Le groupe Tang Dynasty a vu le jour en 1989, lorsque Kaiser Kuo, guitariste sino-américain né à New York, est revenu dans le pays de naissance de ses parents. (La dynastie Tang véritable a commencé en 618 après J.-C.) Avant l’ère d’Internet moderne, la circulation culturelle entre la Chine et le reste du monde n’était pas aussi fluide, alors lorsque Kuo fit écouter à ses nouveaux amis à Beijing certains de ses artistes occidentaux favoris, l’impact fut immédiat et immense. Ils n’avaient pas d’autre choix que de former le premier groupe heavy metal chinois.
« J’ai présenté aux autres membres du groupe une grande partie de la musique qui les influencerait (des groupes comme Queensrÿche, par exemple), et j’ai même proposé le nom du groupe, » a confié Kuo au blog Death Metal Underground en 2008. « Mais ils m’ont autant changé que je les ai changés. En jouant avec Tang Dynasty, j’ai vraiment découvert que la fusion entre la musique traditionnelle chinoise et le metal occidental fonctionnait: c’est quelque chose sur quoi je ne m’étais jamais aventuré avant de cofonder Tang Dynasty. »
G.H.Z., le chanteur et guitariste du groupe de heavy metal américain Chariots Overdrive, se souvient avoir vu Tang Dynasty jouer des décennies plus tard, alors qu’il grandissait en Chine. « J’étais peut-être au lycée ou au collège, quelque chose comme ça, » se souvient-il. « Mais je ne savais pas que c’était du métal. À l’époque, je les appelais simplement un groupe de rock. Puis j’ai réalisé qu’ils faisaient déjà du heavy metal dans les années 1980. C’était une expérience très intéressante. »
Chariots Overdrive ressemble un peu à Tang Dynasty en version inversée. G.H.Z. a lancé le groupe peu après avoir terminé son doctorat à Georgia Tech, en réunissant des camarades internationaux. Le groupe n’a jamais été basé ailleurs qu’à Atlanta, mais chacun des membres de Chariots Overdrive est né en Chine. Comme Kuo à Beijing dans les années 1980, G.H.Z. a dû présenter à ses camarades – le co-guitariste Y.Z., le bassiste Z.Z.Y. et le batteur W.R.C. – le NWOBHM classique et le USPM qui allaient servir de fondation à l’album de débuts The End Of Antiquity. Le résultat est aussi idiosyncratique et outsider qu’il est purement vivifiant. Chariots Overdrive a été une bouffée d’air frais dans un mouvement de metal traditionnel américain qui commençait à se lasser.
Les membres de Chariots Overdrive ont tous commencé à jouer de la musique dès le plus jeune âge, mais en Chine, cela n’implique pas nécessairement qu’ils développeront une véritable appétence musicale par la suite. « Pour les enfants asiatiques, on apprend toujours un instrument quand on est jeune », dit Z.Z.Y. « Mon premier instrument a été le violon, quand j’avais 6 ou 7 ans. En fait, je ne pense pas que cela m’ait réellement donné un goût prononcé pour la musique à l’époque. »
« Mes expériences sont assez similaires à celles de Z.Z.Y. », ajoute G.H.Z. « On m’a demandé d’apprendre le violon. Mes parents m’ont forcé à apprendre le piano. J’ai commencé à l’âge de 4 ans. C’est une chose très stéréotypée. On voit tous les enfants asiatiques faire cela. J’en fais partie, mais je ne suis pas, genre, ultra doué, comparé à ceux qu’on voit sur YouTube. Pour la musique classique, ça va. »
« Pour le rock, je pense que mon introduction a été le film School Of Rock », poursuit-il. « À la télévision nationale chinoise, ils programmaient un film chaque week-end — un film américain ou européen, tous les samedis — et je le regardais avec mes parents. »
Avec la voix de Jack Black qui résonnait dans sa tête, G.H.Z. a commencé à plonger plus profondément dans la musique, traversant le rock classique et le punk avant de trouver son chemin vers le heavy metal. Il est tombé amoureux de la New Wave of British Heavy Metal, pas seulement Iron Maiden et Angel Witch mais « des groupes où le groupe n’a qu’un seul single ». Plus le groupe était proche d’être complètement oublié, plus il les inspirait : « J’aime passer du temps à écouter ces groupes obscurs, » dit-il fièrement.
