Parmi toutes les guerres pour l’âme humaine qui font rage de nos jours, celle contre ce qu’on appelle l’intelligence artificielle semble la plus existentielle. Il est devenu impossible de ne pas penser à l’IA chaque putain de jour, et ce presque jamais par choix. Les centres de données poussent comme des mauvaises herbes, annihilant les réserves d’eau douce et créant des niveaux de bruit psychologiquement torturants. Chaque numéro du New Yorker de nos jours semble contenir une longue histoire approfondie sur le fait que l’IA envoie les gens vers la psychose, et pourtant chaque fois que je me retrouve dans un groupe mixte de civils, quelqu’un lâche un commentaire sur ce qu’il vient de demander à ChatGPT de faire pour lui — la liste des courses, l’itinéraire de vacances, ou autre chose qu’il était parfaitement capable de faire avant l’arrivée de ces outils. L’économie mondiale est actuellement soutenue par l’espoir que cette industrie objectivement mauvaise devienne un succès durable, même si son objectif express est de mettre les gens au chômage en automatisant leurs emplois. Les profits, s’ils arrivent, ne descendraient que vers le haut. Tout va bien.
Pourtant, aussi noir que tout cela puisse paraître, rien ne me torture autant que la façon dont l’IA a commencé à coloniser les arts créatifs. Chaque matin, je me connecte pour mon poste dans les mines de blogs métalliques et je suis accueilli par une avalanche de couvertures d’album générées par l’IA laides, des chansons manifestement Suno, des posters de concerts et des vidéos de paroles produites par des prompts. Cette semaine même, les vétérans du thrash de la Bay Area Forbidden et les nouveaux du power métal Scepter ont tous deux brûlé ma rétine avec des visuels générés par IA, et j’ai immédiatement perdu tout intérêt pour la musique qui accompagnait. Les sections de commentaires sur ces simulacres grotesques d’expression humaine sont invariablement remplies d’opposants véhément, mais les faiseurs de compliments « passe au-dessus de ça » prennent aussi leur tour et, au final, on n’a pas l’air de changer d’avis. Quand je déconnecte pour la journée, peut-être que j’irai à un spectacle, où je suis de plus en plus susceptible de voir de l’art IA sur des chandails et des toiles de scène. C’est une épidémie, et l’argument de mauvaise foi, prisé des partisans de l’IA, selon lequel ce n’est pas près de disparaître et qu’il faut s’y habituer, commence à sonner comme une justification déprimante et convaincante.
Le métal n’est pas un monolithe. Il a toujours existé des groupes qui l’ont gardé à l’ancienne, tout comme il y en a eu qui ont rapidement adopté les nouvelles technologies, souvent au détriment du goût. Il y a un immense cimetière de productions quantifiées avec des batteries mal programmées et de la CGI affreuse sur les pochettes, mais au moins quelqu’un fabriquait ce matériel, pas un spectre mal compris dans la machine. (Beaucoup de cet art CGI devient rétroactivement charmant, mais c’est une autre histoire de blogue à une autre époque.) À l’époque bénie des années 80 du genre, il y avait une atmosphère générale de paranoïa autour de la techno et de la surveillance, illustrée par des chansons classiques comme « Killing Technology » de Voivod, « NM 156 » et « Screaming In Digital » de Queensrÿche, et, surtout, « Electric Eye » de Judas Priest. Aujourd’hui, Rob Halford publie des mèmes de chats IA sur Instagram toute la journée. J’ai dû le désabonner.
