Le glockenspiel fait sonner le tout avec une douceur meubles. Mais l’inquiétude que Daine, musicien(ne) alt-pop originaire de Melbourne et de descendance filipino-australienne, envisage sur leur premier album In Endless Awe & Agony — l’aplatissement de la culture, l’étau de la compétition des classes sur la créativité, la lutte contre des désirs subconscients — n’est pas une pilule facile à avaler. « Je ne suis pas vraiment une personne/ Je suis un produit du profit/ Et je te dévorerai pour ça, » chantent-ils lors du refrain du morceau épineux « Product Of Profit (P.O.P). » Des synthés ronronnent sous eux, tandis que les percussions soutiennent leurs voix soumises. Mais un glockenspiel vacillant continue d’imprégner la piste d’un scintillement sentimental, même lorsque leur voix commence à se tordre en un cri acide pendant le refrain. C’est comme regarder quelqu’un arborer un sourire façon Pan Am tout en brandissant un couteau.
Au départ, je devais rencontrer Daine pour discuter autour d’un lunch, mais notre rendez-vous se transforme en appel Zoom alors qu’ils se remettent d’un rhume. Ils se préparent pour leur soirée de présentation de l’album, plus tard, au Carriage House, dans le Lower Manhattan: « Je dois tout verrouiller et faire semblant d’aller totalement bien. » Ils le disent avec une certaine décontraction, heureux de revoir leurs amis mais déçus de ne pas pouvoir leur donner toute leur énergie. Cela ressemble à un point de départ symbolique pour notre conversation, qui évolue autour de la difficulté de travailler dans cette industrie, d’être à l’avant‑scène d’un secteur, et de naviguer dans une industrie gonflée d’artifices et d’existentialisme.
L’artiste filipino-australienne a commencé à sortir de la musique en 2020, alors qu’elle était adolescente. Ils ont collaboré avec Oli Sykes de Bring Me The Horizon, Ericdoa et Ninajirachi, et ont assuré des premières parties pour Yeule, 100 gecs et Charli XCX. Leur album de 11 titres, élaboré avec l’ex-petit ami Curtis Pawley, Simon Lam d’Armlock, et Darcy Baylis, est une façon de comprendre l’industrie dans laquelle ils ont navigué au cours des dernières années. Ils décrivent cela comme un « arc d’individuation jungienne » dans lequel le processus créatif a permis à des méditations subconscientes de se révéler.
In Endless Awe & Agony aborde l’entrelacement de plaisir et de violence et la dure vérité que rien ne dure. C’est complexe et étrange, tout comme les miroirs sonores du screamo du Midwest, les Pixies, Alex G, Soccer Mommy, Architecture In Helsinki et Hello, Goodbye. C’est le son du confort et des armes chargées. Le résultat est quelque chose qui oscille entre danger, réconfort et tentation.
« Je pense qu’il y a un bon équilibre entre se laisser emporter par la fantaisie du genre, ‘Hé, c’est amusant et chic’, et romantiser le scintillement et le glamour, mais tout en laissant aussi un certain degré d’ironie et un espace pour que l’auditeur puisse se demander: est-ce mal? Est‑ce mal que je me laisse emporter par cela et que j’aspire à ce style de vie ? »
Écoutez In Endless Awe & Agony et lisez ci‑dessous notre échange.
Comment s’est déroulé l’approche de l’album jusqu’à présent ?
DAINE: Ça a été vraiment intense. Beaucoup de plaisir aussi. C’est ma première expérience de déploiement d’album, donc je n’avais pas réalisé à quel point la pression serait forte. Je pense aussi que c’est quelque chose de très difficile à expliquer aux gens qui t’entourent. Vous savez, mes amis me contactent comme d’habitude et me demandent des choses, et je ne peux pas répondre comme je le voudrais parce que je suis épuisé émotionnellement par le processus. Je n’avais pas réalisé à quel point les pop stars sont résilientes et impressionnantes. Elles font vraiment quelque chose de extrêmement compliqué et qui demande énormément de caractère pour se présenter chaque jour et rester aussi poli/aisé. Je n’arrivais pas à le concevoir. J’ai l’impression qu’on pense que les pop stars mènent une vie de rêve et que tout est facile pour elles. Maintenant je me dis: « Mon Dieu! » Comme chaque pop star qui ait jamais existé est une battante, vraiment une battante, quelqu’un qui occupe un poste à haute pression de type PDG. C’est juste pas quelque chose dont on parle beaucoup.