Pendant ce temps, les musiciens qui allaient rejoindre G.H.Z. chez Chariots Overdrive poursuivaient leurs propres parcours musicaux dans leurs villes respectives. W.R.C., Z.Z.Y., et Y.Z. jouaient tous dans des groupes scolaires. W.R.C. se souvient d’avoir interprété des titres de Radiohead et de Green Day avec son groupe, et Z.Z.Y. a introduit quelques compositions originales de rock alternatif dans le répertoire de son groupe de reprises. Y.Z. jouait des titres pop avec son groupe de premier cycle, mais dans son dortoir, il s’entraînait à la guitare fingerstyle, cherchant à jouer le jazz et le blues américains qu’il aimait. Aucun d’eux n’a jamais joué de metal en Chine.
Comme il s’est avéré, ce n’était pas un problème. La première version de Chariots Overdrive était une série de jams informelles centrées sur G.H.Z., Y.Z., et l’ancien batteur du groupe, Z.L.H. Y.Z. se rappelle que lui et G.H.Z. sont devenus amis pour la première fois au travers de leurs cours de master communs, et non par la musique. « C’est lui qui me conduisait habituellement dans les restaurants chinois lorsque je n’avais pas de voiture », dit Y.Z. « Il savait que je pouvais jouer de la guitare, mais à cette époque, nous n’avions pas vraiment commencé un groupe. Je ne suis pas vraiment un métalleux. Le premier concert de metal auquel j’ai assisté était Manilla Road pendant mes études, que G.H.Z. m’avait emmené voir. En rejoignant ce groupe, je lui ai demandé : « Qu’est-ce que je dois jouer ? » Il a dit : » Tu te souviens de Manilla Road ? Joue comme ça. » »
« C’était moi et notre premier batteur, et nous nous disions : « Nous avons besoin d’un autre guitariste qui peut jouer tous ces solos fous. » », explique G.H.Z. « Nous avons tout de suite pensé à Y.Z., et nous l’avons invité. Nous étions donc trois. Puis nous avons eu besoin d’un bassiste. » Z.Z.Y. est entré dans leur vie peu après, lorsqu’il a envoyé un message dans le groupe WeChat de Georgia Tech pour demander si quelqu’un d’autre allait voir un concert mettant en avant le groupe black metal local Cloak. G.H.Z. a répondu, ils se sont rencontrés au concert, et Z.Z.Y. a rejoint le groupe. À l’été 2023, Chariots Overdrive est né.
Au départ, le groupe n’avait pas l’intention de sortir sa propre musique. Les jams étaient amusants et détendus, et les membres appréciaient simplement la camaraderie. Presque malgré eux, du matériel original a continué à sortir. « Pendant la plupart des groupes dans lesquels j’étais, ce n’était pas du nouveau matériel. Ils reprenaient quelque chose, » se souvient Z.Z.Y. « Mais lorsque j’ai assisté à la première répétition, ils ne reprenaient rien. »
« C’était assez naturel pour moi, parce que chaque fois que nous répétions, nous avions quelque chose de nouveau, » confirme Y.Z. « Ce n’est pas comme si quelqu’un écrivait une chanson et que nous jouions juste celle que quelqu’un d’autre a écrite. C’est plutôt que tout le monde a des idées pendant les jams, et tout le monde contribue au flux, et cela donne vraiment une bonne alchimie. Nous répétions régulièrement, de plus en plus. Nous avons des chansons, et nous pensons qu’elles sont bonnes, [donc nous avons pensé] qu’il fallait vraiment les affiner et les publier. »
La première sortie de Chariots Overdrive fut une démo, When The Wheels Start, avec Z.L.H. à la batterie. Lorsque Z.L.H. quitta Atlanta, W.R.C. le remplaça et ils écrivirent rapidement le reste de ce qui allait devenir The End Of Antiquity. (Bien qu’ils n’aient jamais été dans le groupe en même temps, Z.L.H. et W.R.C. sont, par hasard, les seuls membres de Chariots Overdrive qui se soient rencontrés en Chine.) Ils s’installèrent ensuite à Meadowlark Audioworks, dans la banlieue d’Atlanta, pour enregistrer avec Greg Hendler, un ancien camarade de classe de G.H.Z. et de Y.Z. Les choses ont tout de suite cliqué.