Certains groupes ont apporté la technologie moderne dans leur musique de manière bien plus agressive, souvent dans le but de faire une allégorie plus grande. Travaillant en parallèle avec la scène industrielle plus large, le metal industriel a émergé, avec le cyberpunk futuriste pleinement intégré à son esthétique dominante. Godflesh, Pitchshifter et Ministry ont utilisé des samples, des synthés, des vocodeurs et des rythmes dance pour brouiller la frontière entre l’homme et la machine, et des groupes comme Nailbomb de Max Cavalera et le duo britannique Anaal Nathrakh ont exploité les éléments industriels pour pousser l’extrémité de leur son plus loin qu’ils ne l’auraient fait avec des sons purement organiques. Aucun de ces groupes ne faisait ressembler l’avenir à un endroit particulièrement agréable. Ils avaient souvent l’impression d’être en combat actif avec les éléments mécaniques de leur musique, plutôt que de les embrasser sans friction comme les partisans actuels de Suno le font. Aucun groupe n’a défini la relation antagoniste entre le métal et la technologie autant que Fear Factory, le groupe de Los Angeles fondé en 1990 par le guitariste Dino Cazares et le batteur Raymond Herrera.
Fear Factory était un hybride inhabituel, un groupe inspiré du grindcore britannique classique et du mouvement death metal américain encore naissant, mais aussi ouvert au metal industriel, à l’IDM et au hip-hop. Avec l’arrivée du chanteur caméléon Burton C. Bell, ils devinrent une entité fluide, capable de canaliser crédiblement toutes leurs influences variées. Le premier album du groupe, Soul Of A New Machine, sorti en 1992, fut le seul album de death metal de son époque à pouvoir se permettre de consacrer un crédit à un « dieu des samples ». (Quiconque tu es, Otis — beau travail.) Soul Of A New Machine tire son titre du livre de Tracy Kidder publié en 1981, The Soul Of A New Machine, qui a reçu le National Book Award for Nonfiction et le Pulitzer pour son compte rendu du race acharnée pour concevoir un ordinateur de nouvelle génération. Dès le début, Fear Factory s’impliquaient intensément dans le rôle changeant de la technologie dans la société.
1995’s Demanufacture les a vus affiner davantage leur son et leur esthétique. Le death metal était encore présent, mais il était de plus en plus noyé par le vocabulaire industriel que le groupe développait. Leur précision rythmique, alimentée autant par le travail de sélection de Cazares que par les percussions piston-punch de Herrera, formait le socle de chaque morceau sur Demanufacture, et Bell trouvait un équilibre heureux parmi ses styles vocaux variés. 1995 fut aussi l’année du chef-d’œuvre industriel pop-metal White Zombie, Astro-Creep: 2000, mais là où ce groupe jouait dans des clubs de strip-tease robotisés, Fear Factory sonnaient comme s’ils étaient torturés dans une cellule de détention faite d’éclatants chrome.
Une grande partie de la magie de Demanufacture provient de la façon dont il sonne si humain. Sa vision pessimiste du futur ne pouvait prendre vie que par des musiciens vivants et respirants au sommet de leur art. Cazares et Herrera masquaient habilement leur humanité en écrivant ces rythmes pneumatiques, mais la quantité pure de personnalité dans leur jeu ressemble au noyau charnu d’un cyborg qui écrase son logiciel. La pochette de Demanufacture, par l’artiste britannique de bande dessinée Dave McKean, représente une colonne vertébrale humaine coupée en deux — moitié code-barres, moitié os — avec un cordon d’alimentation effiloché émergeant de la vertèbre inférieure. C’était la vision de Fear Factory sur eux-mêmes en 1995, un groupe greffé à la technologie mais encore — comme Anaal Nathrakh le dirait quelques années plus tard — humain, tout à fait humain. Dans un monde de plus en plus dépendant de la technologie, les ennemis du groupe se trouvaient de l’autre côté de la pièce. Bell chante sur la lutte contre « les machines humaines de haine » sur la brûlante piste Demanufacture, « Self Bias Resistor ». Trois ans plus tard, il irait développer ces idées.
