Je suis tombé sous le charme depuis lundi.
C’était en réalité un mercredi, d’ailleurs, lorsque Jawdropped a publié l’aperçu mondial du premier extrait de leur album de début, en mai. Ils n’avaient pas encore annoncé Secret To Spare, mais le morceau avait tout de même l’énergie d’un premier single.
Tout ce qui est formidable chez Jawdropped était évident dans ces trois minutes et demie: l’interaction vocale mordante et douce entre Roman Zangari et Kyra Morling, la propulsion irrésistible apportée par le bassiste Sean Edwards et le batteur Cook Lee-Chobanian, le sentiment que la plupart des plus grands groupes alt-rock à l’esprit pop des débuts des années 90 avaient été synthétisés en une singularité charmante et mélodique. La vidéo, elle aussi, était charmante et hypnotisante, reflétant la simplicité avisée de la chanson en passant d’un membre du groupe à l’autre.
Secret To Spare, qui sort ce vendredi sur Canvasback/Transgressive, regorge de chansons aussi bonnes les unes que les autres. Jawdropped nous offre bijou après bijou, débordant de refrains accrocheurs et de dynamisme, suffisamment vibrants pour que les sonorités rétro donnent l’impression d’être l’avenir. En écoutant l’album, on comprend instantanément pourquoi Jawdropped est le groupe qui a trouvé sa voie après une décennie passée à œuvrer dans d’autres projets à Los Angeles.
C’était un plaisir de m’immerger dans l’album ces derniers mois, tout comme ce fut un plaisir de faire connaissance avec les membres du groupe lors d’un appel vidéo récent. Nous avons parlé des origines de Jawdropped, du goût commun pour l’écriture de chansons américaines classiques qui les a réunis, de l’écriture par l’écoute discrète au bar, et des communautés musicales locales et nationales que le groupe considère comme siennes.
Aujourd’hui, Jawdropped dévoile un dernier extrait en avant-première de l’album. L’ouverture de l’album, « The Line », est une autre piste charmante, avec un sens sûr de la mélodie et de l’élan, semblable à un morceau rêveur de Teenage Fanclub qui se transforme progressivement en une chanson des Pixies en chemin. Ci-dessous, regardez la vidéo et lisez ma conversation avec le groupe.
Vous avez parlé du fait que vous aviez joué dans des groupes pendant longtemps lorsque ce groupe est apparu, et que vous en étiez arrivé à un point où bon nombre de musiciens abandonneraient ou déprioriseraient la musique dans leur vie. Qu’est-ce qui, dans ce projet, vous a donné envie d’aller vraiment jusqu’au bout?
ROMAN ZANGARI: Je crois qu’il y avait un intérêt partagé. Il y avait beaucoup de recoupements dans nos goûts musicaux que nous avons découverts lors des premières séances de jam, ce qui a rendu facile l’impression qu’il y avait une sorte de déclaration de mission ou une direction vers laquelle nous voulions tous aller. Et cela n’a pas toujours été le cas, du moins dans mon expérience. Avec les groupes dans lesquels j’ai été, il y a eu beaucoup de tiraillements entre les goûts ou les objectifs des différents membres. Donc aussi cliché que cela puisse paraître, il était clair dès le départ que nous avions trouvé quelque chose ou quelque chose comme de l’or. Nous nous sommes tous sentis très bien lors des premiers exercices et des premiers concerts et quand nous avons compris nos parties. Quand nous avons commencé à jouer ensemble, tout semblait vraiment, vraiment naturel et sans effort.
KYRA MORLING: Je pense aussi que dès les premiers shows, même si tu ne veux pas te soucier de ce que les autres pensent, nous obtenions de bonnes réactions aussi, ce qui, je pense, est une bonne incitation à dire: « Oh ouais, continuons. » Parce que je sens que nous étions, ou du moins moi personnellement, à un moment où je me disais: « Je pense que je dois obtenir un travail salarié. Je dois grandir. » Ou juste m’ancrer autrement et puis… Et bien sûr, c’est à ce moment-là qu’il y avait un mouvement externe autour du groupe, ce qui était agréable.