Non, 100%. Je pense à ça à chaque fois que j’interviewe quelqu’un. Si j’étais de l’autre côté, à publier ou à parler constamment de mon art et de moi-même, ou parfois à forcer une conversation. Ça semble épuisant.
DAINE: Un million de décisions en une journée.
Est-ce que tu te vois comme une pop star ou comme une pop artiste ?
DAINE: Je pense que, dans bien des sens, oui. Je ne saurais dire exactement. Il me semble que ce titre m’a été attribué, et cela a du sens d’une certaine façon.
Je sens parfois que d’être catégorisé comme pop artiste peut t’offrir une grande liberté pour accéder à différents espaces, mais en même temps, il y a des limites — ou, au final, on t’attend à être un produit pour un public plutôt que de s’intégrer à une communauté ou à des genres et des sons différents. D’une certaine manière, c’est la liberté ultime, et d’autres fois, cela peut ressembler à une grande cage.
DAINE: Tout travail où vous vous mettez en vente en première ligne comme le produit principal est une cage, mais je trouve que la musique, le mannequinat et le fait d’être influenceur sont vraiment les seuls métiers où cela s’applique, et c’est vraiment foutu parce que comment distinguer ce que vous faites pour l’entreprise ? Parce qu’au bout du compte, c’est une entreprise de plusieurs millions de dollars dont vous êtes le réalisateur en chef. Mais pas seulement vous êtes le réalisateur en chef. Si quelque chose tourne mal avec l’entreprise, c’est vous qui portez la responsabilité publique. Vous voyez ce que je veux dire ? C’est effrayant. Chaque projet artistique majeur est une entreprise de plusieurs millions de dollars avec des tonnes de personnes qui travaillent dessus et sur qui repose la responsabilité, et des tonnes de personnes doivent se présenter au travail chaque jour pour que cela se fasse. Ça ne peut pas être un one‑man show, et tant de personnes mettent l’intégralité de leur vie dans le travail de quelqu’un d’autre, mais au final, l’artiste reçoit tous les éloges — et ce n’est même pas équitable, car l’artiste porte toute la responsabilité, toute la pression et toute la haine. Quelle arnaque pourrie.»
Tu as commencé dans l’industrie très jeune. Était‑ce quelque chose que tu réalisais lorsque tu as commencé à faire de la musique ou de l’art que c’était le genre de chose pour laquelle tu signais ? Maintenant que tu es établi et que tu sors ton premier album, comment trouves‑tu l’équilibre ? As‑tu eu des conversations avec toi-même sur la manière d’assumer le plaisir, tout en étant consciente que c’est une industrie gigantesque, monstrueuse à bien des égards ? C’est ce à quoi l’album semble toucher en quelque sorte.
DAINE: Oui, définitivement. L’album m’a aidé à comprendre ce que je ressentais à propos de certaines choses liées à l’industrie et à ce qui était subconscient pour moi, et je ne réalisais pas que j’avais ces sentiments sur l’industrie. Donc c’était utile de ce côté-là. Mais je pense que, jeune — en fait, dès l’enfance — je ne savais pas à quoi je m’engageais. Signer avec un grand label alors que j’étais mineur a façonné plusieurs aspects de moi. Je suis content d’avoir vécu cette expérience, car se jeter dans le grand bain peut favoriser la croissance. Mais cela a aussi quelque peu entravé mon développement d’artiste, parce que je n’ai pas eu la progression normale où l’on débloque les choses en chemin. C’était plutôt: « Ok, cela se passe maintenant. Allons-y. » Mais c’est formidable parce qu’à présent, à la mi‑vingtaine, je peux être plus normal et travailler avec un label indépendant. J’ai occupé de nombreux emplois, et j’ai eu toutes ces expériences de jeunesse qui auraient mieux été vécues plus tôt dans la vie, et cela a rendu l’art plus honnête et moins dilué, parce qu’il y a moins d’influences industrielles qui le contrôlent. Il y a moins de voix et je suis capable d’entendre mon propre son plus clairement maintenant.
Pouvez‑vous dire quels genres d’emplois vous avez eus ?