En 1998, Fear Factory sortit son chef-d’œuvre. Obsolete est un album conceptuel situé en 2076, dans un monde sous le botin d’un État policier dirigé par l’IA. C’est le premier album de Fear Factory à mettre Christian Olde Wolbers à la basse, un ajout qui venait compléter le son du groupe et libérer Cazares pour se concentrer exclusivement sur ses parties de guitare. C’est un album de transition, en un sens; Digimortal (2001) embrassera beaucoup plus pleinement les nü-metalisms introduits sur Obsolete. Pour moi, toutefois, cela sonne comme une culmination. Tout ce que Fear Factory voulait explorer musicalement et conceptuellement se rassemble ici, et tout le monde dans le groupe offre une performance à son meilleur niveau de carrière. C’est doublé pour Bell, qui met en lumière ses talents de parolier et de raconteur d’histoires autant que ses talents de chanteur.
Le récit de Obsolete emprunte largement à des techno-dystopies des années 80 comme RoboCop et The Terminator. Notre héros est l’Edgecrusher, un humain dont la mission auto-chosen est de résister et de saper les autorités IA, représentées par la force de police Securitron et leur bourreau robot, le Smasher/Devourer. L’Edgecrusher passe la majeure partie de Obsolete en fuite, témoin des atrocités de l’État technologique et tentant d’éviter de sombrer dans le désespoir. Il assiste à une manifestation anti-armes nucléaires, où l’organisateur s’immole pendant que le Securitron se rapproche. Le titre de l’album vient de ce policier qui retire le mégaphone carbonisé du corps du manifestant et déclare que « l’Homme est obsolète — effacé — éteint ». (Cette partie parlée est assurée par l’icône new wave Gary Numan; l’année suivante, Fear Factory remixera « Cars ».)
L’Edgecrusher s’enfuit et finit par se retrouver dans une église, sans savoir que c’est une église, et sans reconnaître la figure étendue sur la croix. Il est néanmoins ému par la scène, et à la fin de l’album, il conclut : « Nous devons nous respecter nous-mêmes en tant que culture libre de pensée et procréer la compassion les uns envers les autres. Sans compassion, l’homme deviendra certainement obsolète. »
Obsolete semble aujourd’hui étrangement prophétique. « Securitron (Police State 2000) » met en lumière les liens inhérents entre la technologie IA, la surveillance et le maintien de l’ordre, et le titre glaçant suppose que, en 1998, Bell ressentait qu’au moins une partie de l’image qu’il peignait serait réalisable deux ans plus tard. Dans le texte d’introduction de « Descent », l’Edgecrusher est confronté à des images de « violence, de dépravation et de désespoir » qui défilent sur un écran, images qui se révèlent illusoires. Faites-vous confiance à ce que vous voyez à l’écran aujourd’hui? (À noter ici que bon nombre d’Obsolete se déploie non pas dans les paroles mais dans des suppléments écrits trouvés dans le livret du CD. Ce fait seul donne à l’album une impression d’antidote à ce type d’écoute hors contexte et pilotée par la technologie que favorise l’ère du streaming.) « Hi-Tech Hate » proteste contre les systèmes d’armes automatisés, non pas sans rappeler ceux que le département de la Défense espère créer via ses contrats avec des entreprises IA. Les révélations de l’Edgecrusher sur la compassion humaine interviennent dans une église, et l’encyclique récente du pape Léon XIV, Magnifica Humanitas : On Safeguarding the Human Person in the Time of Artificial Intelligence, a été le rebuke le plus en vue de l’ère IA à ce jour. Alors que la ballade rampante « Resurrection » cède la place au dénouement dévastateur « Timelessness », le groupe sample le discours de Mario Savio sur « bodies upon the gears », reliant l’époque des droits civiques à la résistance IA. La liste continue sans fin.