SEAN EDWARDS: Il y a eu un moment assez tôt, peut-être lors du troisième ou du quatrième concert, où nous jouions la chanson « Outside » à la fin. Et tout le monde a commencé à chanter avec nous, et cela nous a presque pris par surprise. Je pense qu’on a peut-être foiré ce final de morceau parce que les gens chantaient. Et là, je me suis dit: « Oh merde, peut-être qu’on devrait continuer comme ça. On est peut-être sur quelque chose. C’est cool. Cela ne s’est jamais vraiment produit auparavant, avec une chanson que vous avez inventée vous-même. »
Une des premières choses que vous avez mentionnées était que vous aviez une vision commune et un sentiment d’identité pour le groupe. Y a-t-il des principes directeurs précis qui expliquent ce qui fait une chanson Jawdropped ou ce que vous voulez que le groupe devienne?
ZANGARI: Oui, définitivement la simplicité est un élément clé. On essaie de ne pas trop compliquer les choses. Je pense aussi, comme on en a discuté, mais on veut que les chansons puissent vraiment tenir debout avec seulement une guitare acoustique et la voix. Si on retire tout le reste, il doit rester l’essence même de la chanson. Cette mentalité d’écrire des chansons pop traditionnelles, ça, je pense, est au cœur de toute la musique qu’on a créée ensemble. Elles doivent pouvoir tenir sans aucun artifice ni accompagnement ni riffs ni rien de ce genre.
EDWARDS: Il y a aussi une tradition d’écriture américaine dont on parle beaucoup, et qu’on écoute énormément, et à laquelle on veut appartenir, que l’on ne voyait pas vraiment dans beaucoup de choses qui sortaient. Et beaucoup de ce qu’on aime, c’est le shoegaze, ta musique plus bruyante ou autre, et on en a un peu en nous. Mais ce qui nous intéresse vraiment, c’est puiser dans ce Springsteen, Paul Westerberg, Lucinda Williams, ce genre de choses — il y a un certain je ne sais quoi dans la tradition d’écriture américaine à laquelle on voulait participer et prendre part, et essayer d’écrire certaines de nos propres choses de notre propre perspective.
It’s interesting that you’re talking about these singer-songwriter types. It’s not necessarily the first thing that I think of when I listen to your record. It’s definitely songwriter-driven, but I think that maybe that’s part of what gives you guys a distinctive flavor, ’cause I feel like there’s a million power-pop bands going around. Maybe that is what’s separating you guys.
ZANGARI: Ouais, je pense que notre version de la power pop à laquelle on s’accroche est bien plus l’école Evan Dando, Big Star de la power pop plutôt que ce qui se voit avec beaucoup de groupes émergents aujourd’hui, qui semblent un peu plus axés sur quelque chose de garage rock? Je pense qu’il y a presque une universalité, une intemporalité chez bon nombre des artistes qui nous influencent vraiment. C’est dans cette direction que nous essayons d’aller. Il s’agit davantage d’écrire des chansons pop vraiment intemporelles plutôt que de s’attarder sur les artifices de la « power pop », comme l’esthétique entourant cela ou quelque chose comme ça.
COOK LEE-CHOBANIAN: Ce sont toutes des bandes où il y a un seul auteur-compositeur principal, mais toutes les formations dans lesquelles ils ont joué — Evan Dando, Lemonheads, Paul Westerberg, les Replacements.
Were your former bands much like Jawdropped, or is this a big pivot for you?
LEE-CHOBANIAN: Non, pas la mienne, définitivement [rires].
ZANGARI: C’est un pivot, je pense, pour tout le monde. Mais je crois qu’il y a, du moins pour moi, d’une certaine manière, que cela se sent plus fidèle à la musique que j’aime écouter et aussi à ce qui est naturel en tant que compositeur, plutôt que des projets passés qui cherchaient à adopter un chapeau qui ne leur va pas.
