tient son nom des efforts qu’il a fournis pour compartimenter son chagrin lors de certains des plus grands spectacles de sa vie.
Il y a quelques mois, j’ai participé à un appel vidéo avec les trois membres les plus anciens de Death Cab For Cutie — Gibbard, le bassiste Nick Harmer et le batteur Jason McGerr — afin de discuter des différences entre travailler avec des labels indépendants et des majors, de la confection du nouvel album, de naviguer dans leur carrière en pensant comme des superfans de Death Cab, de devenir les vieux à l’affiche des festivals de musique, et de pourquoi ils n’organiseront jamais leur propre croisière. Lisez notre échange ci-dessous.
Vous avez un nouveau label. Comment se sent-on de revenir sur un label indépendant et d’obtenir un nouveau départ à ce stade de votre carrière ?
BENJAMIN GIBBARD : Je veux dire, on est enthousiastes. ANTI-, nous étions tous fans de leur label avant de commencer à discuter avec eux, et je pense qu’ils ont fait un très bon travail pour construire un roster qui va de légendes comme Tom Waits à des groupes plus jeunes comme Slow Pulp et the Beths, des groupes avec lesquels nous avons tourné et dont nous sommes amis. Et Fleet Foxes, un autre groupe avec lequel nous sommes amis et qui vient d’ici Seattle. Ça fait du bien d’être sur un label qui couvre une grande diversité d’artistes, qui traversent différents âges et styles, et qui semble être le bon endroit pour nous.
JASON MCGERR : J’ajouterais simplement que ça ressemble à une grande randonnée et que nous venons d’entrer dans un village où tous nos amis sont réunis. Je vois les choses au même niveau. Rien contre Atlantic. Atlantic a été incroyable pour nous. Mais là, cela semble être le bon moment, le bon endroit.
GIBBARD : Dans la première rencontre que nous avons eue avec ANTI- à leurs bureaux, j’étais assez émerveillé de traîner avec Brett [Gurewitz], parce que j’ai grandi en étant fan de Bad Religion, comme beaucoup de gens. C’était donc fou d’être dans une pièce avec un type de Bad Religion et de discuter de signer notre groupe. Ça m’a frappé à ce moment-là. Rien contre Atlantic. Nous avons passé 20 années vraiment réussies là-bas. Nous avons tissé des relations que nous garderons pour le reste de nos vies avec des gens qui travaillent pour ce label. Mais il y a une différence marquée entre un label géré par des gens de l’industrie musicale et des gens qui sont dans des groupes. C’est juste une impression très différente.
Je suppose qu’il y a eu un processus de « shopping autour ». Y avait-il des éléments particuliers que vous cherchiez ? On dirait que le fait d’être géré par des groupes fait partie des critères.
NICK HarmER : Il n’y avait pas grand-chose comme processus de shopping autour. C’était intéressant. Nous sommes clairement entrés dans cette phase de « Qu’allons-nous faire ensuite ? » avec un esprit ouvert, mais nous espérions vraiment que quelqu’un enthousiaste à l’idée de travailler avec nous viendrait à nous plutôt que nous devions aller frapper aux portes. Et heureusement, ANTI- est venu vers nous assez tôt.
Il y a eu beaucoup d’hésitations et de réflexions pendant que nous envisagions la transition de Barsuk vers une major. Sortant de ces 20 dernières années chez Atlantic, nous savions ce qui était important pour nous, et il n’y avait pas vraiment de doute sur le leader parmi les prétendants très tôt. Ce n’était donc pas une longue période de shopping, ce qui était agréable. Cela a tout de suite été super. Nos premières rencontres avec eux ont tout de suite révélé quelque chose qui collait philosophquement, et c’était très important pour nous.
GIBBARD : Oui, et nous n’avions aucune envie, ni ne pensions que ce serait réaliste, de parler à d’autres majors. Ce n’est pas comme s’il s’agissait d’un regard sur le passé légèrement idéalisé, mais nous avons eu, à bien des égards, l’opposé de l’expérience que la plupart des groupes décrivent sur une major. Nous sommes arrivés, avons signé chez Atlantic en 2004. On nous a laissé faire nos disques comme nous les faisions toujours. Nos succès et nos échecs étaient évidemment partagés par le label, mais toutes les réussites ou échecs créatifs revenaient vraiment à nous.
Ce n’était pas comme si quelqu’un du label nous disait de changer quoi que ce soit ou de faire la musique d’une certaine manière ou d’avoir telle ou telle feature ou peu importe les conneries. C’était vraiment juste que nous pouvions faire nos disques, et ils faisaient du bon travail pour les promouvoir. Nous avons accompli ce que nous nous étions fixé comme objectif en signant sur une major, qui était de faire en sorte que notre musique atteigne davantage de personnes, de manière authentique à qui nous sommes en tant que groupe, et nous l’avons fait. Donc l’idée de signer avec une autre major, certainement en 2025, était tout simplement folle. Nous savions qu’il n’y aurait aucun moyen d’avoir une expérience qui serait autre chose qu’une pâle imitation de ce que nous avions vécu avec Atlantic.
