Le duo de Philadelphie @ a enchanté les auditeurs avec son approche du folk qui déplace le temps depuis qu’ils ont uni leurs forces au tout début de la pandémie. Avec Autosmile, leur deuxième opus complet et premier sur le label légendaire 4AD, ils portent leur écriture hypermoderne tout en restant intemporelle à des sommets nouveaux, explorant les recoins les plus sombres de leur son sans jamais perdre de vue la lumière.
Sorti aujourd’hui, l’album présente les auteures‑compositrices‑interprètes Victoria Rose et Stone Filipczak qui continuent à brouiller les influences de manière fascinante et inspirante, canalisant le folk avant‑gardiste, le grunge, le psyché, le prog, l’indie‑pop et des électroniques subtiles dans un style mercuriel qui leur est propre. J’entends des traces d’Alice In Chains, d’Elliott Smith, d’Animal Collective, et tout un spectre de grands excentriques des années 60 et 70. Mais surtout, j’entends @ prendre pleinement le contrôle d’un style qui ressemble à une magie ancienne.
« Quand j’essaie d’apaiser mon esprit, je rêve d’une chronologie alternative », chantent-ils sur « Punish My Mind », une réplique qui convient à un album qui s’approche de plusieurs traditions sans jamais appartenir entièrement à l’une d’entre elles. Les paroles suivent, dévoilant les désirs, les luttes et les épiphanies du duo avec des touches poétiques vivaces et tout en restant suffisamment évasives pour exiger une réflexion plus poussée. Même lorsqu’ils versent leur cœur, ces deux-là restent étrangement difficiles à cerner.
Dans la conversation aussi, Rose et Filipczak savent être francs et directs tout en préservant le mystère qui entoure leurs chansons. Lors d’un appel vidéo cette semaine, ils ont parcouru Autosmile morceau par morceau, éclairant l’une des collections de musique les plus excitantes et les plus provocantes de l’année. Ci-dessous, plongez dans l’album tout en lisant notre entretien.
1. « Bird »
Stone, dans le communiqué que tu as publié avec cette chanson, tu as dit qu’elle était inspirée par ces oisillons qui revenaient morts sur ta terrasse. Alors, c’était une répétition ?
STONE FILIPCZAK : Oui, ça s’est produit plusieurs fois. Ça arrivait chaque année à une période précise. Effectivement, cela a été inspiré par une année particulière. C’était chouette. Vraiment fascinant.
Qu’est‑ce qui était fascinant à propos de cela ?
FILIPCZAK : C’est simplement une sorte d’augure noir. J’ai passé beaucoup de temps sur ce porche. Je sortais juste là et je voyais un petit cadavre frais chaque fin de matinée. On avait l’impression d’un processus naturel momentanément hors de contrôle et qui « se trompait » d’une certaine façon, parce que je pense qu’ils étaient chassés du nid ou quelque chose comme ça. C’était une période étrange.
Vous l’avez décrite comme un augure sombre. Dans l’ensemble, par rapport à l’album précédent et à l’EP, Autosmile semble être un disque plus sombre. Cela peut‑il être vu comme uneINTRO. Mais d’un autre côté, les chansons ne semblent pas aussi binaires en termes de tonalité. Elles paraissent plus ambiguës que purement sombres. Suis‑je dans le vrai ?
VICTORIA ROSE : Certainement, oui. Tout à fait.
Est‑ce quelque chose que vous poursuivez consciemment en tant qu’auteurs‑compositeurs ou est‑ce davantage le reflet de l’état naturel de la vie sur Terre ?
ROSE : Je pense que c’est plus le reflet d’un état naturel sur Terre. Absolument. Il est vraiment difficile d’entrer dans quelque chose en se disant : « Je vais faire quelque chose de vraiment sombre », ou quoi que ce soit d’autre. Il faut juste écrire la chanson telle qu’elle se développe.