« Greg est très compétent », déclare Z.Z.Y. « Il sait comment obtenir le son que nous voulons. Il est assez professionnel, et je pense aussi qu’il a apporté beaucoup de conseils constructifs pendant l’enregistrement. Peut-être changer certaines notes pour que les différentes lignes de basse et de guitare s’accordent mieux, ou comment choisir les notes pour les chœurs des voix d’accompagnement dans certaines chansons. »
The End Of Antiquity est véritablement killer, surtout pour une première œuvre. C’est une odyssée raw et excentrique du heavy metal qui doit autant au Iron Maiden de l’époque Paul Di’Anno, à Helloween de Kai Hansen, à Manilla Road, à Cirith Ungol, à Heavy Load et à Metalucifer — sans jamais sonner comme l’un d’entre eux, sauf dans des moments éphémères qui se dissipent en nuage dès que l’on croit avoir identifié la référence. Des hymnes courts et percutants comme « Parasite » et « Marching Maniacs » frappent avec une force violente, tandis que des morceaux plus étranges et ésotériques comme « A Taikonautic Alchemist » et « A Bizarre Pilgrimage To The Cubik Mansion » serpentent sur des chemins sinueux de mélodie déformée. « A Bizarre Pilgrimage », en particulier, est épique. À 12 minutes, c’est facilement la plus longue chanson de l’album, et elle introduit des idées bien au-delà du réservoir habituel d’influences de Chariots Overdrive.
« Peut-être il y a environ trois ans, nous avons essayé de jouer quelque chose comme Saint Vitus ou Reverend Bizarre, et c’est à ce moment-là que Z.Z.Y. a proposé des riffs doom très lents », déclare G.H.Z. « Nous nous sommes dit que peut-être nous pourrions l’insérer dans une section. Peut-être pas une chanson complète, mais une section. »
« Et puis, nous avons la structure », poursuit Z.Z.Y. « Nous avons décidé d’avoir le premier riff de cette chanson, puis il fallait trouver une connexion entre les différentes sections. Donc, nous aurions la deuxième et la troisième partie pour donner l’impression que le premier est achevé. Et puis, nous avons découvert que le riff doom ne sonnait peut-être pas bien comme fin, alors nous avons ajouté la dernière partie. C’est un peu comme, briques par briques, nous bâtissons un mur. »
La grande majorité des paroles de The End Of Antiquity puisent dans l’histoire et la mythologie chinoises. Les références ne s’affichent pas à la surface, donc quelqu’un qui n’est pas intimement familier avec la culture chinoise n’est probablement pas en mesure de comprendre précisément de quoi G.H.Z. parle dans ses chants. C’est totalement intentionnel. « Si une personne chinoise lit nos paroles, elle peut comprendre de quoi nous parlons, même si nous ne mentionnons aucun nom », déclare G.H.Z. « Peut-être devrais-je passer plus de temps avec Romance Of The Three Kingdoms. »
Même si vous ne pouvez pas identifier les histoires sur The End Of Antiquity, il est clair que Chariots Overdrive aborde le heavy metal sous un angle unique et honnête. On peut l’appeler heavy metal avec des caractéristiques chinoises — profondément informé par la puissance frontalière du metal classique, mais inaltérablement façonné par les parcours personnels et musicaux des quatre hommes qui l’ont fait.
« Nous avons l’impression de ne pas avoir à être 100 % métal », dit G.H.Z. « Y.Z. était un grand guitariste de jazz. Il peut apporter des influences de l’autre côté. Nous allons rendre notre groupe un peu différent des autres groupes de métal. »
« Mais G.H.Z. fera en sorte que nous restions le vrai métal », ajoute rapidement Z.Z.Y. « Nous n’allons pas devenir un groupe de metal progressif, ni quelque chose de très New Wave. Il le reste old-school. Nous ajoutons simplement plus d’éléments. Nous ne voulons pas être un cliché pur. Nous voulons toujours avoir un style unique. »
DIX CLOUS DANS LE COU
Father Dionysios Tabakis – « Ἠλεκτρικαι Ὑμνωδίαϊ – Α΄ Ἑωθινὸν μὲ ἠλεκτρικὴν κιθάραν ἄνευ τάστων (perdesiz) »
Location: Nafplio, Grèce
Subgenre: drone metal/dévotionnel
Il y a, au plus, 10 minutes de métal sur Paradise Metal, l’album de débuts du prêtre orthodoxe grec de 53 ans, Dionysios Tabakis. C’est principalement joué sur le perdesiz, une guitare sans frettes en provenance de Turquie qui se prête à une microtonalité étrange et non intuitive. Quand Tabakis joue le perdesiz, il s’immerge dans la musique byzantine et la musique dévotionnelle de sa foi, oui, mais on dirait aussi qu’il connaît au moins Earth et Sunn O))). Grayson Haver Currin a écrit une excellente critique de Paradise Metal pour Pitchfork, où il se demandait justement si la fascination autour de Paradise Metal — en tête des ventes Bandcamp depuis un mois — relève de la fétichisation autant que de l’appréciation. Il est indéniable que ces sons ne trouveraient pas leur public sans le facteur de nouveauté, et il aide que la pochette de presse pseudo-privée montrant Tabakis brandissant sa hache face à un ciel bleu photoshopé prête facilement à des mèmes. Mais les drones du perdesiz ici sont sincèrement émouvants, tant par leur lourdeur que par le sentiment palpable qu’ils sont joués au service de la profonde dévotion religieuse de Tabakis. Ça déchire Hillsong, d’ailleurs. [Extrait de Paradise Metal, disponible dès maintenant via Heat Crimes.]