HARMER : Le paysage a tellement changé. Il faut suivre son instinct ces jours-ci sur ce qu’il faut faire. Et c’est l’avantage d’être un groupe aussi longtemps — beaucoup de décisions, que ce soit en studio pour décider quoi enregistrer, quoi jouer, comment faire les tournées, quelles salles choisir, quels groupes prendre pour ouvrir, quels labels travailler avec, les attachés de presse, tout cela devient beaucoup plus clair plus on avance. Et donc c’était une décision instinctive assez facile, quelque chose sur lequel tout le monde dans le groupe était d’accord. Il n’y a pas eu de résistance. Comme « Je sais pas, et ces gars-là ? » « J’aime vraiment ce label. » « Ouais, ça fait sens. »
On dirait que beaucoup de vos pairs se retrouvent à peu près au même stade de leur trajectoire, comme Modest Mouse qui vient de mettre fin à sa collaboration avec Epic. Vous avez mentionné être à un stade différent il y a 20 ans plutôt qu’aujourd’hui, mais le paysage est-il aussi différent ? Autrement dit, y a-t-il moins de raisons de signer avec une major aujourd’hui qu’en 2004 ?
HARMER : Je pense que oui. La nature même de la promotion musicale et surtout du démarrage de nouvelles musiques a énormément évolué. Je ne pense pas que les majors soient aussi axées sur le développement d’artistes qui construisent une carrière durable. Elles se concentrent plutôt sur la mise en avant immédiate de nouveautés et leur explosion mondiale. Après l’obtention du hit initial, elles passent ensuite au prochain. Une partie de cela résulte du rythme rapide d’Internet et de l’évolution de la culture pop en ce moment. Il y a tellement de mouvement qu’il faut rester en haut de l’onde. Mais je ne dis pas que c’est une bonne ou une mauvaise évaluation. Je pense simplement que si vous êtes un groupe comme Modest Mouse ou nous, ou un groupe axé sur le fait de faire ce métier sur le très long terme, et que c’est votre carrière et votre raison d’être, à un moment donné, c’est tout un autre modèle mental de soutien et de développement. Le paysage a changé. Il n’y a aucun doute à ce sujet.
GIBBARD : Et pour rebondir sur ce que dit Nick, lorsque nous avons signé chez Atlantic en 2004, deux des principaux vecteurs de promotion étaient la radio et, dans une certaine mesure, MTV encore à l’époque. L’une des nombreuses raisons pour lesquelles nous avons signé chez Atlantic, ou voulu signer chez une major, était d’obtenir notre musique à la radio. Parce que notre musique n’était pas à la radio. Elle était sur la radio universitaire, mais pas sur les formats commerciaux alternatifs ou AAA ou autre. Un avantage énorme que ces majors avaient à l’époque sur les indies était des départements radio internes qui pouvaient promouvoir notre groupe et d’autres sur ce format.
Aujourd’hui, la radio alternative existe toujours. Je tiens à être très clair à ce sujet, car nous aimerions y être joués. Mais elle n’est pas autant le moteur culturel qu’elle ne l’était autrefois. Et comme l’a dit Nick, les gens découvrent la musique sur TikTok. La plupart ne découvrent pas la musique à la radio terrestre dans les mêmes proportions qu’il y a plus de 20 ans.
Il semble que vous aviez toute la liberté créative que vous souhaitiez dans l’arrangement précédent, mais le fait d’aller dans cette nouvelle frontière a-t-il influencé votre approche de ce nouvel album d’une manière ou d’une autre ?
GIBBARD : Pas nécessairement. Je dirais que lorsque nous étions sur Atlantic, pour être honnête avec moi-même, en écrivant certaines chansons pour certains de ces disques, je n’ai jamais cherché à écrire un soi-disant hit. Il n’y avait jamais cet effort conscient d’écrire un hit. Mais lorsque nous arrivions vers la fin du processus d’écriture de l’album, nous étions prêts à entrer en studio, et cela devenait une conversation qui avait lieu, en interne et avec notre management. Et il y avait une intention autour de, comme, « Quelle chanson est la chanson radio ? Quelle chanson est le single ? » Et il semblait y avoir — pas nécessairement une pression que je m’imposais consciemment — mais je pense qu’il y avait une pression subconsciente du type « Nous devons avoir au moins une ou deux chansons qui peuvent passer à la radio. » Peut-être qu’en étant honnête avec moi-même, il pourrait y avoir eu un petit segment de cela qui entrait dans mon esprit subconscient en tant qu’auteur-compositeur.
Et en abordant cet album avec ANTI-, évidemment nous aimerions des chansons qui passent à la radio, mais j’ai ressenti un poids particulier, non dit, qui s’était levé de mes épaules. ANTI- est bien plus axé sur l’album que sur le fait de s’assurer que nous avons des chansons pouvant passer à la radio. Ce n’est pas quelque chose qu’ils nous ont dit explicitement, mais c’était quelque chose que nous avons retenu de nos rencontres avec eux au début — les personnes présentes dans la pièce, Andy [Kaulkin], Brett et Alison [Crutchfield], ce sont des gens d’album, et nous sommes un groupe d’album. Voir ce poids se soulever, ne serait-ce qu’un peu, a été un soulagement bienvenu.