FILIPCZAK : À un moment donné, en travaillant sur ces chansons, on s’est dit : « Hmm, c’est vraiment plus sombre que notre premier album. » Mais nous n’avons pas cherché à le faire exprès. Je pense que le premier album reflétait une période assez intéressante où, même s’il y avait COVID et qu’il y avait énormément d’obscurité dans le monde à ce moment‑là, il y avait aussi une étrange légèreté et joie ambiante. Beaucoup de gens avaient du temps pour des loisirs et peut‑être même un peu d’argent supplémentaire. Et il y avait une énergie et une créativité qui, au moins dans nos vies, ont été canalisées dans ce premier album, que nous avons pu travailler très vite. Ainsi, même si ce fut une période difficile pour tout le monde, elle avait aussi une étrange impression d’optimisme qui a trouvé sa place sur le disque. Cet opus reflète davantage les grisancas et tout ce que nous avons traversé au cours des cinq dernières années.
Comme sur le plan personnel ou sociétal ?
FILIPCZAK : Probablement les deux, mais probablement davantage sur le plan personnel. Je pense que c’est un album assez intime.
2. « Love In The Dark »
J’ai trouvé intéressante l’utilisation de « Hey » pour introduire les couplets. En parlant d’écriture très personnelle, cela ajoute un niveau d’intimité et peut‑être même d’insouciance à cette chanson. Cela a‑t‑il toujours fait partie du morceau ? Les paroles ont‑elles commencé par « Hey » ? Comment est‑ce devenu ce motif ?
ROSE : Très souvent, j’écris une chanson en écrivant à une figure, à une autre personne. Et, de cette façon, ajouter « Hey » donne un ton un peu plus décontracté ou un peu plus conversationnel, ce qui peut correspondre à ce que je ressens en écrivant ce que j’écris. Mais aussi d’un point de vue rythmique, cela s’insère, on y glisse ce petit mot qui peut paraître anodin, mais qui donne un beat supplémentaire.
FILIPCZAK : C’est aussi quelque chose qui est passé sur chacun de nos morceaux jusqu’ici. Il y a une chanson qui s’ouvre par « Hey ».
Je ne l’avais pas remarqué.
ROSE : Je pense que c’est juste une habitude.
Il y a des choses intéressantes dans cette chanson concernant les plans versus le destin et le fait de céder à la nature versus d’essayer d’obtenir ce que l’on désire. Est‑ce qu’elle finit par établir une ligne d’action, avec l’idée de « la ligne sur le sable », et pencher du côté où nous avons un certain contrôle ? Suis‑je sur la bonne piste ?
ROSE : Totalement, oui. Je pense que l’on a une agence et le choix de mener avec l’amour et la connexion et l’empathie lorsque c’est approprié, peu importe les résultats ou les circonstances d’une relation. Et sans nécessairement savoir, comme avoir une certitude à ce sujet.
Musicalement sur celle‑ci, les guitares deviennent complètement folles à la fin. J’entends des acoustiques, des électriques, mais y a‑t‑il quelque chose d’unique ou de spécial dans les instruments utilisés sur ce morceau ?
FILIPCZAK : La fin, elle comporte au moins trois guitares. Il y a la guitare rythmique de Victoria qui joue des accords. Il y a une guitare électrique qui toque avec le clavier en faisant la mélodie. Et puis il y a un solo joué sur une guitare 12 cordes qui, je pense, est doublée et harmonisée avec elle‑même. C’est probablement ma guitare préférée sur ce morceau parce qu’elle est gonflée, on monte le niveau de gain sur le micro jusqu’au préampli, ce qui donne un son totalement saturé et déjanté, et c’est une 12 cordes acoustique, donc ça a ce son très intense et bizarre, énorme et surdéveloppé, qui ne vient d’aucun pédale. C’est la même chose à l’intro: l’intro de cette chanson utilise une guitare électrique très fuzzy, et c’est la même chose. C’est branché directement dans l’interface avec le gain à fond, ce qui la distordit numériquement. Les gens m’ont demandé quel pédale de fuzz est utilisée, et il n’y en a pas. C’est juste la distorsion d’une interface MBOX très bon marché.
Pour les performances en live, les gens peuvent apporter leurs pédales d’effets, donc ce n’est pas comme si ne pas avoir de pédale rendrait nécessairement plus facile la performance. Mais aimez‑vous essayer de positionner vos morceaux pour qu’ils soient plus faciles à interpréter en live ? Ou la version studio de @ est‑elle une bête séparée ?
