Si la saison estivale 2026 des concerts américains a un thème, c’est la fièvre du point bleu (blue dot). Les annulations de tournées se multiplient, tandis que d’autres spectacles se vendent très mal. Des théories abondent sur les raisons de cette fièvre, et il va sans dire que les concerts coûtent cher: une étude Pollstar a révélé que le prix moyen des billets pour les 100 tournées les plus en vue au monde a augmenté de 37,2 % entre 2019 et 2025.
Les dépenses accessoires liées à la venue à un spectacle s’additionnent également. Par exemple, un laissez-passer de stationnement pour un seul concert à mon amphithéâtre local, Blossom Music Center, peut coûter bien plus cher que les billets eux-mêmes. (Sérieusement, le stationnement VIP réservé pour un prochain concert de Mötley Crüe coûtera 275 $ par voiture, tandis que des places en pelouse sont disponibles pour 24,75 $ chacune dans une promotion « Summer Of Live 4-Pack ». ) Ajoutez le risque de météo sévère, de fumée provenant des feux de forêt, de températures brûlantes, de prix de l’essence élevés, de personnes irrespectueuses et de politiques relatives aux sacs — et il n’est pas étonnant que rester chez soi puisse sembler être l’option préférée.
À la lumière de tout cela, il était incroyablement rafraîchissant de passer trois jours au Festival d’été de Québec (FEQ) à Québec et d’en sortir en ayant vécu une expérience complètement agréable: pas de imbéciles, pas de rats morts, pas d’irritation. Fondé en 1968 (plus ancien que Glastonbury !), l’événement est aujourd’hui le plus grand festival en plein air du Canada, avec plus de 150 spectacles répartis sur six scènes et programmés sur 11 nuits. Les anciennes affiches comptent un parterre de superstars; pour n’en nommer que quelques-unes, les Rolling Stones, Beck, Lorde, Lady Gaga, Lana Del Rey, Rush et Iron Maiden y ont tous joué.
Pour être honnête, je n’ai plus la force d’assister à des festivals qui durent toute la journée et plusieurs jours. J’ai passé de merveilleux moments à Lollapalooza et à la Vans Warped Tour dans les années 2000 et 2010, et j’ai vécu des expériences incroyables lors d’autres festivals régionaux longtemps disparus ou d’événements uniques (par exemple Vegoose, Matador à 21). Mais le FEQ rend facile de passer d’une zone à une autre ou de faire des pauses, car les scènes du festival sont situées à l’intérieur même de Québec, dans un espace compact. Étonnamment, le son ne se répercute pas d’une scène à l’autre. La grande zone autour de la Bell Stage, qui attire les têtes d’affiche, peut accueillir 100 000 personnes et on ne s’en rend même pas compte si on ne s’aventure pas sur le site.
La musique au FEQ commence également tôt en soirée, ce qui rend la navigation beaucoup plus gérable — davantage comme aller à un simple concert plutôt que de gérer le marathon d’un grand festival — et la température lors de mon passage était assez fraîche pour que je sois confortable en jean et en sweat-shirt. Québec est aussi magnifique et extrêmement détendue. Et les options culinaires du festival constituent aussi un atout: déguster un sandwich chaud au brie et à la confiture ou une poutine pendant les prestations était une expérience d’élite.
Le FEQ est aussi très abordable: un billet d’entrée générale donnant accès à toutes les 11 nuits de spectacles coûtait seulement 180 dollars canadiens (environ 129 dollars américains).
Et l’un des avantages du FEQ, c’est qu’il s’agit d’une aventure très « à toi de choisir ». Si vous voulez le spectacle d’un grand show, vous pouvez rester près de la scène Bell. Si vous préférez vous installer dans un seul endroit pour une soirée plus détendue, les scènes Sirius XM et Loto-Québec sont juste à côté l’une de l’autre et les groupes se succèdent. Les autres scènes individuelles possèdent chacune leur propre ambiance distincte, surtout parce que la programmation de chaque soirée tend à s’en tenir à un genre spécifique, comme le métal, le punk, l’indie, la world music ou le hip-hop. Et le FEQ, dans l’ensemble, est extrêmement bien pensé, avec des artistes établis (Billy Bragg, Testament, Basia Bulat) qui se mêlent à des artistes montants tel le buzzy duo électro Haute & Freddy.
Sans surprise, le FEQ met l’accent sur des artistes canadiens. Sur la scène Bell, avant Gwen Stefani, la Montréalaise Jessie Reyez a offert une prestation d’une heure impressionnante qui a démontré sa polyvalence et son charisme. Après avoir établi que son spectacle était une « zone sans honte » où chacun pouvait être soi-même, elle a annoncé qu’elle « allait vous donner de bonnes vibrations ».