Le contenu thématique d Obsolete est aussi puissant que possible parce que Fear Factory n’a jamais été des Luddites ou des cavemen. Plus que sur Soul Of A New Machine et Demanufacture, ils vivaient à la pointe du metal extrême sur Obsolete. L’album parle des excès potentiels et des abus du futurisme, mais la musique elle-même sonne de façon incroyablement futuriste. « Edgecrusher » illustre les limites que le groupe repoussait à l’époque. Bell rappe les couplets, et l’artiste graffiti et producteur DJ Zodak ajoute des scratches qui sont tout aussi cruciaux pour la chanson que la guitare, la basse, les synthés et la batterie. Sur le prochain disque de Fear Factory, Digimortal (2001), ils sonnent trop souvent comme s’ils suivaient les tendances nü metal. Sur Obsolete, un an avant l’album éponyme de Slipknot et deux avant Hybrid Theory, c’étaient eux qui menaient la danse.
Près de trois décennies après la parution d’Obsolete, la communauté metal ne paraît pas prête à écouter l’alarme. Le metal a toujours été largement anti‑autoritaire, mais à mesure que les fans et les groupes vieillissent hors de la rébellion adolescente, trop d’entre eux se contentent d’accepter les exigences de la classe dominante, couchés sur le dos. Cela touche des tendances qui dépassent largement le metal, mais c’est tout de même difficile à regarder. Même certains résistants apparents se sont discrédités par des comportements hypocrites. Testament a sorti le brûlot « Infanticide A.I. » comme premier single de Para Bellum l’an dernier, puis suivi par des vidéos d’apparence IA pour « Shadow People » et « High Noon ». (J’aimerais avoir tort, mais je pense que la charge de la preuve revient à l’artiste ici.) Michael Kiske de Helloween est parti dans un discours anti‑IA sur scène quelques mois avant que Kai Hansen, son comparse, n’annonce un album solo avec peut-être la pochette d’IA la plus répugnante que j’aie jamais vue. Mon cher Iron Maiden a en grande partie abandonné les toiles de fond physiques lors de leurs performances live au profit des écrans vidéo, qui débordent d’inepties IA. La résistance, du moins du côté des anciens, a l’air plutôt faible.
L’espoir se niche sous-terre. John Cobbett a joué de la guitare dans certains de mes groupes préférés de tous les temps, dont Ludicra, Hammers Of Misfortune, Slough Feg et VHÖL. Il m’a récemment envoyé Thrashkraft Volume II, le nouvel album de son projet modular synth Advancer, et c’est peut-être le coup de pouce le plus inspirant à l’encontre de l’IA que j’aie entendu à ce jour. Comme Fear Factory, Advancer utilise des sons futuristes (ou, à ce stade, rétrofuturistes) pour dénoncer notre avenir de plus en plus médiatisé par la techno. Le morceau d’ouverture « We Don’t Need No Bots » est un chant de protestation électro-punk bâti autour d’un beat entièrement analogique de digital hardcore et des voix bug-eyes par le fils de Cobbett. S’il existe un futur selon le morceau, c’est celui où la jeunesse rejette le deal brutal qui lui a été présenté. « N’en parlons même pas des milliardaires et des dégâts qu’ils infligent aux enfants », a écrit Cobbett dans un courriel qui a suivi.
« J’ai beaucoup à dire sur le sujet en question, après l’avoir étudié en profondeur et avoir élevé un préadolescent face à tout ce battage médiatique psychotique sur la façon dont l’IA va éliminer tous les emplois et rendre l’humanité redondante. Croyez-moi, les enfants entendent cette propagande des capital-risques et savent pertinemment qu’ils grandissent dans un monde inondé de ce genre d’inepties », poursuit Cobbett. « Élever des enfants hors ligne est le principal défi. Je suis ravi que mes étudiants veuillent jouer de la guitare et de la batterie. Ils veulent faire du rock, en temps réel, face à face. Malgré toutes les destructions cérébrales et l’addiction à l’écran qui règnent dans leur monde, certains les rejettent. C’est un très bon signe. Lié à cela, il y a une scène tout-âge qui se développe, même ici, dans une petite ville du Montana. Les enfants veulent être ensemble dans la même pièce. De plus en plus, c’est tout ce à quoi ils pourront faire confiance, car tout ce qui est en ligne est faux. Étendez cela à une musique enregistrée, pasteurisée par DAW, et il s’ensuit que live & local est la solution évidente. Communauté. Scènes. Spectacles dans les bois sans téléphones autorisés.