FILIPCZAK : Ça dépend des morceaux. Certains morceaux nous laissent le loisir d’arranger en live un peu avant l’enregistrement, et ces versions sont un peu plus proches. Mais un morceau comme « Love In The Dark », on a tout chamboulé dans l’arrangement puis on a trouvé comment le jouer en live plus tard. Quand on joue ce morceau en live, j’ai un pedal de distorsion que j’active pour ces passages. Et je ne dirais pas que ça ressemble particulièrement au disque. On approche et on simplifie, en se concentrant sur l’écriture plutôt que d’essayer d’imiter l’enregistrement.
3. « I Know You Are (But What Am I Thinking) »
Vous l’avez décrite comme la chanson la plus « emo » de l’album. Qu’est‑ce qui vous fait dire cela ?
ROSE : Les mélodies et les paroles, non ?
FILIPCZAK : Je pense que ce sont les paroles, mais aussi la partie centrale de la musique, particulièrement le pont, qui est carrément emo. C’est une progression d’accords tout à fait normale qui est très mélodramatique, et puis une ligne de paroles particulièrement émotionnelle. Lorsque nous travaillions sur cette chanson à l’origine, Victoria, je crois, t’a dit : « C’est la limite. On ne peut pas aller au‑delà pour savoir jusqu’où l’emocion @ peut aller. »
ROSE : [Soupire] Ouais.
Il y a des mélodies sur celle‑ci qui frôlent presque le classique ou le baroque. Qu’est‑ce qui vous inspire à intégrer ces éléments dans l’écriture ?
ROSE : Des mélodies classiques ! Hmm, je n’y avais pas pensé ainsi.
FILIPCZAK : Je peux l’entendre pour le [sing the melody].
ROSE : Oh oui, j’ai chanté dans une chorale pendant environ 10 ans durant mon enfance, donc je pense que beaucoup de ça s’est insinué dans ma sensibilité mélodique. En gros, c’est tout. Mais c’est aussi une mélodie emo vraiment sur‑exagérée que j’ai ajoutée là‑dessus.
Je peux voir ça. Je commence à comprendre un peu mieux ce que vous entendez.
FILIPCZAK : J’entends presque comme une mélodie à la Beach Boys, ou quelque chose dans ce genre.
ROSE : Absolument. Je pense que tout est vraiment contextuel par rapport au reste de la chanson.
Et le côté emo de Brian Wilson aussi, non ?
ROSE : Ouais, il est vraiment emo.
FILIPCZAK : Absolument.
4. « Earthly Love »
C’est une piste où des harmonies de Nina Ryser se font entendre. Quelle est votre relation avec elle ?
ROSE : C’est une très bonne amie, et c’est une musicienne extrêmement talentueuse. Elle vit à Philly et elle a joué de la batterie dans notre bande de tournée pour quelques tournées. Et elle chantait des harmonies sur la version live de cette chanson, avant qu’on l’enregistre officiellement. Alors pourquoi changer une bonne chose ? Elle continue à faire de superbes harmonies ici, donc autant enregistrer la chanson telle qu’elle est, car elle est déjà très simple.
FILIPCZAK : Celle‑ci est probablement, parmi toutes, celle qui a été enregistrée le plus fidèlement à notre version live. En fait, nous avons même enregistré les voix en live, tous les trois ensemble dans une même pièce.
Est‑ce inhabituel ?
ROSE : Oui, inhabituel pour nous.
FILIPCZAK : Je ne pense pas que les gens fassent souvent des harmonies à trois voix en live de nos jours. J’étais plutôt enthousiaste à l’idée de l’avoir sur le disque.
C’est une autre chanson où l’ambiguïté — peut‑être que le mot juste est plutôt incertitude — vous amène à dire : « Que vous gagniez ou que vous perdiez, tout revient au même. » Vous aviez cette vision de luttes ou de fantômes qui vous guettent, menant à quelque chose de meilleur. Dites‑moi ce que vous pensiez ou viviez en écrivant celle‑ci.
ROSE : Il y a beaucoup de rhétorique autour de transcender son désir d’amour ou d’une relation, où l’on devrait être complet avec soi‑même ou chercher quelque chose d’autre ou investir dans sa propre spiritualité plutôt que de chercher des choses à l’extérieur pour se sentir bien ou mieux. Et puis être comme, « Hmm, mais je n’ai pas vraiment envie de tout ce travail. Je veux ce que je veux. » Mais aussi la tension — voilà le sujet.