Mission accomplie: accompagnée d’un groupe musical en Ben, elle a chanté des pièces mêlant hip-hop, R&B, dancehall et pop. Parmi les temps forts figurent des vocalises façon Ariana Grande sur « Coffin », un morceau folk-pop « Forever » où elle était assise sur un tabouret en train de gratter une guitare acoustique, une version rockisée de « Ridin’ » qui s’est terminée par une boule de headbang furieuse, et sa propre version de « One Kiss », un succès qu’elle a écrit et enregistré pour Dua Lipa et Calvin Harris.
Reyez a aussi échangé avec le public comme s’il s’agissait de vieilles amies. « Qui ici a réussi à sortir de la zone des amis? », a-t-elle lancé à un moment donné, avant de dédier une chanson à un couple adorablement las qui était au premier rang. À plusieurs autres moments, elle est descendue de scène et a approché des fans dans les premiers rangs qui réagissaient émotionnellement à la musique; c’était touchant de la voir les embrasser et leur chanter.
Mother Mother, de Vancouver, qui avait gagné une certaine notoriété américaine il y a quelques années avec le titre viral « Hayloft », a également parfaitement tenu son rôle d’ouverture pour Muse sur la Bell Stage quelques nuits plus tard. Partiellement rock/grunge, partiellement folk-rock, partie indie en énergie — le chant joyeux « Explode! » me rappelait Los Campesinos!, tandis que le nouveau morceau « I Love Life » dégageait des vibes indie des années 2000 — le groupe débordait de confiance.
La configuration multi-voix des frères Ryan et Molly Guldemond et du claviériste Jasmin Parkin a été un grand atout, car elle permettait au groupe de s’étendre sur les ballades « Ghosting » et « Oh Ana ». Mother Mother a aussi intégré des reprises de Nirvana, « In Bloom », et des Pixies, « Where Is My Mind », précurseur du final explosif de « Hayloft II », soutenu par des craquements de synthétiseurs et des flourishes progressifs.
Les scènes plus petites offraient une expérience plus intime. Jouant devant une foule malheureusement réduite sur la scène SiriusXM, le Montréalais No Joy a néanmoins livré un set incroyable qui fut l’un de mes moments forts personnels. Des papillons gonflables et des décorations recouvraient leur scène et leurs vêtements, tandis qu’ils déchiraient des morceaux shoegaze tourbillonnants et des tunes grimy dreampop, dirigés par une déformation du My Bloody Valentine avec des envolées de distorsion. Le morceau « Here Tarot Lies » et le noise jam « Four », avec des synthés saturés, évoquaient aussi des boîtes à musique antiques en décomposition.
« Madness » avait des accents Kraftwerk, tandis que « Uprising » paraissait même plus proche de la complexité de Battles qu’à l’origine. Et le morceau épique « Knights Of Cydonia » demeure impressionnant: présenté cette fois par le morceau d’Enno Morricone, « Man With A Harmonica », la chanson montait progressivement vers une conclusion féroce, prête à affronter le système.
Muse fait actuellement la promotion d’un nouvel album tout juste publié, The Wow! Signal. Heureusement, les nouveaux morceaux « Cryogen » et « Hexagons » s’insèrent facilement au répertoire plus ancien; d’ailleurs, des titres comme « Plug In Baby », « Stockholm Syndrome » et « Supermassive Black Hole » semblaient électrisés. Plus tard dans le set, Bellamy a même revêtu une veste et des lunettes à panneaux lumineux pour le nouveau single electro-funk « Nightshade Superstar ». (À peu près: bienvenue de nouveau, Daft Punk.)
À juste titre, l’ovation a inclus une seule chanson en rappel, « Take a Bow ». Une condamnation acérée des dirigeants corrompus, la chanson était galvanisante et menaçante. Des claviers pulsants montaient en crescendo en harmonie avec des cubes multicolores scintillants suspendus au-dessus de la scène. Baigné de lumière rouge, Bellamy leva les bras vers le ciel, ressemblant à un prédicateur lançant le feu et la damnation sur les pécheurs. Il ponctua cette position en saisissant une guitare et en lâchant des riffs enflammés tandis que des rubans tombaient sur la foule, annonçant la fin de la chanson dans une poussée de pyrotechnie. Tandis que Muse disait bonne nuit, un fan à l’écran pouvait être vu brandissant une pancarte: « The Resistance Lives On ».
Bien que la Bell Stage ait été bondée (et cela a été le cas tout le week-end), la foule est sortie des lieux de manière détendue mais ordonnée, sans bousculades ni impolitesse. Quelques personnes ont même offert de nous aider à retrouver le chemin jusqu’à notre hôtel. Je me suis émerveillé de voir à quel point il est rare que cela arrive, mais cela résume parfaitement la douceur de l’expérience entière. Il s’avère que FEQ est cette licorne des festivals de musique: un festival abordable et agréable.
Damien Tremblay