À New York, un groupe aux liens de terrain avec une scène très différente bat le tambour des anticontrôles technocratiques depuis plus d’une décennie. Le collectif gabber/synthpunk/industrial metal L.O.T.I.O.N. Multinational Corporation partage des membres avec la moitié des groupes punk DIY affiliés à Toxic State qui ont émergé dans les années 2010, et il est mené par Alexander Heir, l’artiste qui dessinait toutes les pochettes d’album et affiches de spectacle de ces groupes. Leur premier LP, sorti en 2015, Digital Control And Man’s Obsolescence, et ils ont amplifié leurs critiques envers la classe oligarchique techno depuis, surtout à travers le prisme de la façon dont le monde de la tech est imbriqué dans la guerre moderne. L’art d’Heir pour World Wide W.E.B. (2019) est une parodie d’un couverture du Soldier Of Fortune magazine, avec des gros titres tels que « IS YOUR CPU TRYING TO KILL YOU? »; « WESTERN ELITES’ BRUTALITY »; et mon préféré, « ARE YOU OBSOLETE ? »
Le dernier album de L.O.T.I.O.N. s’intitule Machine Hallucinations, nommé d’après la tendance des modèles IA à simplement fabriquer des faits — ou, disons, à viser une école primaire iranienne pour une frappe aérienne — lorsqu’ils se heurtent à des informations incomplètes ou inexactes. Après une introduction bruitiste par Igor Cavalera, pionnier de ce faux-genre pour son travail sur le Nailbomb’s Point Blank, L.O.T.I.O.N. se déploie dans 28 minutes harrowing de leur marque unique de brutalisation industrielle. Ça sonne même un peu comme du Astro-Creep-era White Zombie, si Rob Zombie avait été là-haut à crier sur les microplastiques dans le sang au lieu des films de grindhouse. Machine Hallucinations est lourd, grooveux et joyeusement dans le rouge, et comme chaque album de L.O.T.I.O.N. auparavant, on a l’impression d’entendre le T-3000 being overtaken by a virus that forces it to dance. Il contient aussi certaines des critiques les plus lucides de notre monde de plus en plus techno-fasciste que j’aie jamais entendues.
Machine Hallucinations n’est pas exclusivement, ni même principalement, axé sur l’IA. Heir comprend que les maux qui nous frappent sont tous reliés, donc une chanson sur les rafles ICE (« Boots On The Ground ») ou le génocide à Gaza (« Never Say Never ») semble aussi intégrée à l’identité de L.O.T.I.O.N. qu’une chanson sur les algorithmes des réseaux sociaux (« Digital Rot ») ou le coût environnemental de l’IA (« Absolute Insanity »). L.O.T.I.O.N. chantait ces sujets bien avant que ChatGPT et Claude ne soient rendus publics, ce qui signifie qu’ils ont malheureusement vu tout ce qu’ils prévoyaient se réaliser. Cela me fait me demander ce que Burton C. Bell ressent en étant plongé dans l’univers d’Obsolete par la prolifération des caméras Flock.
Advancer et L.O.T.I.O.N. ne sont certainement pas les seuls actes lourds qui s’expriment ouvertement contre l’IA. De manière générale, les musiciens détestent cette merde, et d’après mes expériences, personne que je connaisse qui joue du metal en dehors des têtes d’affiches des festivals n’a adopté les outils IA. Je me demande dans quelle mesure c’est parce que les personnes que je connais proviennent principalement de scènes réelles, en personne, où le contrôle d’accès et les règles non écrites font qu’il est interdit de faire quelque chose d’aussi laid que de s’inscrire à un compte Suno. Je crains toutefois que les touristes tech-bro continuent de saturer le secteur avec de la soupe IA, et que cela devienne un jour si écrasant à séparer le vrai art du contenu généré par ordinateur que des auditeurs bien intentionnés reviendront encore plus aux grands favoris qu’ils ne le font déjà. En attendant, des actes silencieux de résistance pourraient inclure la lecture de publications comme Stereogum (désolé) ou demander à votre libraire local une recommandation plutôt que de compter sur l’algorithme. Pour des actes de résistance moins silencieux, jetez un œil aux notes d’édition d’Obsolete. Vous aurez besoin d’une copie physique.
