Alternately peacocking and vulnerable, Technology blends trance, ghettotech and world sounds to craft a soundscape beautifully suited for late nights – whether that means packed clubs or your bedroom alone at three in the morning. In terms of its creation, Technology was mostly a solitary affair, with Leigh writing and producing every song on the six-track release. “I have [mixing engineers], but it’s not a lot of hands in the pot. I’m a perfectionist sometimes,” he says. “And basically self-taught.”
Parfois ostentatoire et vulnérable, Technology mélange trance, ghettotech et des sonorités du monde pour créer un paysage sonore magnifiquement adapté aux nuits tardives — que ce soit dans des clubs bondés ou ta chambre, seule, à trois heures du matin. En termes de création, Technology a été principalement une affaire solitaire, Leigh écrivant et produisant chaque morceau sur cet EP de six titres. « J’ai [des ingénieurs de mixage], mais il n’y a pas énormément de mains dans le pot. Je suis parfois perfectionniste », explique-t-il. « Et essentiellement autodidacte. »
Ici, iimbi (prononcé « ihm-bee ») parle de la façon dont les rues et les boomboxes de Los Angeles ont influencé ce projet, de ses héros musicaux et pourquoi il ne touche jamais à la musique générée par l’IA.
Comment a commencé la fabrication de cet EP ?
The seedlings for this started in downtown L.A. I was living in this loft, and I really needed a creative outlet — I hadn’t been working on music for a few years. I had my equipment, and I would just sit there, look out the window and take in all the cityscapes. Downtown L.A. is so special. It’s visceral and raw. When you live there, you have no choice but to pick up the energy and feel the moment.
Les semis pour ce projet ont commencé dans le centre-ville de Los Angeles. Je vivais dans un loft, et j’avais vraiment besoin d’un exutoire créatif — cela faisait quelques années que je n’avais pas travaillé sur de la musique. J’avais mon matériel, et je m’asseyais là, regardais par la fenêtre et absorbais tous les paysages urbains. Le centre‑ville de Los Angeles est vraiment spécial. C’est viscéral et brut. Quand on y vit, on n’a d’autre choix que d’absorber l’énergie et de ressentir l’instant.
I was living across the street from the Cecil Hotel, and just looking out the window at it, I started fiddling around on the synth. Everything came out dance-y and electronic: the syncopation of people walking, the traffic lights, all of this different stuff. In downtown L.A. there are a lot of guys who walk around with boom boxes, and they’re always playing this breakbeat, ’80s-type music. So that seeped in.
J’étais juste en face du Cecil Hotel, et en le regardant par la fenêtre, j’ai commencé à bidouiller sur le synthé. Tout est sorti dansant et électronique : la syncope des piétons, les feux de circulation, tout cela. Dans le centre-ville de L.A., il y a beaucoup de types qui se promènent avec des boomboxes, et ils écoutent sans cesse ce breakbeat des années 80. Ça a fini par s’infiltrer.
I produced basically all of it there. There was ghettotech, and then I had some trance moments and I also had world beat — it was all of these different electronic sounds. They’re all their own separate worlds, but they come together
J’ai produit pratiquement tout cela là-bas. Il y avait du ghettotech, puis quelques moments de trance et aussi du world beat — ce sont tous ces différents sons électroniques. Chacun représente son univers à part entière, mais ils se réunissent.
Êtes-vous perfectionniste ? Passez-vous sans cesse du travail en travail ? Parlons de « Technology » : combien de temps cela vous a-t-il pris ?
Cela dépend vraiment, hônêtement. Si je suis vraiment dans l’instant — comme pour « Technology », ce beat vient tout juste de sortir. Mais « CGI Rodeo » est quelque chose que j’ai produit en 2023, et cela a pris presque un mois, parce que quand on l’écoute, c’est vraiment un voyage. Cette chanson me tient particulièrement à cœur, car j’y parle de la vie et des épreuves que j’ai traversées. Ce beat a pris quelques semaines à produire, et je l’ai produit sur place. En réalité, je n’ai écrit la chanson que cette année. La musique peut sortir en un éclair, ou prendre une éternité. Pour moi, cela varie.
Quelle est l’histoire derrière « CGI Rodeo » ? Qu’est-ce qui a influencé les paroles ?
Quand j’ai commencé la production dessus, j’ai entendu ce son de sifflement et j’ai tout de suite pensé à l’Ouest, à un rodéo. Le beat avait ce sentiment très solitaire, de loup solitaire. En l’écoutant, j’ai pensé au Joshua Tree, au désert — c’est ainsi que la production est née.
À chaque fois que j’écoutais le beat, je me disais : « C’est un beat formidable, il mérite des paroles, il mérite un voyage, quelque chose qui l’accompagne. » Les paroles ont commencé à venir après mon retour de New York — la vie, parler de mon parcours. Grandissant aussi dans l’Ohio. C’est une autre chose à laquelle j’ai pensé en le faisant. Cela m’a fait penser à ces nuits tardives — quand Walmart était ouvert 24 heures, et que vous y alliez en voiture. Cela va avec le sifflement, ce sentiment occidental solitaire. Même les tornades : grandir dans l’Ohio, chaque mercredi à midi on entendait une sirène de tornade lors des essais. Être enfant et s’en souvenir, les nuits pluvieuses, puis déménager en Californie et camper dans le désert. Donc, juste la vie, traverser des périodes difficiles. L’une des paroles clés est : « You have to get it while it’s hot. » Cela signifie simplement « fais-le maintenant ». Il n’y a pas de meilleur moment. Peu importe ce qui se passe dans ta vie — c’est le moment de le faire.