Je pense que vous tenez quelque chose. J’ai aussi ressenti ce sentiment de libération lorsque nous avons quitté Atlantic. Il y avait moins de discussions sur ce qui allait arriver après l’album dans ce genre d’engrenage d’espoir et de plans. Pour nous, que ce soit conscient ou non comme Ben le disait, il y avait soudainement beaucoup plus de conversations et beaucoup plus de réflexion sur le fait que nous pouvions revenir à l’introspection, et, d’une certaine manière, arrêter de penser à la façon dont l’album sera reçu, et vraiment nous concentrer sur jouer de la musique les uns avec les autres et apprécier le processus de réaliser un disque avec John Congleton. Je ne vais pas dire que c’était un retour à la forme car je n’ai jamais eu l’impression que nous avions perdu le pas — nous avons toujours été capables de le faire. Mais j’ai ressenti bien moins d’oreilles extérieures et d’opinions d’un coup, et il y avait un soulagement certain. C’était très petit, mais dans le bon sens. J’ai aimé cela.
C’est la première fois depuis que je fais partie du groupe, depuis Transatlanticism, que nous avons enregistré un disque, l’idée d’un label ou des gens du label ayant une opinion, ou quelqu’un en dehors du groupe — il n’y avait pas d’influence extérieure. C’était nous en studio avec Congleton. C’était l’objectif. Ça allait fonctionner. C’est ce que vous voyez. C’est avec qui vous discutiez chaque jour. Nous n’envoyions pas la musique même à la direction. Enfin, peut-être vers la fin. Mais nous avons commencé ce processus pratiquement à la fin de notre mandat avec Atlantic, et nous étions juste en plein air, les uns les autres, en regardant autour.
Cette combinaison du groupe est désormais âgée de 12 ans. Je faisais le calcul l’autre jour. Je me demandais : « Combien de spectacles avons-nous donnés ? » Je voulais l’envisager dans ce sens. Comme si nous allions au studio après avoir accompli une certaine quantité de travail, une certaine quantité de muscles, une certaine habileté. Nous nous connaissons. Nous nous faisons confiance. Depuis combien de temps faisons-nous cela ? Je veux dire, on peut faire le calcul en années, mais je n’étais pas sûr du nombre, même si quelqu’un dans notre entourage le sait. Mais j’ai dû vérifier, et c’est 1 800 spectacles. Et quand vous regardez les groupes qui laissent une empreinte durable, combien de temps ils ont joué, la plupart ont de la chance d’atteindre les 1 000.
Et lorsque vous allez au studio pour décider ce qui doit se passer, et aussi avoir ce respect mutuel et la confiance pour pouvoir prendre les choses en main et le faire bien, et rester sur sa lancée ? C’était le sentiment global qui m’accompagnait en enregistrant ce disque. Il ne s’agissait pas d’un label. Il ne s’agissait pas d’écrire un single, comme Ben l’a dit. Il n’y avait rien. Et je pouvais le voir chez Ben. Je pouvais le voir chez Nick. Je pouvais le voir chez tout le monde, que personne ne pensait à cela. C’était comme si nous nous demandions simplement : « Comment faire du meilleur disque possible ? »
Vous avez mentionné Congleton, qui a produit l’album. Comment avez-vous décidé de travailler avec lui cette fois-ci ?
HARMER : Nous n’avons pas eu vraiment beaucoup de discussions sur le fait de travailler avec quelqu’un d’autre. Nous avons eu une excellente expérience en travaillant avec lui sur Asphalt Meadows, et nous savions tôt avec le matériel que Ben écrivait que Congleton serait une autre excellente correspondance pour cela. De plus, entre Asphalt Meadows et ce disque, il avait terminé et ouvert son propre studio à Los Angeles. Nous étions enthousiastes à l’idée de travailler avec lui dans un espace qui était sien, pensé et créé par lui. Nous savions que cela donnerait un coup de pouce supplémentaire.
Quand nous sommes arrivés et qu’il y avait ce niveau de « faire connaissance » pendant Asphalt Meadows, à se jauger les uns les autres, sans parler de politesse nécessairement, mais il y avait ce niveau de, nous sommes en train de construire de la confiance, cette fois-ci, nous savions vraiment ce que John apportait et ce que nous apportions, et il y avait beaucoup plus de confiance dans son processus en tant que producteur. Et nous savions en entrant que nous allions essentiellement le laisser prendre un peu plus les rênes dans la production et la vision complètes des choses. Et cela nous excitait. Cela signifiait que nous pourrions nous mettre au travail avec lui plus rapidement et arriver directement au cœur de ce que nous faisions sans ce processus de « faire connaissance ». Et cela faisait du bien.
Il a travaillé sur le dernier disque, mais je pense ressentir sa signature un peu plus sur cet album. Évidemment, il a travaillé sur plein de disques différents, et peut-être que je pense à ce qu’il apporte à sa propre musique. Mais je l’imagine mettre en avant une tonalité plus dure, et j’ai l’impression de l’entendre sur cet album. Je veux dire, Nick et Jason, vous vous lâchez sur certaines chansons. Est-ce un choix esthétique que vous poursuiviez intentionnellement ?