DAINE: J’ai travaillé comme préposé au vestiaire dans un club pendant trois ans. J’ai fait pas mal de babysitting l’an dernier — c’était mon emploi préféré. J’ai aussi fait un centre d’appels pendant un petit moment. Cette année, c’est la première année où je n’ai pas besoin de travailler pour payer les factures, et c’est génial. De plus, je vis chez mes parents, donc c’est C‑Génial.
Je sens que c’est extrêmement important pour la créativité, du moins pour moi — équilibrer la vie réelle et le fantasme d’être un artiste.
DAINE: Cela donne le développement du personnage, mais ce n’était pas propice à la création musicale pour moi. Je pense que ma musique était vraiment mauvaise parce que je devais travailler un boulot. Vous savez ce que je veux dire ? Cela m’a fait réaliser que c’est vraiment un jeu de privilège, ce dont je parle aussi sur l’album. Ces népos — ceux qui ont le temps de s’asseoir et de faire de la musique — peuvent aller vraiment loin. Ils ont le temps de regarder leur nombril et de réfléchir à leurs sentiments, et de les déballer et d’aller au studio. Je n’avais pas le foutu temps ni l’argent pour être au studio, vraiment. Et j’étais épuisé. Quand on est endetté et qu’on travaille un job pourri et qu’on déteste sa vie, on n’a pas envie d’être créatif, du moins pour moi. Peut‑être que je ne suis pas fait pour cela. Je sais que beaucoup de gens utilisent la musique comme exutoire, mais pour moi c’était: « Bon sang, j’aimerais avoir des parents riches pour pouvoir aller faire de la musique. » J’étais du genre: « Je n’ai pas envie de faire de la musique maintenant parce que je déteste tout le monde. »
Vous avez mentionné que l’écriture de cet album vous a permis de faire beaucoup de prises de conscience sur l’industrie. Aviez‑vous une idée ou un concept sur ce que vous vouliez que votre debut soit, ou est-ce que cela s’est construit au fil du processus de création ?
DAINE: Je n’avais vraiment aucune idée. J’ai commencé l’album assez terrifié. Je ne me sentais pas prête du tout, mais j’ai laissé mon subconscient parler. Chaque séance, je ne savais pas vraiment ce que j’allais créer, et assez rapidement, une trajectoire s’est révélée. Beaucoup des chansons sont extrêmement différentes, mais je sens qu’il y a une sorte de fil conducteur dans tout cela. J’étais assez déconnecté de ce que je ressentais. D’une certaine manière, l’album m’a sauvée, parce qu’il m’a donné une meilleure compréhension de ce qui se passait dans ma tête. Si vous laissez une page blanche et que vous voyez ce qui en sort, cela reflète probablement assez fidèlement vos pensées intérieures, vos désirs, vos luttes. Donc, de ce point de vue, c’était une véritable arc d’individuation jungienne.
Cette phrase précise (« arc d’individuation jungienne ») est mentionnée dans un communiqué de presse. Je suis vraiment curieux de savoir ce que vous entendez par là. Je connais le minimum de psychologie. Est‑ce que beaucoup de psychologie influence votre production créative ?
DAINE: Pas vraiment. Je me connecte à Jung sur le plan philosophique et symbolique, mais je pense que la psychologie moderne ressemble un peu à du dégoût et du vomi. Jung croit que le type le plus dangereux est quelqu’un de créativement inhibé ou bloqué, et cela parce que leur subconscient leur échappe. Dans la psychologie jungienne, on croit que votre subconscient gouverne votre vie et ce qui la détruit, et l’individuation est le processus d’intégration de toutes les parties du moi. Vous pouvez regarder un diagramme du soi comme étant le subconscient et l’ego, et tout le reste. En étant créatif, vous pouvez voir en temps réel les différentes parties du moi. C’est un véritable exercice psychologique de créer quelque chose, et c’est pourquoi c’est un processus de guérison, et que si vous ne le faites pas, vous êtes probablement une personne dangereuse.
Oui, oui, c’est vraiment intéressant. J’ai écrit quelque chose dans mon app de notes sur « un rêve qui devient un défi pour l’ego ». Cet album ressemble énormément à cela. Avez‑vous des réflexions sur ce moment culturel où l’on voit énormément d’artistes pop et cette conversation autour de l’authenticité et de paroles plus perspicaces ou plus directes ?