Dans quelle mesure être à L.A. — vivre en face du Cecil Hotel, par exemple — a-t-il influencé tout cela ?
Oh mon Dieu, énormément. L.A. a énormément inspiré. Vivre au centre-ville, cela en soi — et le Chateau Marmont. Avant de vivre sur Sunset, je faisais la fête au Chateau Marmont et c’est cette noirceur de film noir de L.A., cette qualité cinématographique. En vivant ici, tout ressemble à un film et tout bouge, comme une musique dansante. Et la culture underground. Il y a beaucoup de culture rave dans le quartier des épices. Il y a pas mal d’entrepôts où se tiennent des fêtes dansantes et des after-hours et des raves. Même si je suis plus âgé maintenant et que je ne fais plus vraiment la fête, à mes débuts je me souviens que tout le monde sortait d’un entrepôt, au milieu du quartier des fruits et légumes — le quartier de la production — et on voyait des restes d’ananas et d’oranges. Puis juste dans la rue, il y a Skid Row, et vous attendez votre Uber. Des nuits comme ça. Se promener sur Sunset la nuit, même le Santa Monica Boulevard — tout cela m’inspire.
Comment décrirais-tu iimbi, l’artiste, à quelqu’un ? En quoi cela diffère-t-il de toi, en tant que toi-même ?
C’est un personnage. Il est électrisant. C’est mon alter ego. C’est quelqu’un qui n’a pas peur de sortir sa musique, pas peur de se produire, pas peur de trouver l’inspiration. C’est ce personnage électrisant qui sort et crée de l’art.
Et cette persona informe les chansons de l’EP.
Elles sont toutes différentes — pas des genres, mais des types différents de musique dance, des styles de danse variés — et je parle de choses différentes. « Technology » est plus amusant: je suis au volant, je dépense de l’argent, je fais toutes ces choses extravagantes, je vis ma vie dans cet univers alternatif qui n’est pas ma vie réelle. « CGI Rodeo » est plus près de chez moi. Les autres chansons abordent l’amour, et peut-être des aventures d’un soir. Le contenu est très varié.
À propos de l’art single pour « Technology » sur Spotify, il y a beaucoup de technologies analogiques. Combien de votre procédé est analogique et combien est numérique ?
C’est un peu des deux. J’ai une MPC, donc je fais des boîtes à rythmes. C’est vraiment tout cela — beaucoup de VST numériques, beaucoup de packs d’échantillons. Certaines choses sont analogiques. Quand on regarde les sessions Logic, ça vient de partout. Je ne suis pas un puriste, pour être honnête. Mais je n’utilise pas l’IA — pour être clair. Je n’utilise pas l’IA. Je ne suis pas puriste, mais je n’utiliserai jamais l’IA.
Alors l’IA, c’est un « jamais » pour toi ?
Je connais des chanteurs, des auteurs-compositeurs et des producteurs — je ne citerai pas leurs noms — qui utilisent l’IA, et c’est une rupture de contrat pour moi. Il y a eu une séance où j’ai juste dit : « Oh, j’ai quelque chose », puis j’ai quitté. C’est tellement étrange : vous êtes au studio et ils disent : « Écoute cette chanson » et ce n’est qu’une chanson IA. Ou ce que beaucoup font maintenant, c’est créer des chansons avec l’IA puis les amener à des producteurs pour les recréer. Cela enlève le plaisir du métier. Faire de la musique est quelque chose de très divin. Cela vient d’une source qui est au-delà de vous, et cela vous utilise comme voix et je trouve ça amusant. C’est la beauté de la musique — elle vient de ces forces, et elle ne peut vraiment pas être forcée. Avec l’IA, cela retire simplement le plaisir. Tu ne veux pas t’asseoir au synthétiseur, bidouiller et puis dire : « Oh, j’adore ce son » ?
À quoi sert d’être créatif si tu ne crées pas toi-même ce que tu fais ?
Cela renvoie aux producteurs qui m’ont inspiré pendant mon enfance. J’ai toujours connu les producteurs et les auteurs-compositeurs, les personnes derrière la musique qu’on entend — je suis simplement tombé amoureux. C’est comme Timbaland ou DanjaHandz, ces producteurs-là où tu te demandes : « D’où viennent ces sons, ces mélodies ? » William Orbit m’a définitivement inspiré, la façon dont il parvient à créer des environnements avec sa musique. Je pense que c’est pour cela que Madonna a commencé à travailler avec lui — tu l’entends, et ce sont ces mondes. Quincy Jones, William Orbit, Giorgio Moroder. Ce n’est pas juste « do-do-do », ce sont ces sentiments. Ils te mènent vers des univers.
Damien Tremblay
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