DIX CLous À TRAVERS LA NUQUE
Enslaved – « Spirit Helper » (Feat. Kevin Kicking Woman)
Lieu : Bergen, Norvège / Nation Blackfeet, Montana
Sous-genre : folk progressif/black metal
Fire In The Mountains, le festival multi-jours qui se tient chaque juillet sur la Nation Blackfeet du Montana, est devenu l’un des événements phares du calendrier métal nord-américain. (Je n’y suis pas allé encore parce que je suis un petit citadin choyé qui n’aime pas le camping.) Les affiches sont toujours folles, et plus que tout autre festival que je connais, Fire In The Mountains semble vraiment se soucier de la communauté dont il fait partie chaque année. Il a amassé d’importantes sommes d’argent pour la Firekeeper Alliance, qui vise à mettre fin au suicide chez les jeunes dans la Nation Blackfeet, et il offre une plateforme de collaborations entre artistes métal et membres de la communauté Blackfeet. La collaboration la plus impressionnante à ce jour est « Spirit Helper », qui met en scène les icônes du black metal norvégien Enslaved avec Kevin Kicking Woman, éducatrice Blackfeet et chanteur de pow wow qui a été nommée enseignante de l’année au Montana en 2024. Était-ce impressionnant sur le papier ? Oui. Écouter comment la chanson traditionnelle Blackfeet de deuil de Kicking Woman se marie aux riffs et à la frénésie des tambours d’Enslaved est une expérience puissante. « Spirit Helper » est une pièce de découverte culturelle profondément émouvante, mais plus important encore, c’est une chanson métal d’enfer. [Sortie simple via Nuclear Blast Records.]
Zorn – « Guest Of The Mad Prince »
Lieu : Philadelphie, Pennsylvanie
Sous-genre : crust/black metal
À l’instar de leurs compatriotes de Devil Master, Zorn aiment mélanger leur son hardcore punk cru avec beaucoup de théâtralité black metal. Là où la version de Devil Master se sent plus clairement metal la plupart du temps, Zorn paraît plus proche d’un groupe punk. Même lors du vamping d’orgue gothique dans la seconde moitié de « Guest Of The Mad Prince », la rythmique D‑beat, les guitares flangerisées et l’abandon général les placent légèrement plus près de G.I.S.M. et Amebix que d’Emperor. [Issue sur Return To Castle Death, disponible maintenant via Sorry State Records.]
Escumergamënt – « Laudanum And A Silver Scalpel »
Lieu : Sundsvall, Suède
Sous-genre : black metal
Alors que la plupart des groupes black metal penchent soit vers une atavisme violent soit vers une expérimentation avant-gardiste, quelques-uns ont réussi à garder un pied dans les deux couloirs. Le Suédois Escumergamënt (Occitan pour « abomination ») appartient à cette lignée, qui fut d’abord façonnée par des pionniers comme Abigor et Ved Buens Ende et poursuivie par Deathspell Omega et Thantifaxath. Le deuxième LP d’Escumergamënt, Apparebat Eidolon Senex, est définitivement bizarre, comme en témoigne le riff insectoïde décalé qui apparaît au milieu de « Laudanum And A Silver Scalpel » et le ramène à une conclusion retardée. Plaisantement, cela semble aussi sauvage et maléfique. [From Apparebat Eidolon Senex, sorti via Avantgarde Music.]