Dimhav – « Tides Immemorial »
Location: Stockholm, Suède
Subgenre: symphonique/progressif power metal
Daniel Heiman a chanté sur plusieurs des plus grands albums de power metal de tous les temps, depuis ses débuts au cours des années 2000 avec Lost Horizon jusqu’à son travail sur mon album préféré de 2023, Towers Of Gold de Sacred Outcry. C’est une merveille technique, le genre de chanteur dont le nombre d’octaves fait débat sur les forums geeks de vocalistes. La plupart des chanteurs de metal atteignent les hauts de leur falsetto comme King Diamond; Heiman sonne comme Mariah Carey. Il est resté discret depuis Towers Of Gold, mais ce mois-ci, il apporte sa tessiture quasi illimitée au deuxième album magnifiquement orchestré de Dimhav. Personnellement, je préfère ses projets légèrement plus rugueux, mais on peut soutenir qu’il n’y a pas mieux pour ce que Heiman peut faire avec sa voix que Dimhav. Les frères Olle et Staffan Lindroth adorent autant les structures progressives que les arrangements symphoniques, et ils donnent parfois l’impression de mettre au défi Heiman de suivre le rythme. Il est prêt, bien sûr, et Ondine regorge d’occasions d’apprécier le plus grand chanteur de power metal de tous les temps à son sommet physique possiblement tardif. [From Ondine, out now via the band.]
A Forest Of Stars – « Ascension Of The Clowns »
Location: Leeds, Royaume-Uni
Subgenre: avant-garde/progressif black metal
Ils sont trop volontairement étranges pour atteindre un large public, mais A Forest Of Stars mérite d’être discuté parmi les grands groupes de black metal du XXIe siècle. Pendant près de 20 ans, le chanteur Mister Curse a apporté le sprechgesang tonitruant du Mr. Doctor de Devil Doll au metal extrême, avec des percussions qui claquent, des guitares qui claquent, et des déluge de violon, flûte et piano qui rugissent derrière lui. (Le musicien responsable de ce violon et de cette flûte est Katie Stone, qui a joué sur le meilleur album de My Dying Bride des 25 dernières années sur For Lies I Sire.) Le grand groupe écossais Ashenspire n’existerait pas sans A Forest of Stars; pas plus que les expériences tardives de Pensées Nocturnes. Stack Overflow in Corpse Pile Interface est une autre salve inspirée d’absurdité du collectif de Leeds, et en vérité, je n’ai pas encore réussi à appréhender pleinement son assaut d’une heure sur des structures discursives et un jeu de mots dense. C’est un album que j’ai hâte de suivre tout au long de l’année. [From Stack Overflow in Corpse Pile Interface, out now via Prophecy Productions.]
Balmora – « Moon Light Hysteria »
Location: New Haven, Connecticut
Subgenre: metalcore
Je n’avais pas entendu le terme « metalcore statue d’ange » jusqu’à ce que Tom Breihan l’écrive dans l’annonce de Stereogum pour le premier album Balmora, en mars. C’est exactement ce que c’est, oui. Metalcore mélodique et dramatique, peut-être vaguement codé chrétien, qui pique les riffs d’At The Gates et les breakdowns d’Acacia Strain avec autant d’ardeur, avec des solos qui semblent émerger des fissures du sol dans un cimetière hanté. « Moon Light Hysteria » me rappelle un peu Darkest Hour, mais contrairement à Darkest Hour, je ne sais pas si ces gars se soucient de Judas Priest et Slayer. Le temps passe, après tout. Je n’ai pas beaucoup d’amour pour le metalcore moderne, mais Balmora — pardonnez le jeu de mots avec le Priest — tiennent leur promesse. [From These Graven Halls, out now via Daze.]