5. « Your Dog »
Cela me fait immédiatement penser à une lignée de chansons sur les chiens, de Iggy Pop qui chante « I want to be your dog » à Soccer Mommy qui dit « I don’t want to be your fucking dog ». Mais ensuite je pense à la ligne qui parle d’attendre pour pouvoir exprimer ce que l’on ressent, et je me dis : « Peut‑être que cela s’écrit littéralement du point de vue d’un chien ». Comment devrais‑je l’appréhender ?
FILIPCZAK : [Rit.] Je ne pense pas que tu te trompes. Il s’agit littéralement d’un chien qui évolue pour devenir un être qui parle. Mais c’est évidemment plutôt métaphorique.
D’accord, intéressant. À cause des autres chansons, je me disais « Il chante juste qu’on traite quelqu’un comme un chien ».
FILIPCZAK : Je pense que les deux lectures sont cool.
J’aime que cette chanson soit courte et directe. Il y a d’autres chansons où la section lyrique est relativement concise, mais vous laissez s’étendre un long passage instrumental autour, ce qui est aussi cool. Comment avez‑vous décidé que celle‑ci serait rapide et au point ?
FILIPCZAK : Il n’y a pas eu de décision particulière. C’est juste venu comme ça. Celle‑ci est vraiment rapide. C’était une chanson « écris‑la et enregistres-la le même matin », donc il n’y avait pas énormément de réflexion ou de re‑questionnement. Elle peut sembler différente des autres de l’album, car sur beaucoup des autres chansons, nous étions assez conscients de ne pas vouloir écrire des chansons ultra courtes. Pas non plus vraiment écrire des chansons longues par pur hasard, mais nous ne voulions pas que l’album soit rempli de petites choses. Nous voulions qu’il se sente plutôt dense. Donc, dans ce contexte, cette chanson se démarque en étant définitivement plutôt courte. Elle n’a pas vraiment une structure de chanson traditionnelle. Ce n’est pas couplet‑ refrain ou quoi que ce soit. C’est linéaire et puis une outro.
6. « Untitled »
« Untitled », prend du temps avant que les paroles n’apparaissent. Et c’est tellement beau avant, quand il n’y a que des sons. On dirait que cela aurait pu être instrumentale. Quelle a été l’étincelle ? Était‑ce une idée musicale ou un concept lyrique autour duquel vous avez construit tout le reste ?
ROSE : C’est définitivement davantage un concept musical. Les paroles ne — je pense que ce sont les plus « word‑salad » des paroles de tout l’album, et ce n’est pas vraiment très important. Mais la musique est venue en premier, pour sûr, la guitare et la mélodie vocale. Puis Stone et notre ami Nino [Soberon] ont arrangé autour. C’était l’une des toutes premières chansons sur lesquelles nous avons travaillé. Pas la première, mais nous la jouons depuis un moment.
FILIPCZAK : Celle‑là aussi sonne vraiment comme notre arrangement live.
ROSE : Exactement. C’est l’un des premiers morceaux. C’est facile pour les gens de l’arranger en live parce que la guitare était relativement simple, mais aussi très musicale, si vous voyez ce que je veux dire. Je n’ai pas de vocabulaire très précis.
Vous avez mentionné ne pas vouloir que l’album soit une mosaïque de petites choses. Pouvez‑vous m’en dire plus sur cette impulsion ?
ROSE : Dans la lignée d’une bonne chanson classique, on veut que les morceaux soient substantiels. Nous écrivions en pensant : « OK, on est chez 4AD maintenant. Nous avons un album à réunir. » Donc beaucoup moins spontanés que l’enregistrement du précédent album Mind Palace Music, où l’on ne savait même pas que l’on faisait un disque au début. Donc la plupart des matières que nous avons apportées à cet album sont des choses qui paraissaient déjà plus complètes pour s’assurer que toutes les chansons sonnaient comme des morceaux de grande envergure.