Ripper – « World Of Darkness »
Lieu : Santiago, Chili
Sous-genre : death/thrash metal
Les fans du Morbid Visions de Sepultura et du Pleasure To Kill de Kreator — donc, tout le monde qui lit ceci — devraient y trouver beaucoup à aimer dans le troisième album complet du groupe chilien Ripper. Sur Towards Rebirth, le groupe joue le thrash comme s’il s’agissait d’un sport de contact, avec des membres qui se déplacent en tous sens et une intention malveillante. « World Of Darkness » ouvre le feu, avec un riffage noirci et tordu et des fûts d’une vitesse warp qui semblent poussés à la limite de la désintégration. La course aux bras du thrash pour la vitesse et la brutalité s’est arrêtée à la fin des années 80, mais heureusement, personne n’a prévenu ces gars. [From Towards Rebirth, out now via Dark Descent Records.]
Ealdor Bealu – « Buried At Boothill »
Lieu : Boise, Idaho
Sous-genre : doom metal psychédélique
Les compositions à grande largeur et l’atmosphère poussiéreuse d’Ealdor Bealu, doom metal psychédélique, puisent profondément dans le paysage dramatique qu’ils appellent chez eux. On entend le désert ardent dans tout ce que le groupe de Boise fait, des riffs spacieux et terrestres à l’Américaine electrifiée qui s’infiltrent dans leurs mélodies. Quand ils lâchent vraiment la purée, on dirait une bande de brigands au chapeau noir qui s’abat sur une caravane. C’est le vibe culminant sur « Buried At Boothill », la meilleure chanson de leur quatrième album, Graves Of The Silent Plain. Pour preuve, le chanteur Rylie Collingwood, habituellement à la voix douce, a dû pousser un cri strident à la manière de Neurosis pour la première fois dans ce morceau. [From Graves Of The Silent Plain, out now via Ripple Music.]
Into Darkness – « Pluto »
Lieu : Milan, Italie
Sous-genre : death metal
Les évocations death metal de l’espace extérieur impliquent souvent des claviers de bande-son sci-fi, une précision technique étanche et des passages atmosphériques qui semblent béants. Le Milanese Into Darkness chante exclusivement sur le système solaire sur son premier album complet Route To The Other Side, mais ils n’ont pas besoin d’en faire trop avec ces clichés. C’est du death metal old-school, axé sur les riffs, inspiré principalement par des groupes néerlandais classiques tels qu’Asphyx et Pentacle. Et le tout porte sur l’espace. (En fait, il s’agit d’astronomie, pas de science-fiction — un point qu’ils soulignent dans les documents de presse.) Si cela paraît un peu progressif, c’est le résultat de la façon dont le leader Giulia (aka Doomed Warrior) empile ses riffs et de sa façon habile de les jouer. Je ne sais pas quelle vague de la réémergence old-school death metal on traverse en ce moment, mais c’en est une avec un paquet de groupes hardcore à IQ zéro qui prétendent sonner comme Obituary. Into Darkness est l’antidote à tout ce non-sens. [From Route To The Other Side, out now via Dying Victims Productions.]
Black Sites – « Giving Up The Ghost »
Lieu : Chicago, Illinois
Sous-genre : heavy/progressive metal
Il y a un niveau de sophistication peu commun dans l’approche du metal progressif par Black Sites, héritant d’albums raffinés et conçus pour adultes comme l’Empire de Queensrÿche et Parallels de Fates Warning. Ce n’est pas un mode que l’on voit souvent aujourd’hui, la plupart des nouveaux groupes de metal chanté par voix claire s’efforçant de raviver des expressions plus croisées de la bande dessinée du genre. Les mélodies et les arrangements réfléchis du guitariste/chanteur Mark Sugar tout au long du cinquième LP du groupe, For Eternity, offrent des plaisirs plus subtils. Chaque chanson de l’album est une vitrine digne de l’écriture de Sugar, mais « Giving Up The Ghost » se démarque sans effort. Après une introduction qui installe la scène et qui cite presque directement « Die Young » de Sabbath, le groupe déroule six minutes mélancoliques de riffs mid-tempo gracieux et de leads douloureusement magnifiques. Secouez votre tête — pensivement. [From For Eternity, out now via the band.]