EDWARDS: Je pense que nous nous rapprochons tous de cela. Nous nous approchions de ce que nous faisons maintenant dans nos autres groupes, mais sans vraiment. Comme nous avons toujours été intéressés par le rock — vous savez, le rock and roll dans son sens le plus pur. Roman écrivait ces chansons dans son ancien groupe. Moi aussi j’écrivais ces chansons dans mon ancien groupe. Puis quand nous nous sommes tous réunis avec Kyra et sa façon d’écrire les paroles, et la lyrique, tout s’est assemblé. Nous essayions tous de faire la même chose dans nos anciens groupes, puis nous nous sommes trouvés les uns les autres. Et puis nous n’avons pas vraiment eu besoin de parler de ce que nous voulions faire parce que nous le savions déjà. Nous avons commencé à le faire, ce qui était génial, et ça a sorti.
MORLING: Ouais, et je pense qu’on s’est aussi accrochés à un concept: tu vas dans ton bar local et il y a le groupe local qui joue, ou un groupe de vieux mecs qui jouent, cette sensibilité-là. Comme si tu connaissais peut-être la chanson, ou que ça te semble familier, tu as un souvenir de la chanson, et tu t’y attaches. Et pour moi, c’est quelque chose vers quoi je vais continuer à travailler, ce sentiment chaleureux et réconfortant que tu ressens lorsque tu es dans un bar et qu’il peut y avoir peut-être 12 personnes et que ce groupe déchire, et tu te dis: « Wow, je pourrais rester dans ce moment pour toujours. »
That’s cool. I mean, hopefully, your audiences are going to continue to grow larger and larger, so it’d be interesting to try to preserve that vibe.
EDWARDS: Ouais, je ne veux plus jouer devant 12 personnes.
MORLING: Je ne veux pas jouer devant 12 personnes, mais je veux me sentir intime, comme si chacun avait son propre spectacle.
EDWARDS: Et puis il s’agit aussi de faire en sorte que ces chansons vous permettent d’entrer dans n’importe quel bar de votre ville, aux États‑Unis, et de tout déchirer, et tout le monde va dire: « Oh, c’est génial. C’était cool. On peut tous s’amuser comme ça. » Il y a cet esprit-là. Et je pense que c’est là que la tradition de l’écriture américaine entre en scène. Ne pas vouloir sonner comme Paul Westerberg en particulier ou Bruce Springsteen ou peu importe, mais essayer de faire notre propre version de ça. Parce que c’est ce qu’ils faisaient, tu sais ce que je veux dire? Springsteen écoutait Pete Seeger et tout ça, mais il ne sonnait pas comme Pete Seeger.
You mostly self-produced your album. Was that a financial decision, or a creative decision, or how did that come to be?
ZANGARI: Oui et non. C’était un peu les deux, je pense. On voulait garder le contrôle créatif à nous quatre et que cela ressemble le plus possible à une énergie « groupe dans une pièce » brute et pure. On mentirait si on ne disait pas que ce n’était pas aussi dû aux limitations financières. Et aux contraintes de temps. Une grande partie de l’album a été assemblée sur quelques mois, parce que nous avons tous des emplois à temps plein, et parfois nous ne pouvions trouver qu’un seul jour par semaine pour se réunir, aller au studio et enregistrer. Donc on a fait cela sur le courant de peut-être quelques mois, en se réunissant le samedi ou le dimanche ou un jour de semaine au hasard lorsque quatre d’entre nous avaient congé, ou trois qui en avaient, et on a construit ainsi. Ce n’est pas idéal, je ne pense pas que n’importe quel groupe voudrait vraiment faire ça. Mais on a réussi à faire fonctionner.
Did you all have a lot of experience with recording yourself before embarking on this album?
ZANGARI: Je sens que nous avions tous enregistré pas mal de musique jusqu’à maintenant.
EDWARDS: On a été en studio. On a fait des disques et tout. Peut-être qu’il y a un peu plus de choses qui se passaient avec celui-ci, le plus grand projet potentiellement, mais pas vraiment. Je pense qu’on avait pas mal d’expérience en studio.
LEE-CHOBANIAN: Je veux dire, je sais pas comment faire grand-chose. [Rires du groupe.]