Je ne sais pas si cela a influencé votre décision, mais il y a eu une poussée dans l’ère du streaming et de TikTok vers les fragments, et « va direct au refrain », et « ne met pas à l’épreuve la durée d’attention ». Beaucoup des meilleures groupes des années 2020 ont repoussé cela, pas seulement l’idée de bouchées rapides, mais aussi contre l’esthétisme propre et l’amincissement des choses qui représentent l’appareil technologique massif et opaque. Est‑ce que cela entre en jeu pour vous ?
ROSE : Oui, je pense. Ce n’est pas nécessairement très conscient. Nous sommes tous les deux très attachés à faire de la musique — la musique que nous aimons. Beaucoup de cela est plus vieux. Mais oui, absolument. De mon point de vue, et je ne peux parler pour Stone, je n’écrirai pas de la musique dans l’optique de la rationaliser si ce n’est pas ce vers quoi je suis naturellement attirée.
FILIPCZAK : Cela dit, des chansons courtes peuvent être chouettes, et beaucoup d’albums magnifiques comprennent d’excellentes chansons courtes, donc nous n’en avons pas peur si c’est approprié.
ROSE : Non, chaque chanson a sa longueur adaptée, et il ne sert à rien de la raccourcir ou de l’étirer dans l’intérêt d’un ordre ou d’un agenda temporel. Il faut que ce soit ce que c’est.
7. « I’m Not In Pain »
J’ai trouvé intéressant que celle‑ci mette fortement en avant le violoncelle, mais qu’elle ait aussi le soutènement rythmique du groupe rock. Est‑ce une juxtaposition volontaire ?
ROSE : Absolument. Dès l’écriture, j’imaginais qu’il y aurait à la fois des éléments. Car il y a beaucoup de chansons — par exemple du violoncelle grunge des années 90 ? C’est ce à quoi j’espérais que la chanson tende. J’ai trouvé du réconfort dans ce son, et j’espérais vraiment que tout cela se retrouve sur le disque pour cette chanson.
On entend parfois des chansons qui parlent du fait que deux personnes vont mieux séparées, afin de pouvoir profiter de leur propre vie, mais je trouvais intéressant que celle‑ci semble dire que vous êtes mieux, plus aimants, lorsque vous êtes séparés. « On donne plus ». Est‑ce ce que vous aviez en tête ?
ROSE : Totalement, oui. Je pense que c’est le cas pour beaucoup de personnes qui sont mieux séparées. Toute relation toxique ou dépendante peut être dévastatrice et voler votre énergie ou vous mettre dans un état d’esprit qui n’est pas agréable à côtoyer.
J’apprécie le fait que vous considériez cela non seulement comme ce qui me rendrait heureux, mais aussi comme ce qui me rendrait potentiellement meilleur pour faire le bien autour de moi dans le monde, quelque chose comme ça. Ce n’est pas seulement à propos de vous.
ROSE : Merci.
FILIPCZAK : La chanson a aussi connu plusieurs versions, ce qui est intéressant. C’est la seule qui comprend une batterie live. Il y a aussi une chanson sur Mind Palace — notre premier album — qui contient une batterie live, donc c’est devenu une tradition d’avoir une chanson avec batterie live. Dans ce cas, c’est notre ami Garrett [Burke], qui a appris une partie que j’avais initialement programmée sur un fichier MIDI. Nous avons une autre version de cette chanson avec une rythmique électronique. Pour la version finale de l’album, nous avons demandé à nos amis Garrett et Andy [Loebs] d’apprendre ces parties à la batterie et à la basse afin que nous puissions capturer une section rythmique live. Et nous avons en fait joué les guitares aussi. Au départ, nous voulions tout enregistrer ensemble — guitare, basse, batterie — mais nous n’avons pas aimé le rendu de la guitare, donc nous n’avons conservé que la basse et la batterie. C’était très amusant. Nous n’avons jamais fait ça auparavant et ce serait sympa de recommencer, c’est certain.
ROSE : Je pense que oui. Je pourrais même envisager un disque avec plus d’une chanson avec une batterie live à l’avenir.
FILIPCZAK : Oh, certainement.
C’est intéressant, parce que j’ai tendance à considérer cela comme une base. Peut‑être que c’est simplement ce sur quoi j’ai été élevé ou sur quoi mon écoute a tendance à se diriger, mais il est fascinant d’avoir une esthétique pour votre groupe où l’introduction de la batterie et de la basse live, c’est ce qui bouleverse les choses.