Panopticon – « Ghost Eyes In The Fire Light »
Location: Ely, Minnesota
Subgenre: black metal atmosphérique
Det hjemsøkte hjertet complète un tríptique d’albums Panopticon qui réfléchissent à la vie du frontman Austin Lunn dans le nord du Minnesota, où il vit maintenant. La trilogie Laurentienne (qui comprend aussi …And Again Into The Light (2021) et The Rime Of Memory (2023)) ne m’a pas autant touché que la trilogie antérieure de Lunn, qui contenait trois classiques modernes sans compromis dans Kentucky, Roads To The North et Autumn Eternal. Ce n’est pas dire que les albums Laurentian ont « coulé », et à leur meilleur, ils montraient encore la maîtrise d’un grand conjurateur d’atmosphère du black metal américain. La meilleure chanson de la trilogie est la dernière: la pièce de clôture de Det hjemsøkte hjertet, « Ghost Eyes In The Fire Light », est une épopée de 14 minutes avec des sauts de tempo saisissants, des fourrés épais de violon déformé, et des voix invitées par le chanteur alt-country Jordan Day. Le tout se développe comme un long crescendo, Lunn s’échauffant jusqu’à atteindre un point bouillonnant sur le plan émotionnel qui culmine à la fin obsédante de la chanson. À la fin, la trilogie Laurentian s’efface et le livre est clos. J’ai hâte d’entendre où Lunn mènera Panopticon ensuite. [From Det hjemsøkte hjertet, out now via Bindrune Recordings.]
Nedgravd – « Black Blood Descension »
Location: Oslo, Norvège
Subgenre: death metal
Je sais que c’est cliché de s’émerveiller de la jeunesse des musiciens dans un mouvement historiquement dominé par les jeunes, mais je ne sais vraiment pas comment une bande de gamins nés après l’invention de l’iPhone a réussi à créer quelque chose qui sonne aussi ancien et maléfique. Les membres de Nedgravd ont entre 16 et 19 ans, et leur death metal s’inspire de certains des grands groupes « I » du genre — Infester, Impetigo, Imprecation, Incantation. Les voix sont des gargouillements graves qui n’indiquent qu’à peine un langage humain. Les riffs et les motifs de batterie sont rudimentaires, et des claviers étouffés et des samples tirés de films d’horreur offrent un contraste sinistre avec les jeunes qui martèlent leurs instruments. Une exécution tranchante est bien moins importante que l’émotion; la maladresse fait partie de la magie. Les partisans d’un sacrifice sanglant au diable passeraient huit heures par jour à pratiquer la guitare en s’accompagnant des playthroughs d’Archspire sur YouTube ? Non ! Ils feraient des sacrifices sanglants. Sur Ascension, Nedgravd donnent l’impression d’être à l’autel toute la journée. [From Ascension, out now via the band.]
Dimmu Borgir – « As Seen In The Unseen »
Location: Oslo, Norvège
Subgenre: symphonic black metal
Si vous vous étiez détourné de l’expérience Dimmu Borgir ces dernières années, il est temps d’y revenir. Abrahadabra et Eonian ont leur part de défenseurs, mais il se pourrait que Grand Serpent Rising sonne comme un retour en forme. Dimmu a tourné le bouton « épique » à fond sur cet album, flirtant avec la barre des 70 minutes et, pour être honnête, en méritant chaque seconde. Les éléments orchestral sont tissés dans le tissu de l’album sans jamais supplanter les riffs acérés de Silenoz ou les vocaux de Shagrath, qui sont mixés de manière franchement haute (mais sonnent si bien que cela ne me dérange pas). Les morceaux de Dimmu Borgir ont toujours fonctionné comme des mini-opéras, et l’attention portée aux détails inhérente à cette approche est pleinement visible sur Grand Serpent Rising. Il y a quelque chose de nouveau à découvrir et à disséquer à chaque instant, et ce n’est qu’aux écoutes répétées que l’on peut obtenir une image complète. « As Seen In The Unseen » est un bon terrain d’essai pour la théorie « plus c’est, mieux c’est » de Grand Serpent Rising, et il passe ce test haut la main. L’arrangement est colossal et regorge de finitions — piano tintant, cordes fantomatiques, voix traitées pseudo-industrielles — mais l’impact viscéral de la chanson n’est nullement amoindri par sa complexité. [From Grand Serpent Rising, out now via Nuclear Blast Records.]