EDWARDS: J’ai traîné, tu sais? J’ai été bourré dans pas mal de salles de contrôle.
ZANGARI: Notre ami Colin a enregistré tout l’album, et il a été vraiment utile de l’avoir impliqué parce que, premièrement, c’était son studio et deuxièmement, il savait vraiment comment placer les micros et monter les affaires.
MORLING: Et on a fait l’EP avec lui aussi.
ZANGARI: Oui, donc on avait déjà une certaine relation de travail là-bas, ça a donc semblé tout à fait naturel.
So, if the idea was to try to get that vibe of a band playing together in a room, did you mostly track live, or was that a sleight of hand thing?
ZANGARI: On a enregistré en live. Il y a quelques overdubs vocaux et quelques overdubs de guitare, mais le noyau de chaque chanson a été enregistré en live, sans métronome. On jouait tous ensemble dans la pièce et on essayait d’obtenir une prise qui sonnait bien pour tout le monde. Et je pense que cela donne à l’album une certaine décontraction. C’est une qualité qui nous attire. On a mentionné les Replacements et Paul Westerberg plus tôt, et c’est une caractéristique de pas mal de leurs œuvres. Ou même les Rolling Stones dans une certaine mesure. Et ce petit côté rock légèrement déchaîné, je pense que c’est quelque chose que nous pensions apporter aussi à nos lives, alors on a voulu le transmettre sur le disque également.
How’d you end up putting it out on Canvasback/Transgressive?
EDWARDS: Ils ont fait beaucoup de travail de terrain.
Like pursuing you?
ZANGARI: Jack [Hedges], qui dirige Canvasback, est venu nous voir.
EDWARDS: Il est venu à Asheville pour nous voir, et on a passé toute la soirée ensemble. Puis il est revenu à Philadelphie plus tard dans la tournée, et on a tous traîné. Puis lui et Moriah [Berger], qui travaille aussi chez Canvasback, sont allés à New York. Et à un moment donné, on s’est dit: « Je pense qu’on est déjà signés. »
You just gotta have the “define the relationship” conversation.
MORLING: Exactement, exactement. Je veux dire, avec l’EP — et merci aussi à Stereogum — mais on a reçu beaucoup de bonnes réactions à l’EP. Et on s’est dit: « OK, qui va vraiment nous aider avec ce dont nous avons besoin? » On a besoin de soutien. On a besoin de liberté. Et on essayait de déterminer qui cela pourrait être. Mais ensuite, on est partis en tournée avec Greg Freeman en décembre. On connaissait un peu, puis on a vu son premier show et on s’est dit: « Absolument. » Et ça s’est finalement imposé: « OK, c’est le bon choix. » Et aussi on est amis avec le groupe Rocket de LA. J’aime ce qu’ils font pour les groupes. Ils les font évoluer. Ça paraît organique. Et oui, on a ensuite rencontré tout le monde chez Transgressive lorsque nous étions au Royaume-Uni pour la tournée; ce sont des gens bien, ce qui, à ce stade, c’est ce que nous recherchons vraiment.
ZANGARI: Nous sommes tous des nerds de musique, et aussi des nerds d’histoire de la musique. Et je pense qu’il existe une idée selon laquelle ces labels seraient des petites familles, comme Motown dans les années 60 ou Creation Records dans les années 90. On entend les histoires sur le fait d’aller au bureau et de traîner tous ensemble, les groupes se connaissent et font la fête ensemble. Ce n’est pas du tout le cas, je pense, dans la réalité. Mais c’est toujours quelque chose dont j’ai clairement rêvé. Et d’une certaine manière, je pense que nous l’avons vraiment trouvé avec Transgressive et Canvasback. Nous sommes sur un label avec deux de nos groupes préférés en ce moment, avec qui nous sommes amis. C’est vraiment cool de pouvoir dire ça. On a l’impression qu’on est tous dans la même équipe.