ROSE : [Ricanant.] Tout à fait. Oui, ce n’est pas comme si nous l’avions vraiment. Ce n’est pas ainsi que nous enregistrons, donc cela perturbe, car cela exige un cadre tout à fait différent pour nous. Nous avons l’habitude d’enregistrer chez nous sur nos ordinateurs, et on ne peut pas très bien faire cela avec un kit, à moins de vouloir que cela sonne très expérimental.
FILIPCZAK : Il y a plein de choses qui peuvent sembler être des batteries live et qui pourraient tromper l’auditeur en pensant qu’il s’agit d’un kit sur le disque, mais tout est truqué.
Pour « Love In The Dark », il y a suffisamment de percussions en même temps pour que l’on se demande si c’est un kit ou si ce sont plusieurs pièces qui se rejoignent ?
FILIPCZAK : Eh bien, c’est un peu le truc : vous pouvez vous en sortir avec des batteries programmées si vous ajoutez des éléments comme des claquements et des bongos réels; alors l’auditeur y croira si la grosse caisse est fausse.
ROSE : On piège tout le monde.
8. « Punish My Mind »
Qu’est‑ce que ce cri de singe qui hurle ? Pourquoi est‑il là ?
FILIPCZAK : [Rires.] C’était juste le bon son pour cette partie de la chanson.
D’où vient‑il ?
FILIPCZAK : YouTube. Tous les samples de nature viennent de YouTube.
C’était vraiment « Cette chanson a‑t‑elle besoin d’un singe qui hurle », ou plutôt « J’ai ce singe qui hurle et il faut écrire une chanson » ?
FILIPCZAK : Non, je pense normalement que lorsque des effets sonores entrent, c’est comme : « OK, cette chanson a l’air cool, mais peut‑être que cette partie a besoin d’un petit quelque chose en plus. » Et je ne sais pas, il y a toutes sortes de choses que l’on peut tenter. On pourrait viser un autre instrument. On pourrait faire une voix. Mais parfois, c’est amusant d’essayer un échantillon. C’est amusant d’introduire des samples dans la musique. Puis, pour une raison ou une autre, ce morceau est devenu un singe.
ROSE : Il faut pas trop réfléchir aux samples. Il faut juste aller sur YouTube et taper « Ce son ».
FILIPCZAK : Oui, tout à fait. Il faut adopter un état sans jugement et tenter d’ajouter un singe sur la piste. Ça ne marche pas à chaque fois, mais parfois ça marche. Cette fois, ça a fonctionné.
Ce morceau s’inscrit comme la continuité de « I Know You Are », comme une étape dans le même processus d’acceptation de l’amour ou quelque chose comme ça. À quel point êtes‑vous proches ou éloignés de cette interprétation ?
FILIPCZAK : Je pourrais le voir ainsi. Je ne sais pas. Ils ont été écrits des années et des années séparément, donc je ne dirais pas qu’ils avaient été consciemment faits pour faire partie du même duo. « Punish My Mind » a été l’un des premiers — si ce n’est le premier — morceau écrit pour l’album, alors que « I Know You Are » est arrivé plus tard. Je vois ce que vous dites à propos de leur toucher sur des thèmes similaires, c’est perspicace.
9. « Judgement Farmer »
Celui‑ci se démarque vraiment sur le disque. C’est le plus… je ne veux pas dire « sans forme », mais je remarque que la percussion est la moins présente. Il se sent moins physique, plus spirituel, si c’est possible. J’aimerais bien avoir votre avis sur cette chanson et sur ce qui l’a inspirée.
FILIPCZAK : Oui, tu as raison, il est vraiment plutôt sans forme. C’est un peu une « vaporware » de chanson.
Il y a ses références bibliques. Y a‑t‑il une histoire derrière cette chanson, ou un processus créatif qui l’alimente ?