HARMER : Certainement du côté de la section rythmique, beaucoup d’idées… Nous savions qu’il y aurait une petite pointe d’agressivité dans ce matériau avant de commencer à travailler avec John, et nous savions que John pouvait vraiment l’amener jusqu’au bout. C’est pourquoi il est adapté au matériel, sans aucun doute. Mais Ben, tu peux en parler un peu plus, de la façon dont tu as été intentionnel dès le début. Je pouvais entendre dans les premières démos qu’il y avait un peu plus de rugosité, d’une certaine manière. Et nous avons eu des conversations pour essayer de préserver cela tout au long du processus.
GIBBARD : Si vous écoutez les démos pour l’album, et je ne dis pas cela en faisant un reproche à John, vous ne vous dites pas : « Bon sang, comment John est-il arrivé à ce point ? » Je veux dire, John a apporté sa sauce et a pris un certain nombre de choix de production qui ont élevé l’énergie des démos, et, dans ce sens, les a vraiment améliorées. Mais ce n’était pas comme si nous étions entrés dans le studio avec John en disant : « Tu dois tout booster, mec ! Allez ! » Il disait simplement : « Cool, ces démos déchirent. Raffinons-les vraiment. »
Entre mes démos et une partie de ce que nous avons travaillé en tant que groupe, je dirais que l’album final est plus proche des démos que peut-être n’importe quel disque que nous avons jamais fait. Et vous pouvez me contredire si vous pensez que j’ai tort, Nick et Jason. Mais nous avons apporté des chansons qui étaient plus abouties, probablement, que n’importe lesquelles que nous avons apportées, peut-être depuis Narrow Stairs. Donc il n’y avait pas cette idée de « Bon, comment les batteries vont-elles passer ? » ou « La basse va-t-elle être distordue ici ? » ou « Est-ce la partie où la guitare fait ceci ? »
Nous avons enregistré ce disque en 3,5 semaines, parce que tout le monde savait ce qu’il faisait. Tout le monde avait une feuille de route, et John savait exactement comment apporter ce petit supplément pour que les choses claquent quand il faut qu’elles claquent et soient belles quand il faut qu’elles soient belles. Et il a fait un travail vraiment merveilleux à cet égard. Donc ce n’était pas du tout que nous nous sommes tournés vers lui et nous avons dit : « S’il te plaît, fais-nous rocker ». Il avait entendu toutes les démos, et il disait : « Ouais, ce truc défonce, allons-y vraiment correctement », tu sais ?
Parfois, quand des groupes essaient de boucler un album rapidement, c’est par nécessité. « On n’a pas beaucoup de temps pour travailler », ou peu importe. Et parfois, ils choisissent délibérément de le faire vite. Il semble que ce soit tout le temps qu’il vous fallait, car tout le monde avait ses affaires en main. Mais y avait-il un choix conscient selon lequel « Nous allons avancer rapidement ici et ne pas traîner » ?
GIBBARD : Je voulais amener des chansons qui soient aussi complètes que possible, au moins dans le cœur même de la chanson. Et nous avons tous eu des discussions, ensemble et en petits groupes, du genre « Je ne veux pas qu’on se retrouve dans une situation où nous sommes au studio à essayer de trouver le ton parfait pour le double de cette partie du refrain », tu vois ? Ou « OK, voici la ligne de lead, et maintenant on la fait aussi sur trois synthés différents pour l’étoffer ». J’écoutais beaucoup de musique que j’aimais en grandissant et me suis rendu compte que beaucoup de ce genre — Fugazi en est un parfait exemple — ce n’est pas de la musique décorative, mais tout ce qui s’y trouve a sa propre voie, sur le plan tonal et musical. Tout ce qui est dans ces chansons doit être là, et il n’y a pas vraiment de place pour autre chose sans faire s’écrouler toute la maison.
Il s’avère que lorsque vous n’ajoutez pas 80 pistes à chaque chanson, vous pouvez travailler assez rapidement. Quand vous faites les batteries trois fois et que Jason assure, et que ça sonne génial, c’est « OK, on passe à la suivante ». Ou Nick fait une ligne de basse géniale, ou Zac [Rae] joue quelque truc formidable sur le clavier. Parfait, pas besoin d’en faire trop.
HARMER : Les points forts de John en tant que producteur se fondent bien dans cette philosophie que nous avons apportée, car il fonctionne ainsi. En tant que producteur, il ne vous presse pas pour la vitesse, du genre « Dépêche-toi, il faut tout boucler ». Mais il est vraiment rassurant, comme « OK, on l’a. Écoute, ça sonne bien. Ne réfléchis pas trop. Passons à la suite ». Et avoir ce genre de gardien dans le processus, qui dit « les gars, c’est là », rend les choses plus faciles et évite le doute.
GIBBARD : Une chose que John disait, les phrases que vous entendriez tous les jours, c’était « Je veux dire, vous pouvez le refaire si vous voulez, mais moi, je l’ai ». Comme « Vous n’avez pas besoin de le refaire ». C’est vraiment le reflet de l’enseignement de John sous Albini.
Oui, j’allais te demander ça. C’est un peu la version Albini d’un album de Death Cab.