Sabotør – « Skyggens Frekvens »
Location: Bergen, Norvège
Subgenre: heavy metal/punk
Voici une frappe satisfaisante sur la gorge des fascistes qui empoisonnent la scène metal: un groupe heavy metal old-school, imprégné de punk et dédié à la Résistance norvégienne. Pendant les cinq années noires où les Nazis occupèrent la Norvège pendant la Seconde Guerre mondiale, la Résistance infiltra, sabota, combattit et déjoua le régime à chaque tour. Sabotør de Bergen célèbre les actes héroïques de leurs compatriotes sur leur premier album en norvégien, Første aksjon. C’est une plaque rapide et sale de NWOBHM qui partage l’agressivité improvisée et la défiance légitime de la Résistance. Chaque chanson ici donne l’impression d’un hymne de bataille, mais l’écriture la plus tranchante se trouve sur « Skyggens Frekvens », qui sonne comme Darkthrone en fin de parcours avec encore plus de Motörhead dans le sang. Il fonce sur son chemin guerrier avec abandon, balayant tout Nazi assez stupide pour se mettre en travers. [From Første aksjon, out now via Dark Essence Records.]
Junon – « Dolorosa »
Location: Allemagne
Subgenre: avant-garde black metal
« I, Voidhanger » va I, Voidhanger. The Golden Citadel Of The Astral Sphere, le premier album du collectif allemand Junon, est une sortie archétypale pour son label éternellement anti-archetype. Junon est ancré dans le black metal, comme la plupart du roster d’I, Voidhanger, mais, à son meilleur, ses compositions paraissent presque sans forme, avec d’immenses mouvements béants qui servent de terrains de jeu à des expérimentations insouciantes. « Dolorosa » clôt The Golden Citadel avec 21 minutes captivantes qui glissent entre minimalisme et maximalisme, drone et densité, microtonalité et shred métallique. Le chanteur anonyme et caméléon de Junon a le charisme nécessaire pour rassembler tous ces fils disparate et les tisser en une narration musicale cohérente. « Dolorosa » est déstabilisant, et il l’est intentionnellement. C’est la promesse d’I, Voidhanger, et Junon la tient avec plaisir. [From The Golden Citadel of the Astral Sphere, out now via I, Voidhanger Records.]
Eternal Evil – « Forever Feared »
Location: Stockholm, Suède
Subgenre: thrash metal
Tous les groupes emblématiques de thrash des années 80 se retrouvent soit à jouer dans des arènes, soit à souhaiter le faire. C’est quelque chose que les vagues revivalistes du genre ont largement ignoré. Alors que le métal a poursuivi son retrait lent vers l’underground, les groupes ont rarement tenté les gestes grand public que Metallica et Megadeth portaient autrefois à la célébrité. Je ne pense pas qu’Eternal Evil finira par tourner les volants de Wacken, mais sur Forever Feared, ils écrivent et jouent comme s’ils y croyaient, et je trouve cela magnifique. Le troisième album du groupe de Stockholm est audacieux, téméraire, et bourré de mélodies gigantesques qui sonneraient superbement chantées par 20 000 personnes en chœur. Le titre accrocheur et diaboliquement efficace aurait pu provenir des sessions pour Endorama (1999) de Kreator, qui fut mal vu à l’époque mais demeure le meilleur exemple d’un groupe thrash européen qui incorpore une sensibilité pop dans leur modèle de metal extrême. Eternal Evil ont le jus nécessaire pour suivre une trajectoire à la Kreator dans les années à venir. Leur chanteur/guitariste de 22 ans, Adrian Tobar, se déplace avec la confiance en soi inébranlable d’un jeune Yngwie Malmsteen. (Il lui ressemble aussi un peu.) Le métal pourrait bénéficier de plus de cette arrogance bien méritée. [From Forever Feared, out now via Listenable Records.]
VOYAGE AU MONDE AU-DELÀ
Damien Tremblay