J’estime qu’il est intéressant quand cela arrive dans la musique pop, parce que c’est comme: « Est‑ce que c’est vraiment une réflexion authentique, ou est‑ce que les artistes présentent au monde une sorte d’authenticité ? » C’est intéressant de réfléchir sur la créativité et l’ego et sur le fait que vous ne savez pas vraiment à quel point vos désirs peuvent être violents, d’une certaine façon.
DAINE: Ouais, cette dernière partie me semble très thématique pour mon disque [rires]. Qui sait ce qui est authentique ou pas, mais je pense que ce qui se passe dans l’air du temps en ce moment, c’est que les gens apprécient ce flot de conscience, cet écriture très simple et directe. Je veux dire, le nouvel album de Charli a définitivement cette impression. Parce que nous n’avons pas besoin de révolutionner la roue. Nous devons revenir en arrière. Tout est un peu trop, avec l’IA et tout ça. Les gens veulent simplement se sentir humains, et je pense que cela est longuement attendu. Trop d’écriture politisée ou sophistiquée, c’est juste plus de couches qui éloignent le public, alors c’est ce qui se passe en ce moment.
En revenant à l’idée de violence et de désir, je veux en savoir plus sur les choix sonores et de production. Il y a cet équilibre entre monstruosité et délicatesse. Il y a une douceur dans les mélodies, ou est‑ce un Xylophone ou …
DAINE: Le glockenspiel !
Et il y a aussi beaucoup de cris, et aussi des références dans les paroles à des armes. Je me demande si cela était intentionnel ? Est‑ce une lecture fidèle ?
DAINE: Non, c’est tout à fait une lecture fidèle. Ça peut paraître fou, je souhaiterais pouvoir dire que tout était intentionnel, mais rien ne l’était vraiment. Je savais que j’avais des choses à dire, et elles se révélaient lors des premières étapes. Mais c’était vraiment une écriture au jour le jour, un flux de conscience, ce qui explique pourquoi certains symboles reviennent sans cesse. C’est encore du sable Jungien. Il existe certainement cette voix de l’industrie, cette ambition, cette violence et cette faim qui semblent peut‑être plus connectées à l’ego animal. Je n’étais pas consciente de cette voix en moi, mais je pense qu’elle vient d’un enfant qui a été blessé tout au long du processus, et c’est sûrement d’où vient l’élément de douceur. Quand on écoute l’album en entier, il y a plusieurs personnages qui sont multifacettes et qui apparaissent tout au long du disque.
Est‑ce que cet album représente l’ensemble de ton moi et ces personnages constituent les différentes facettes ou couches — comme Jung les décrit —, ou tu les perçois comme des personnages différents, et ce n’est pas nécessairement toi qui es au centre ?
DAINE: Je pense que c’était une véritable exploration et un exercice qui parle d’une période donnée dans ma vie. C’est une représentation de mon architecture psychologique à ce moment précis. Il y a donc les véritables aspects de moi, mais aussi des aspects culturels, parce que, dans la psychologie jungienne, il y a aussi l’inconscient collectif. Je pense que je m’adresse aussi à des choses extrêmement pertinentes culturellement et que beaucoup de personnes ressentent, et c’est un reflet du monde. C’est vraiment une pièce temporelle et spatiale. Je pense que cela va durer parce que je le trouve assez exact et très actuel.
Quand est‑ce que l’album a été complètement finalisé ?
DAINE: Je pense que je l’ai terminé en mars.
De cette année ?
DAINE: Oui.
Tu as écrit la plupart dans le studio, ou tu as écrit des morceaux en amont, puis des démos, et enfin finalisé dans le studio ?
DAINE: J’ai commencé quelques démos à Melbourne, dans le studio, avec des producteurs, puis nous les avons emportées à Los Angeles, et je les ai peaufinées avec deux de mes proches collaborateurs et l’une de mes meilleures amies, avec un peu de co‑écriture et tout. Nous avons passé 30 jours d’affilée au studio, sans faute, pour tout réunir et le transformer en un album. Ce que j’ai apporté à LA en février n’avait pas vraiment l’allure d’un album. Nous l’avons transformé en disque extrêmement rapidement. Mais c’était beaucoup de travail.
Y avait‑il une chanson sur l’album qui a changé votre compréhension de ce que votre art est, ou de ce que votre son pourrait devenir à l’avenir ?