GIBBARD : Oui, en fait, un peu plus de compression que sur un disque d’Albini. John était un étudiant de Steve, et il apporte beaucoup du MO de Steve, ce qui était génial. Bien sûr après avoir fait les deux disques que nous avons faits avant John, ces disques ont pris une éternité à réaliser, pour une myriade de raisons. Certaines liées aux chansons et à ce que nous apportions, et au niveau de finition, et au travail nécessaire en studio. Mais c’était aussi le processus. C’était incroyablement lent. Donc c’était vraiment rafraîchissant d’entrer et de sortir en trois semaines, 3,5 semaines. Au point où — nous avions des conversations au sein du groupe où quelqu’un pouvait dire: « Attends, est-ce qu’on aurait vraiment dû passer une semaine de plus là-dessus ? » Et je répondais : « Je ne pense pas. » Nous n’avions pas besoin de passer une semaine de plus, parce que je suis très satisfait de tout. Il semble que tout le monde l’est aussi.
Ben, les documents de promo de l’album font référence à toi et à ton vécuFace à la douleur et à l’effondrement personnel qui animent ces chansons. Que s’est-il passé ?
GIBBARD : Je suis passé par un divorce, et j’en reste là. Quiconque a traversé un divorce ou une séparation comprend à quel point cela peut être douloureux, et pour moi, j’avais le sentiment d’y revenir sans cesse et de vouloir écrire entièrement de mon point de vue. Je voulais écrire ce que je ressentais et ce que mes soirées et mes matins calmes ou tout autre moment représentaient. Plutôt que d’écrire un disque qui existerait davantage dans le tribunal de l’opinion publique du genre « Il a dit, elle a dit », peu importe ce que ce serait. Je ne considère pas cet album comme un disque de rupture. Je le vois comme un disque qui parle d’accepter soi-même à la suite d’une rupture, ce qui est très différent. Pour moi, le disque existe dans l’espace de… C’était une période incroyablement douloureuse et difficile, et une grande partie de cela s’est produite pendant que nous étions en tournée, à jouer Transatlanticism et Plans. J’ai donc cette juxtaposition dans ma vie où nous jouons dans des arènes, célébrant ces albums, et je suis sur scène en train de interpréter, puis je dois immédiatement descendre et gérer quelque chose d’horrible. Ou passer directement de quelque chose de violent sur scène à une autre scène, et revenir ensuite. C’est donc ça, l’album. L’album parle de mon parcours, je devrais dire, à travers ce que je traversais à ce moment-là, et non pas de quelqu’un d’autre. L’album parle vraiment de moi ; il ne s’agit pas de la relation.
Les paroles ont définitivement une qualité « dans ta tête », et peut-être que l’imagerie de la tour que tu as créée parle de cela. Ça paraît vraiment intime. Comme tu le dis, cela ne ressemble pas à une conversation. Cela ressemble à une conversation avec soi-même.
GIBBARD : Quand on fait face à la perte, au chagrin, à la douleur, ou à tout type de divorce, séparation, etc., on doit quand même exister dans le monde. Il faut se lever le matin et faire son travail. Il faut assumer ses responsabilités, sous toutes leurs formes et façons. Et cela exige de compartimenter ce que vous traversez, ce qui est incroyablement difficile, afin de pouvoir passer la journée et gérer vos responsabilités. Et cela peut être incroyablement difficile parfois. Et parfois, juste au moment où vous pensez l’avoir sous contrôle, quelque chose surgit de nulle part et vous ramène dans cette douleur, ou ce chagrin, ou ce traumatisme, et vous devez vous réajuster. Il faut vous demander : « OK, comment revenir sur la bonne voie ? »
Alors j’ai commencé à revenir sans cesse à cette idée pendant que j’écrivais cet album, et lorsque j’ai écrit « I Built You A Tower », le premier. Je me suis vraiment installé là-dedans. Cela reflète et s’inspire du fait de devoir sortir et faire ces spectacles et de dire : « Hé tout le monde, content d’être ici », et d’être là pour les deux groupes, sans parler des gens qui viennent aux spectacles. J’ai dû mettre ce truc de côté. Je devais faire mon putain de travail. Et j’ai fait mon travail, mais cela ne change pas le fait qu’il y avait certaines traces de cela, et c’était parfois assez difficile.
« Riptides » a été le premier single. Vous veniez de dire que vous n’aviez pas besoin de réfléchir à « Quel est le single ? Quel est le morceau pour la radio ? » Mais qu’est-ce qui a fait de ce morceau le choix pour introduire ce corpus de travail ?
HARMER : C’était un choix du label. Ce qui était libérateur à ce moment-là, c’est que nous avons remis l’album et nous avons dit : « à vous de choisir ! » Cela peut sembler un peu léger dit comme ça, mais je pense que chaque chanson de l’album mérite d’être un single radio et d’être jouée d’une manière ou d’une autre. Mais évidemment, ils savent ce qu’ils font. Ils ont des gens en interne. Ils peuvent écouter les albums et réfléchir à des choses auxquelles nous ne pensons pas. Ils ont identifié des chansons tôt qui, selon eux, fonctionnent vraiment pour cela. C’est l’avantage d’un partenariat avec un label bon et plein de personnes compétentes. Il y a une confiance mutuelle dès le départ : ils vont te représenter correctement ou ils vont choisir les chansons qui — bien sûr, nous sommes fiers de tout — mais qui vont faire découvrir cet album d’une manière peut-être différente de ce dont nous serions capables.