Altarage – « Wielder »
Lieu : Bilbao, Espagne
Sous-genre : experimental/dissonant death metal
Le trio basque Altarage a bâti sa réputation sur une musique insondable et inquiétante qui pousse le death metal hors de ses tropes traditionnels vers un endroit de véritable malveillance et de peur. Cogwheel est le septième album complet du groupe, et il révèle une quantité significative de nouvelles avancées pour eux. Plutôt que de limiter leur dissonance puissante et en forme de portail à des rafales de chanson traditionnelles, ils les étirent en des tests d’endurance ; Cogwheel dure une heure et quinze minutes, avec seulement sept titres. Beaucoup de cela est simplement des riffs après riffs menaçants — les dix premières minutes de « Wielder », le morceau de 14 minutes, sont presque implacables — mais chaque chanson offre aussi des passages ambiants et industriels étendus. Altarage citent Swans, Sunn O))), Scott Walker et Godflesh comme influences clés sur l’album, et l’ajout de ces couleurs sombre vin noir à leur palette sombrement sombre de death metal donne des résultats véritablement terrifiants. [From Cogwheel, out now via Sentient Ruin Laboratories.]
Jehovah On Death – « Suspiria (Diableria) »
Lieu : Athènes, Grèce
Sous-genre : occult rock
Le album metal le plus purament agréable de l’année pour moi pourrait être le premier album des blasphémateurs anonymes grecs Jehovah On Death. Lágrimas de Oro rend hommage à des touches communes avec les rois occult rock comme Ghost dans l’ère Opus Eponymous et Blood Ceremony, mais apporte aussi des rebondissements fascinants. L’esthétique de Jehovah On Death est une inversion satanique du catholicisme espagnol médiéval, un point qu’ils renforcent parfois avec des guitares flamenco et des castagnettes, et des perversions occasionnelles vers le dirtbag rock des années ’70 — extrêmement divertissant. (Vérifiez l’allusion au « Stranglehold » du Nuge.) Pourtant, ma chanson préférée sur Lágrimas de Oro est probablement celle qui est la plus directe. « Suspiria (Diableria) » est un coup de pop-metal pure et dopaminergique, conduite par la voix contralto veloutée et imposante de la chanteuse Señora Dolorosa. Ça me rappelle ce que j’ai ressenti la première fois que j’ai entendu « Ritual » en 2010. [From Lágrimas de Oro, out now via I, Voidhanger Records.]
Cinder Well – « Shadows Of Leaves On Red Brick »
Lieu : Los Angeles, Californie
Sous-genre : doom folk
Le CV de metal d’Amelia Baker est impressionnant: tourné avec Pallbearer, apparitions sur des albums de black metal d’Arde et Terzij de Horde, ancienne membre des crust-punks folk-punk Blackbird Raum. La musique qu’elle crée avec Cinder Well s’appuie fortement sur le folk traditionnel irlandais et britannique, mais, comme ses pairs et collaborateurs occasionnels Lankum et Jim Ghedi, elle introduit une sensibilité doom dans l’œuvre, métallique dans l’esprit même si pas nécessairement dans le son. A Blooming Body est le quatrième (et le meilleur) album de Cinder Well, et il se termine par le très funèbre doom dirge « Shadows Of Leaves On Red Brick », featuring Bell Witch’s Dylan Desmond au synthétiseur. La chanson se déploie au ralenti, avec des accords austères et un violon râpeux sous-tendant le chant hanté de Baker. C’est aussi lourd que n’importe quoi que j’ai entendu sur un vrai album métal cette année. [From A Blooming Body, out now via Hen House Studios.]
VOYAGE VERS LE MONDE AU-DELÀ
Damien Tremblay