EDWARDS: Parmi tout ce à quoi nous avons eu droit, il y a énormément d’amour de la part de l’équipe de Transgressive et Canvasback, et de souci, qui est vraiment ressorti et nous a convaincus à 100 %. Ils nous ont aimés, se sont souciés de nous et ont voulu que nous soyons nous-mêmes de la meilleure façon possible. Et puis aller au Royaume-Uni, c’était fou aussi, juste pour traîner avec tout le monde et sentir que cela s’étendait à cet autre univers où ils sont si établis et si respectés. C’est juste génial.
ZANGARI: Ils ont sorti des disques incroyables, ce qui aide évidemment à se sentir en bonne compagnie.
J’ai écouté l’EP et j’ai beaucoup aimé, mais quand j’ai vu la vidéo « Monday », je me suis dit: « Oh mon Dieu, j’adore ce groupe. » La chanson est géniale et reste en tête tout le temps. Mais la vidéo — c’est un concept simple, mais je la trouve tellement hypnotisante. Comment cette vidéo est-elle née et a-t-elle été facile ou difficile à réaliser?
ZANGARI: C’était difficile. [Tout le monde rit.]
EDWARDS: Un grand salut à Rob, mec. Rob est l’homme.
MORLING: Rob [Fraebel], qui a filmé la vidéo. Il avait ce concept depuis très longtemps, et il aide à gérer cette galerie appelée Authorized Dealer. On l’adore, on lui fait confiance. Mais il voulait le faire depuis longtemps, et on s’est dit: « Allons-y. » Et c’était un peu difficile.
ZANGARI: Oui, juste sur le plan logistique, avoir quatre personnes dans quatre pièces séparées avec…
MORLING: … avec un unique plan-séquence, tu sais ?
ZANGARI: Essayer de synchroniser la chanson et de la jouer, il y avait des soucis logistiques, mais on y est arrivés. On a opté pour la prise où ça a fonctionné. Il s’agissait simplement que tout le monde puisse entendre le même morceau en même temps. On était dans cet espace de galerie, cacophonique, où l’on entend à peine les fûts dans la pièce. Oui, c’était assez chaotique. Il était en face dans une camionnette.
EDWARDS: Rob était en face, au téléphone, avec notre amie Polly, qui était dans la pièce avec lui en haut-parleur. Et Rob avait des notes où il mémorisait les temps des battements. Donc, « à telle heure, va vers ce battement », ou quoi que ce soit. Mais Polly devait lancer la chanson sur haut‑parleur avec lui, et il l’entendait à peine et essayait de nous regarder jouer et de réussir les plans. C’était une opération un peu folle. Et les gens passaient et s’arrêtaient devant la vitrine, pointant du doigt, « Whoa! ». Puis on devait s’arrêter. Parce que c’est drôle quand quelqu’un passe une fois, mais quand quelqu’un reste devant Roman pendant 30 secondes, tu te dis: « Bon, ça va pas. » Donc il faut attendre que tu bouges.
ZANGARI: Ça a été une sorte de rituel d’humiliation.
MORLING: Quelqu’un m’a vu à la fenêtre. On m’a dit: « Je t’ai vue debout dans une vitrine, en train de rouler. Qu’est-ce que tu faisais? » Et j’ai dit: « Ah oui, je filmais un clip musical. » Parce que la rue sur laquelle c’est tourné est assez achalandée. Ouais, je pense que beaucoup de gens nous ont vus.
LEE-CHOBANIAN: Les gens étaient bizarres. Il y avait un type qui a toqué à la porte et nous a arrêtés, et j’ai ouvert pour leur dire qu’on était occupés, et il m’a dit: « Qu’est-ce que vous faites? » Je lui ai dit: « Clairement quelque chose. »
EDWARDS: Est-ce que tu n’allais pas au lycée avec ce type?
LEE-CHOBANIAN: Oui, et j’ai réalisé que j’étais allé au lycée avec lui. Et j’ai dit: « Moi aussi j’ai été au lycée avec toi. » Et il m’a dit: « Sérieusement? » Et j’ai refermé la porte.
Je ne connais pas très bien la géographie de LA, mais sur quelle rue étiez-vous?
MORLING: Silver Lake Blvd. Juste près du réservoir. C’est une grande artère de passage.