GIBBARD : Je suis aussi vraiment fier du fait que « Riptides » soit le premier single pour de nombreuses raisons, et que ANTI- ait été si enthousiaste. Parce que c’est essentiellement une chanson bruitiste au cours des deux premières minutes et demie. Il n’y a pas vraiment de changements dedans. Sans les dénigrer, je ne peux pas imaginer le bureau radio d’Atlantic disant : « Faisons en sorte que cette chanson qui n’a pas d’accord pendant les deux premières minutes soit le single principal de l’album dans lequel nous avons investi. » Mais en même temps, en y pensant, je dois accorder le crédit à Atlantic, car ils pensaient que « I Will Possess Your Heart » devrait être un single, et cette chanson dure huit minutes et demie, n’est-ce pas ? Donc vous savez quoi, je retire ce que je viens de dire. Mais je pense que « Riptides » fait un bon travail pour représenter la tension de l’album et le ton global de celui-ci. Nous sommes enthousiasmés.
Cela est probablement vrai à divers degrés tout au long de l’album — il y a des chansons qui semblent plus explicitement centrées sur une relation que d’autres, ou plus interpersonnelles que d’autres. Mais « I’m too tired to start/ I can’t bring you up to speed/ There’s too many riptides in this ocean to proceed. » ou la portion précédente « I’m too tired to talk/ Too tired to end the war/ And I can’t seem to hold it together anymore. » Cela semble largement applicable. Cela donne l’impression d’une sensation que beaucoup de personnes pourraient probablement comprendre, simplement usées par la vie moderne, même si leur expérience ne correspond pas exactement à ce que vous écrivez ici.
GIBBARD : Ça ne me réjouirait pas vraiment de dire que vous avez raison sur ce point. Nous vivons tous dans ce monde incroyablement instable en même temps. Donc si quelque chose que j’ai écrit et que nous avons mis ensemble peut parler à ce moment-là et donner aux gens le sentiment qu’ils ne sont pas seuls dans ce sentiment, alors je pense que nous avons fait du bon travail.
Mais la chanson parle aussi de quand on gère ses propres problèmes et que le monde s’enflamme autour de nous. C’est une juxtaposition émotionnellement déstabilisante. Parce que vous êtes dans votre tête, dans votre cœur, à gérer tout cela, mais en même temps vous comparez ce qui vous arrive à ce qui se passe dans le monde. Et cela a un effet paralysant sur votre capacité à vous permettre de ressentir ce que vous devez ressentir. Parce que des gens meurent. Des gens souffrent de famine. Des choses horribles se produisent. Et je peux parler pour nous tous : nous ne voulions certainement pas que cette chanson soit aussi actuelle qu’elle l’a été au cours du dernier mois.
Vous avez beaucoup de paroles sur le fait de vous sentir épuisé, à bout de souffle, alors que la musique est si énergique. Étiez-vous conscients de cette tension ? Était-ce quelque chose que vous cherchiez à exploiter ?
GIBBARD : J’ai toujours aimé la juxtaposition entre une musique entraînante et des paroles tristes, ou inversement. Je plaisantais à quelqu’un que beaucoup de ces chansons semblent faire face à l’extinction de la lumière. Car nous sommes des hommes plus âgés désormais. D’ici la fin de l’année, davantage d’entre nous auront 50 ans que moins. Et je me suis senti personnellement — et je pense que nous nous sommes tous sentis — que nous ne voulons pas sortir avec un chuchotement. Nous ne voulons pas commencer à faire une musique calme et mature qui reflète les années qui nous ont vus naître, vous savez ? Dès le départ, je voulais faire du rock. Je voulais faire des chansons qui sonnent bien, qui seront amusantes à jouer sur scène. Des chansons sur lesquelles les gens n’auraient pas à regarder leur téléphone en attendant les titres plus énergiques d’il y a 20 ans ou autre. Je ne voulais pas faire ça. Je ne veux pas faire ça.
Nous sommes tous devenus des élèves involontaires des longues courbes de carrière dans la musique, et il semble que l’un des moments où les choses commencent à déraper est lorsque les groupes ou les interprètes, tout à coup, ralentissent. Le batteur n’arrive plus à jouer comme avant. Le groupe n’aime plus jouer fort. Maintenant ils veulent vous raconter une histoire. Ils veulent vraiment parler de la vie et de leur vécu. Et les cordes sortent, et les guitares acoustiques s’enclenchent, et c’est juste ennuyeux. C’est juste ennuyeux. Et je ne veux pas être dans un groupe ennuyeux si je peux l’éviter.
Pour moi, c’est aussi une extension — pendant des années, on a toujours entendu parler de l’expérience de voir notre groupe en live par rapport à ce que nos disques laissent entrevoir du show. On en entend tout le temps. Les gens disent : « Je ne pensais pas que vous étiez si énergiques sur scène. Je suis surpris par la rudesse et la férocité de ce que vous faites. » J’ai toujours aimé qu’il y ait deux expériences distinctes de Death Cab, que vous puissiez venir voir un vrai show haletant et que nous soyons très dynamiques — pas intentionnellement ; cela coule naturellement —, cette énergie qui, à travers les albums au fil du temps, ne peut pas forcément être indiquée. J’adore cela.