FILIPCZAK : Je pense que c’est une chimère, une chanson qui combine plusieurs idées, tout est relié par les lignes finales « Going to be a judgment farmer / Plant ’em and let ’em grow / Reap ’em and let ’em go ». C’est assez littéral, comme si l’on planterait des jugements dans le sol, ce genre de métaphore. Puis la première partie est plus axée sur un signe ou une vision. Tout le reste se remplit ensuite. Je ne pense pas que les éléments bibliques aillent très loin. Si je suis honnête, [j’étais] plutôt en train d’achever la chanson et d’y mettre des éléments qui fonctionnent. Je ne vois pas ça comme une chanson très chrétienne ou biblique. Ce genre de choses est là pour tout assembler. Pour moi, le poids de la chanson se situe à la fin.
Quand je vois « Cain and Abel » à côté de « farmer », je pense à la différence entre le bétail et les cultures, et Cain, le tueur, était celui qui était fermier. Je ne savais pas si cela se rattachait à cela ou si c’était une coïncidence.
FILIPCZAK : Oui, j’aime cette interprétation, assurément.
10. « Autosmile »
C’est encore une fois une ballade d’amour, mais il y a des passages où on dirait presque une chanson sur une rupture. Presque comme un « thank u, next ».
ROSE : Pas du tout « thank u, next », mais peut‑être. Il y a chez moi une grande sensibilité à l’amour. Ce qui est étonnant, c’est que toutes mes chansons finissent par être ambiguës parce que le chemin a été difficile. Mais cette chanson a deux faces : l’attachement et aussi le fait que cela peut parfois me faire sentir diminuée, mais je retrouve encore cette partie de moi.
Pourquoi est‑ce le morceau titre de l’album ?
ROSE : Nous n’avions pas de titre pour la chanson. Je ne pense pas qu’il y ait une raison réelle.
FILIPCZAK : C’est exactement la raison. Autosmile avait besoin d’un titre, et nous avons donné le nom d’album à Autosmile, alors on s’est dit : « Faisons du titre principal celui‑là. »
C’est une très belle chanson. Je ne sais pas si c’était votre choix ou celui du label ou quoi que ce soit, mais j’aimerais savoir comment il a été décidé que ce serait le morceau d’ouverture.
ROSE : Je ne sais pas. Te souviens‑tu, Stone ?
FILIPCZAK : Je ne pense pas que ce soit le choix de quelqu’un en premier lieu. Je pense que nous avons longtemps réfléchi à la meilleure manière de présenter notre travail, et honnêtement, cela ressemblait à une décision plutôt folle, car il dure presque sept minutes. Je ne pense pas que quelqu’un ait considéré cela comme une évidence de single d’ouverture.
Mais bon, je ne sais pas. Avec le temps, nous avons voulu sortir quelque chose qui fasse une grande déclaration et qui représente l’intégralité de l’album. Il fallait que ce soit quelque chose qui capture l’ensemble plutôt qu’un simple extrait d’un concept musical. Le fait que la chanson soit minimale et qu’elle contraste avec bon nombre des morceaux de l’album a aussi contribué à ce choix comme single d’ouverture. Ce n’était tout à fait pas intentionnel que ce soit aussi le titre de l’album.
Il est intéressant de noter que l’arrangement est relativement minimal pour une chanson qui dure près de sept minutes. On pourrait penser qu’il faut multiplier les éléments pour maintenir l’intérêt, mais elle a quand même un effet hypnotique sur la durée. Pourquoi cela, selon vous ? Qu’est‑ce qui fait qu’elle réclame ce maintien et qu’elle s’étire ainsi ?
ROSE : Eh bien, c’est intéressant que la partie principale de la chanson soit cernée par ces reharmonisations du refrain avec cette introduction. Cela dure environ une minute, puis on retrouve une bonne portion à la fin. La chanson dure six minutes et quarante et une secondes; la partie qui n’est pas dedans représente probablement environ quatre minutes, soit une durée plutôt standard avec une structure chant/refrain, ponte, solo et refrain final. Puis on ajoute ces deux petits morceaux que je trouve assez… je pense toujours à Animal Collective, période précoce ou médiane, ou quelque chose comme ça. Surtout avec la façon dont Stone insère les autres parties vocales ; elles ont tendance à être hypnotisantes. Je pense que comme il y a tant de sections distinctes dans la chanson, elle se déploie ainsi. J’ai vu aussi quelques commentaires disant : « Cette chanson est vraiment répétitive », ce qui n’est pas faux.