ZANGARI: Oui, on l’a tourné dans la galerie dont Rob est l’un des propriétaires. Ils ont une petite installation sympa dans ce bâtiment qui compte ces quatre fenêtres carrées parfaites de la même taille.
Et puis la vidéo « Split Lip » semblait une occasion de réunir tous vos amis dans une vidéo. Qui est-ce qu’on voit là-dedans?
ZANGARI: C’est tout le monde.
MORLING:Ils sont probablement tous dans « Cup » aussi. On s’est dit: « On organise un barbecue, venez devant la caméra. On a plein de bières. » C’était un peu une double opération: « Venez traîner et vous pourriez être filmés. »
EDWARDS: J’ai acheté tellement de feux d’artifice chez ce type du South Central, et j’ai accidentellement acheté — Je pensais acheter 12, et j’ai acheté 72 mortiers gigantesques. C’était fou d’en avoir autant chez moi. Mais en ce qui concerne les groupes représentés, Semi Trucks était de la partie. On y retrouvait l’emblématique OutWest des undergrounds californiens. Qui d’autre était là?
ZANGARI: Fish Narc.
EDWARDS: Fish Narc.
ZANGARI: Ouais, juste les amis du coin dans le paysage musical de LA.
What’s your corner of the LA scene? Where do you play? It sounds like those are some of the bands that you hang with, but do you see yourself as part of a scene there?
ZANGARI: Je sais pas. Je parlais de ça avec quelqu’un hier soir, par hasard. Mais je sens que LA est tellement grande, et il y a tellement de gens qui jouent de la musique, qu’en fin de compte il y a plein de petites scènes différentes. Elles se chevauchent, se mélangent parfois, mais je ne sais pas si on se sent vraiment comme faisant partie d’une scène authentique,
EDWARDS: Je dirais que oui, en fait. Je pense que c’est une de ces choses: est-ce qu’un poisson dans l’océan sait qu’il est mouillé? Tu vois ce que je veux dire? Tu vas regarder en arrière et te dire: « Bon sang, oui, c’était malade. » On a été à un show pratiquement chaque jour cette semaine, avec tous nos amis. Donc je pense qu’il existe une scène, bien plus qu’on ne le croit ni ne le dit. On traîne tout le temps avec le groupe Semi Trucks, Bondo, les Berries. On a vu Fish Narc jouer hier soir. On traîne avec Rocket tout le temps. Il y a littéralement des milliers — parfois tu regardes autour du bar et tu te dis: « Oh c’est impressionnant, ce sont tous des gens de divers groupes indé. » Et ensuite Angel Investor et Tracy et Urika’s Bedroom et Untitled Halo. On peut énumérer des centaines de groupes avec qui on est proche et dans le coup. Donc je pense que, plus qu’on ne le croit, il y a une scène.
MORLING: Je sens que c’est une conversation constante, ce sujet sur lequel on nous interroge. Mais oui, tout le monde qu’on connaît est dans un groupe, mais je ne sais pas s’il y a nécessairement — parfois quand je pense à une scène, j’ai l’impression qu’on s’influence les uns les autres, et je ne sens pas nécessairement qu’on s’inspire les uns des autres d’une manière qui serait réelle. C’est pourquoi c’était peut-être comme: « Oh mon Dieu, c’est quelque chose que nous cherchions peut-être sans le réaliser. » Donc c’est comme tous mes amis sont dans des groupes, mais je ne sais pas nécessairement si on fait la même chose. Ce qui est bien, mais c’est pourquoi il est difficile de dire. Je n’ai pas une bonne réponse pour la notion de scène.
ZANGARI: Et puis, on se demande: « Qu’est-ce qu’une scène? »
MORLING: [Rires.]
LEE-CHOBANIAN: Je sens qu’il y a beaucoup de groupes, mais Los Angeles est, sur le plan musical, une ville bien plus petite qu’on pourrait le penser. Donc, pratiquement, tu vas rencontrer tout le monde à un moment donné si tu fais de la musique. Oui, on est amis avec d’autres personnes dans des groupes. Si tu appelles ça une scène, je dirais oui. Mais comme l’a dit Kyra, est-ce qu’on s’influence les uns les autres? Probablement pas.