DAINE: Hmmm, non, parce qu’elles sont toutes très différentes. Je ne sais pas. « PQC » est assez révolutionnaire pour moi parce que c’était quelque chose que je n’avais jamais fait auparavant; je n’avais jamais entendu quelque chose comme ça auparavant. C’était un moment vraiment, vraiment spécial. Donc en fait, oui, peut‑être « PQC ».
Et c’était la première chanson que vous avez faite ensemble ?
DAINE: Nous avions l’idée. C’était la première idée que j’avais, mais je ne savais pas que cela serait le point de départ pour un album. Je pensais juste que c’était un démo idiot et aléatoire que j’avais fait avec mon ex‑ petit ami, peu importe qui s’en soucie. Mais c’était de l’or.
Il y a quelques paroles sur l’album qui évoquent le temps et le regard en arrière vers le passé ou le fait de ne trouver du réconfort que dans le passé, et puis il y a une autre ligne, « Living in the echo of us », tirée de « Love Love (Love Love). » Est‑ce que ces paroles vous restent différemment en tête après avoir écrit cet album avec quelqu’un avec qui vous étiez en couple et que vous ne l’êtes plus romantiquement ?
DAINE: Hum, pas vraiment, parce que — j’ai initié la rupture, alors je ne suis pas vraiment… [rires]. C’est un beau disque. Ses contributions étaient fantastiques. Merci, Curtis. Génial gars. Euh, mais oui, je m’en fiche pas mal. Et je pense que la plupart des paroles à cette époque parlaient plus de la mort — pas la mort, mais de l’aplatissement de la culture, et de la façon dont, par le passé, les choses étaient un peu plus définies. La Gen Z est chroniquement accro à la nostalgie parce que nous n’avons pas vraiment d’idée de ce à quoi pourrait ressembler notre futur potentiel. Tout le monde est plutôt pessimiste sur l’avenir, et la Gen Z est la première génération qui n’a pas d’esthétique précise. Les milléniaux étaient la dernière génération à avoir un look et une esthétique définis. Donc, la Gen Z imite constamment ce que les milléniaux ont fait ou ce qui est venu avant. Nous vivons donc toujours dans ce passé, ce qui est en quelque sorte ce à quoi je faisais allusion.
On dirait presque que chaque génération grandit en pensant qu’il n’y a pas d’espoir pour l’avenir. Et cela s’est aggravé au fil des décennies. Mais je pense aussi au ‘70s et au Sex Pistols qui criaient « No future, no future », et comment cela a évolué à travers les décennies. Je suis d’accord avec ce que vous dites sur le fait que la culture est aplatie ou que l’identité d’une génération a été perdue. Parce que je ne sais pas si ce n’est qu’il n’y a pas assez de foi en l’humanité et trop de pouvoir donné à la technologie.
DAINE: C’est certainement cela. Mais les milléniaux avaient l’optimisme des milléniaux. C’est ce que nous essayons d’imiter. Ils pensaient que leur avenir serait meilleur que celui de leurs parents. Donc RIP.
J’aimerais en savoir plus sur la chanson « God Figure », celle qui me marque vraiment.
DAINE: J’étais en studio à Melbourne, avec Simon [Lam] d’Armlock, et j’avais juste lu le deuxième chapitre de Bad Behavior de Mary Gateskill, et je me suis dit: « Oh mon Dieu ! » J’étais dans mes feelings par rapport à ça. C’est un livre qui a beaucoup de vibes S&M, et cela m’a beaucoup fait réfléchir sur les dynamiques de pouvoir. Je sais que je suis certainement quelqu’un qui se perd dans les relations, et je ne pense pas que je parlais d’une expérience actuelle à ce moment-là, mais c’est toujours réel parce que je pense que c’est plus comment je me suis perdu dans des relations passées, mais plus encore, j’essaie d’entrer dans le livre et d’écrire quelque chose qui me semblait assez Gateskill.
J’adore cela. Ça fait un moment que je n’ai pas lu son travail, donc c’est une bonne piqûre de rappel pour le revisiter.
DAINE: C’est tellement bon parce que c’est tellement accessible. Ce livre, en particulier, chaque chapitre est une histoire différente, alors on peut juste le prendre, le poser, le reprendre, le reposer. Pas de pression.