Mais en raison de la manière dont nous sommes allés avec le matériel, la philosophie d’enregistrer cet album et de garder tout le monde dans une même voie et d’aller vraiment vers ce cru en studio — cela s’étend vraiment. C’est une philosophie que Ben avait dès le départ. Il disait : « Je veux que cet album sonne comme ce que nous faisons sur scène », et essayer d’apporter une partie de cette énergie et la garder. Même si nos âges augmentent, je ne vois pas que l’énergie physique de notre spectacle vivant ralentisse du tout. Il est logique que nous fassions aussi un disque en ce moment qui non seulement s’attaque à cela, comme Ben le dit, mais qui continue aussi d’être une vraie extension des musiciens que nous sommes encore et de la façon dont nous faisons de la musique ensemble.
Oui, c’est un fil conducteur qui traverse l’intégralité du catalogue. Vous avez les deux côtés. Vous avez toujours l’énergie. Ce serait une chose si notre premier album était dans la veine James Taylor ou Fleet Foxes, mais ensuite on le bouclait. J’ai été un peu inquiet au début en studio, surtout avec la tendance de John Congleton à donner du mordant. Nous étions tous très investis, mais il y avait quelques soirées calmes où je me disais : « Mec, est-ce que ce serait trop rock pour les fans de Death Cab ? » Mais non. Si vous voyez un spectacle live et que vous vous retirez puis que vous revenez, c’est exactement ce que nous sommes, ce que nous avons été, très proche de ce que vous voyez sur scène. Donc ça va être super amusant. On a hâte de jouer en live parce que l’énergie sera là, tout comme elle l’était au studio.
Dans votre communiqué de presse, vous dites que la tournée anniversaire a épuisé toute la nostalgie et que vous êtes prêts à aller de l’avant. Une partie de vous est-elle tentée de rester dans le mode nostalgie, ou l’idée même de cela vous horrifie-t-elle ?
GIBBARD : Je ne dirais pas que ça me horrifie. Pour moi, et je pense pour nous tous, nous sommes des fans de musique avant tout, n’est-ce pas ? Et souvent, nous nous demandons ce qui ferait plaisir, si nous étions des fans de ce groupe — qu’est-ce qui vous brancherait ? Nous sommes tous de grands fans de The Cure. Si nous pouvions entrer dans la tête de Robert Smith et le faire faire des trucs, que l’aurions-nous fait faire ? Eh bien, probablement le pousser à faire un disque comme celui qu’il vient de faire parce que ce disque est carrément incroyable, non ? On serait du genre, fais ce qu’il a déjà fait, ce qui est comme, « Oh, tu joues les trois premiers albums au Royal Albert Hall, et toutes les B-sides ? C’est génial. Je suis un grand fan. Je veux voir ça. » Ou, « Oh, tu vas faire Disintegration dans son intégralité ? Oui, je suis un grand fan. Je veux voir cela. » Donc, avant tout, ce n’est pas tant que nous voulons exister uniquement dans la nostalgie du groupe ou y céder. Mais c’est vraiment le reflet de ma façon de composer les setlists, de notre démarche, que nous essayons toujours de garder à l’esprit : que veulent les fans de ce groupe ? Et essayer de les servir autant que possible tout en cherchant à faire de la musique qui ressemble à la musique faite par des personnes qui ont notre vécu.
Mais je pense qu’en arrivant à travers — nous avons commencé la tournée Asphalt Meadows en 2022. Nous avons eu un mois de repos. Nous avons commencé immédiatement à préparer Death Cab/Postal Service. Nous l’avons fait par périodes sur une année. Nous avons eu du temps loin. Nous sommes revenus, nous avons fait une poignée de concerts pour célébrer le 20e anniversaire de Plans. Et au moment où nous achevions ces spectacles, peut-être que c’était Zac ou toi, Nick. Je veux dire, nous nous sommes tous dit dans des formulations différentes — « Mec, j’ai vraiment envie de jouer de nouvelles chansons. »
Je n’arrive pas à imaginer que l’un d’entre nous, étant donné qui nous sommes en tant que personnes et musiciens, décide un jour de continuer uniquement comme un groupe qui se contente d’un catalogue — « Oh, on fait la tournée d’été et on joue dans les foires d’État et on joue les hits ». Ce n’est tout simplement pas quelque chose qui nous intéresse. À un certain moment, ce ne sera plus une question de pourquoi vous avez commencé à faire cela. Et à l’heure actuelle, je pense que nous sommes tous vraiment enthousiastes à l’idée de jouer de nouvelles chansons pour la première fois depuis près de quatre ans.
Vous avez mentionné le fait de vieillir. Lorsque nous avons publié la programmation Outside Lands sur Stereogum, l’un de nos commentateurs a souligné que vous et Modest Mouse étiez les seuls artistes présents à avoir publié de la musique dans les années 1990. Vous vous sentez comme des vétérans dans ce genre d’événements ?