MORLING: Peut-être que c’est ça parce qu’on est dedans. Parce que je sens qu’il y a une scène new-yorkaise, mais peut-être qu’ils ne ressentent pas la même chose.
LEE-CHOBANIAN: Ouais, New York a actuellement davantage une dynamique de scène. Mais je dirais qu’ici, c’est moins présent, il n’y en a pas encore une qui soit propre à LA, du moins pour l’instant.
MORLING: Ouais, c’est une grande question, je suppose.
EDWARDS: Ça s’est presque nationalisé un peu. Je pense que si tu regardes les groupes avec lesquels on est connectés, ce serait Greg Freeman ou Golomb, ou même Graham Hunt dans une zone similaire. Et donc c’est définitivement élargi pour nous alors qu’on a beaucoup plus tourné et qu’on s’est fait des amis à travers le pays et le monde.
Roman, tu as dit que certaines de tes chansons s’inspirent d’histoires vécues en bar. Y a-t-il des histoires particulières que tu peux évoquer et que tu as traduites en chansons sur l’album?
ZANGARI: Je suppose que « Cup » est probablement le plus littéral. Je ne sais pas si je peux le rattacher à un incident précis, mais je pense que tout le monde a vécu cette expérience de rester assis au bar et d’entendre quelqu’un, quelques places plus loin, lui débiter sa vie au barman. Tu sais, l’énergie du barman-psychologue.
MORLING: Et moi, j’suis barmaid dans pas mal d’endroits à Los Angeles, donc définitivement, chaque soir je peux parler avec quelqu’un.
ZANGARI: Tu croises ces gens souvent, qui étaient dans un groupe, ou qui étaient acteur, qui ont connu un certain succès dans les arts à Los Angeles à un moment donné. Et ce genre de chose va et vient, et tu croises des gens à différents points de leur histoire. Et c’est toujours vraiment intéressant parce qu’au final, nous sommes tous ici pour faire la même chose, à des degrés de réussite variés.
MORLING: Je pense qu’au bar, aussi, au-delà d’être une personne créative, les gens se racontent leurs secrets de vie à un inconnu qu’ils viennent de rencontrer ou à leur meilleur ami. Tu es dans cet espace intime. Il n’y a pas de fenêtres. De bonnes histoires en sortent, tout simplement en écoutant — ou en les disant toi-même.
You said multiple wine bars. Are you a wine expert?
MORLING: Oui, j’en suis un peu une. Je suppose que c’est mon travail lucratif. Je travaille pour une importatrice de vins naturels, mais j’ai aussi simplement… Ouais, je suis une experte en vin! Donc je t’attrape, OK? Si tu bois. [Rires.]
So what are people drinking right now?
MORLING: OK, alors, les plus jeunes adorent le cidre. Le cidre, en fait, c’est la mode. Et puis du rouge frais, n’importe quel rouge frais. Je pense que le vin orange est passé son moment, ou peut-être pas. Ce qui, peu importe. Il va revenir, je pense.
See, I’m not tapped into the wine scene, so I didn’t know orange wine was even a thing.
MORLING: Oh mon Dieu, ça avait pris tout le contrôle sur tout le monde, on aurait dit.
ZANGARI: Nous, on est plutôt des buveurs de bière, les autres aussi.
MORLING: Hé, vous participez parfois!
ZANGARI: On participe tous. On participe tous.
EDWARDS: J’aime un rouge frais en Europe continentale, tu sais?
I imagine being in a band, it’s easier to default to drinking beer at the show.
ZANGARI: Cela dit, on a eu de chouettes escapades en tournée où Kyra a trouvé une petite boutique de vin locale et a fait l’effort d’y aller voir. C’est agréable d’avoir quelque chose pour rompre avec le flux de Miller High Life ou autre. Parfois il faut changer un peu.
MORLING: Ouais, il faut se rendre un peu plus bougie.
Secret To Spare est prévu pour le 18 septembre sur Transgressive/Canvasback.