Y a‑t‑il d’autres inspirations non musicales ou des influences pour l’album ?
DAINE: Oh oui, Mary Gateskill pour sûr. Oscar Wilde, je pense particulièrement sur « White Collar », je voulais peindre ce tableau d’indulgence et de privilège dans un style très The Picture of Dorian Gray, mais et si cela se passait en 2026 ?
Oui, j’adore ça. Putain oui.
DAINE: J’adore ce livre tellement. Juste la façon dont le pouvoir, l’hédonisme et le narcissisme tiennent les gens dans leur emprise. Donc certainement Oscar Wilde aussi. Euh, et la Bible. « Wishing Well » et tout, c’est un peu Jésus‑y.
Une autre chose à laquelle je pensais était l’idée d’être une pop star et aussi, comme quelqu’un de catholique ou chrétien et spirituel; je sens que cela peut parfois être en conflit avec l’autre. Je me demande si tu as des réflexions sur cette tension, j’imagine que cette tension inspire un peu tes chansons ?
DAINE: C’est un endroit unique, sans doute. D’une certaine manière, ça se sent presque impie ou perverti d’être une pop star, que vous vous vendez au monde, et si vous savez que vous êtes féminine, cela peut sembler fortement sexualisé, et puis vous êtes récompensé pour sexualiser votre personne.
Totalement.
DAINE: Cela peut certainement déclencher une certaine culpabilité catholique. Tout ce travail déclenche une culpabilité catholique. C’est un business capitaliste. Je gère une sorte de corporation. Il y a des personnes sur la paie. Pour moi, c’est comme si Jésus retournait les tables de l’argent. Nous ne sommes pas supposés faire — et c’est aussi compétitif. Je ne pense pas que l’art doive être compétitif. J’en parle dans « White Collar ». Je dis, « Ils chassent le spectacle et affirment que c’est pour l’art », parce que j’ai remarqué que beaucoup de gens dans cette scène, ces népos de Los Angeles, font cela comme un sport. Ils le font avec leurs amis comme un sport. Ils veulent avancer. Ils veulent être au sommet. Ils veulent les chiffres. Ils veulent les distinctions. Mais ce n’est pas que — peut‑être que c’est aussi une expression artistique. Mais ils pourraient faire n’importe quoi d’autre, mais ils font de l’art comme sport. Je dis que c’est cuit.
Oui. Devrait‑on être fâchés contre les personnes qui ont de mauvaises intentions, ou être fâchés contre les personnes qui naissent dans certaines situations ? Ta chanson fait avancer la conversation autour de cela. Beaucoup de gens utilisent ce terme comme mot‑de‑buzz au lieu de réellement s’engager sur pourquoi c’est un problème.
DAINE: Oui. Lorsque j’ai publié ces statistiques sur mon deuxième compte Instagram — c’est une conversation vraiment difficile. Je sens que le consensus général est : « Oh, peu importe si quelqu’un est nénepo. Ils font de la bonne musique. Ils font de la bonne musique. » Je pense que cela doit être plus nuancé que cela. Est‑ce qu’on est sérieux ? Genre, est‑ce qu’on est sérieux ?
Top selling musicians are six times more likely than the public to have attended private schools. Young adults from working class backgrounds are four times less likely to work in creative industries compared to their middle class peers. Fewer than one in 10 arts workers in the UK have working class roots. So when I’m like, « I’m sick of nepos, » it’s not that they’re bad. It’s not that they did anything wrong. I feel like there are not many people who have normal life experiences and, sure okay whatever, their lives are probably normal. Whatever, okay, your parents are rich, whatever. I’m talking went to shitty public schools, have had to work jobs, have had to juggle jobs and creativity and real life, and the exhaustion of all of that, and still made it through.
Sur le plan logistique, une carrière musicale sans parents riches, ça ne colle pas. C’est pourquoi je comprends que j’ai tellement d’allégations bien en tête que tout le monde pense que j’ai des parents riches. Ces choses ne fonctionnent pas ensemble, mais cela doit être une combinaison de chance et de résilience et toutes ces autres choses. Donc ça me fout les boules quand les gens disent, « Les nepôs, ce sont des bons. » Comme peut‑être ils le sont, mais je suis intéressé à connaître quelques personnes qui ne le seraient pas.
In Endless Awe & Agony est disponible dès maintenant via Pack. Records.