GIBBARD : Oui, définitivement. Je ne sais pas si on peut parler d’hommes d’État, mais on se sent clairement vieux [rires]. Quand on joue nos propres spectacles, on observe une foule qui a dépensé son argent durement gagné pour venir écouter notre musique et probablement celle d’autres groupes de soutien. Mais en festival, il y a des moments où on regarde un groupe qui passe juste avant nous, et il y a ces jeunes qui ont l’air super et tout le monde dans la foule est jeune et ils deviennent fous. Et moi je me dis : « Je me sens vieux de mille ans. » Mais on commence à jouer et on réalise que non, beaucoup de ces gens viennent aussi nous voir. Peut-être que je dis cela pour me rassurer, pour me motiver à jouer des festivals, mais il me semble que maintenant plus que jamais, il y a beaucoup moins d’âgisme dans la musique qu’il n’en était lorsque nous avons commencé. Cela profite évidemment à nous, en tant que papas du rock indépendant.
BEN : Tu l’as déjà noté, et cela se voit aussi dans ce genre d’expériences, que les gens n’apprennent plus la musique de manière linéaire. Tu as ces playlists qui se présentent devant des jeunes qui écoutent Turnstile juste avant Tears For Fears, et ils aiment cela tout autant, sans notion d’époque ou de temps. Tu as sûrement fait un point plus éloquent que moi là-dessus, mais un bon festival aujourd’hui, pour moi, c’est celui qui a un esprit communautaire. Tu peux voir comment tous les groupes sont connectés d’une manière étrange — que vous faites partie de quelque chose, et ce n’est pas seulement une collection d’actes individuels. Pour eux, un festival est comme une playlist vivante de nos jours, dans la manière dont les gens consomment la musique à leur façon. Les tranches d’âge ne sont plus aussi nettes avec le temps, et c’est une bonne chose. J’adore cela quand la musique s’insinue dans la vie des gens aujourd’hui.
GIBBARD : Quand nous sommes arrivés dans les années 90, j’avais l’impression d’entendre «Mon Dieu, ces mecs jouent encore ?» bien plus souvent qu’aujourd’hui. Probablement pour beaucoup de raisons. Je me rends compte que dit de façon égoïste, mais quand je vais à des concerts, si c’est un groupe plus âgé, vous voyez une tranche d’âges beaucoup plus large à ces spectacles, et aussi aux nôtres, que ce que les gens voyaient il y a 25 ans.
McGERR : J’ai deux adolescents, et eux, tout seuls, sans aucune aide de ma part, viennent de découvrir Karate.
HARMER : Oh, vraiment ?
MCGERR : Ils s’extasient sur Unsolved. Je les entends s’entraîner et apprendre les morceaux dans l’autre pièce, et ils me posent toutes sortes de questions sur leur production. Et je veux dire, ils ont 15 et 17 ans. Et cela a mené à June Of 44, et cela a mené à Shipping News, et cela a mené à — je veux dire, tout d’un coup c’était comme s’ils étaient dans le Midwest des années 90.
HARMER : C’est incroyable, mec. C’est génial.
MCGERR : De leur propre chef, et grâce à leurs propres amis. Il fut un temps, il y a cinq à sept ans, où tout semblait dire que chaque jeune qui faisait de la musique se retrouvait derrière un ordinateur portable seul. Et la tendance a clairement évolué vers « Je veux un vrai instrument entre mes mains, et des gens dans la même pièce ». C’est aussi un témoignage de notre manière de faire les disques et de la façon dont nous avons enregistré le disque, mais je le vois se produire partout dans cette petite ville où je vis encore. Et personne n’a d’ordinateur sur scène. Tout le monde a une guitare médiocre qu’ils ont trouvée quelque part, ou un ampli que nous avons ridiculisé autrefois, ou une batterie bricolée, ou ils savent à peine chanter. Mais l’énergie et l’ambiance de beaucoup de ces nouvelles bandes est tout simplement excitante à voir. Je sais que nous allons le constater lors des festivals lorsque nous emmènerons cet album en tournée.
Mais pour revenir à ce que vous voyez dans les festivals, cela englobe tellement de générations et de genres, tout est une grande fête. Si vous n’êtes pas enthousiasmés lorsque vous entendez Everybody Wants To Rule The World aussi bien que vous entendez une piste de Gorillaz ou quelque chose de Wet Leg. Ou, tout le monde est aussi excité. J’étais vraiment inquiet quand il semblait que tout le monde mettrait l’idée d’un groupe de côté, mais cela est revenu avec une telle force incroyable. C’est vraiment excitant.
À propos du fait de vieillir : Récemment, pour la presse, je suis allé sur la croisière Modest Mouse.
GIBBARD : Quoi ?! Je ne savais même pas que c’était une chose. C’est une vraie chose ?
Oui, ils avaient leur propre croisière. Je pensais que c’était une autre dimension intéressante de vieillir dans le rock indépendant.
GIBBARD : Je vous garantis dès maintenant que Death Cab ne fera jamais de croisière. Je ne dis pas ça pour être méchant envers les croisières. Être sur un paquebot est mon pire cauchemar littéral. Donc nous n’en ferons jamais une. Tous mes respects à tous ceux qui le font ; c’est génial. Mais franchement, être sur un bateau, je ne peux pas le faire.
I Built You A Tower est disponible le 5 juin chez ANTI-.