FILIPCZAK : C’est vrai qu’il y a des choses qui entrent et qui sortent tout le temps dans l’arrangement. Ce n’est pas très évident, mais il y a différentes parties de guitare, il y a cinq instruments de percussion qui entrent et sortent. Tout cela est subliminal et en arrière‑plan. Mais si on écoute vraiment cet arrangement, il se passe beaucoup de choses qui le maintiennent frais.
Pour moi, c’est presque comme un mantra répété. Il y a cet appel‑réponse entre vous deux. Le refrain prend de la puissance par la répétition, et il ne serait pas le même si vous ne le répétiez qu’une fois.
ROSE : Oh ! Je suis contente que l’on ai répété cela.
FILIPCZAK : Et il commence aussi sur le refrain. Je me souviens avoir lu une interview de Paul McCartney où il expliquait que commencer sur le refrain est risqué parce que l’on risque de le répéter trop et de l’étouffer. Mais cette chanson commence et se termine sur un double refrain. Le premier refrain est, comme l’a dit Victoria, joué dans une ambiance éthérée type Animal Collective. Et j’étais d’accord : la chanson est plus forte parce qu’elle a été répétée tant de fois.
ROSE : Je pense que mettre un refrain sur des musiques différentes dans une chanson, c’est vraiment excitant.
FILIPCZAK : Absolument.
ROSE : C’est presque le contraire d’être risqué pour moi, parce que cela donne l’impression que « oh mince, ça sonne différent ! C’est cool ! »
FILIPCZAK : Oui, c’était super amusant quand nous travaillions sur l’arrangement de la chanson. Nous la jouions ensemble pour l’une des toutes premières fois, et j’étais en train d’imaginer ce riff harmonique pour l’intro, puis j’ai dit : « Attends, Victoria, chante‑la, mais par dessus ça. » Comme « faisons une cappella avec des harmoniques pour commencer ». Et cela m’a semblé une idée vraiment folle, mais nous l’avons essayée, et cela a bien fonctionné, et je suis super heureux que cela ait été le résultat.
11. « Amity »
Ceci mène directement à « Amity ». C’est une autre chanson encore plus dépouillée, mais je sens tout de même une convergence de genres et d’idées même lorsque ce n’est pas issu de différents instruments. C’est une partie où les accords passent d’un son plus traditionnel à — vous avez mentionné le grunge plus tôt. Est‑ce que cela fait partie de la manière dont vous parvenez à obtenir ce son étrange et unique — cela vient‑il des bases même des chansons plutôt que de votre décoration sonore ?
FILIPCZAK : Oui, si je comprends bien votre question, alors probablement.
Et cherchez‑vous à réunir différentes traditions d’écriture aussi ? Dites‑vous consciemment : « je veux fusionner ces différents sons qui ne viennent peut‑être pas du même endroit » ?
FILIPCZAK : Je ne pense pas que ce soit très conscient. Nous aimons tous les deux beaucoup d’époques différentes de musique et nous essayons d’écrire des chansons qui reflètent toutes les choses qu’on aime plutôt que d’essayer d’imiter un seul genre ou une seule période.
ROSE : Absolument. Je suis toujours attirée par écrire de la musique qui ressemble à celle qui me réconforte vraiment. Mais comme je joue de la guitare, cela couvre beaucoup de domaines différents de la guitare, selon ce que j’aimais vraiment quand j’ai grandi. C’est ce qui réunit tout cela pour cette raison.
FILIPCZAK : Je sens que l’on fait souvent référence à deux époques en relation avec notre écriture, à savoir le folk des années 60 et 70 et le type chansoniste des années 60 et 70, et ensuite le grunge et le rock alternatif des années 90 et 2000. Ce sont les deux choses auxquelles on se compare le plus et qui ont beaucoup de sens compte tenu de notre âge et de ce que nous avons grandi en écoutant, mélangé à ce que nous avons commencé à apprécier plus tard dans nos vies.
ROSE : Exact. Et les années 90 faisaient justement écho à ce qui se passait dans les années 70. Donc il y a une certaine ligne directrice. Mais aussi, en raison de la nature de la musique que nous faisons, ce sont deux des périodes phares pour une musique directement guitare. C’est à ce moment où l’écriture était à la radio.
C’est encore une fois une chanson ouverte. Lorsque je lis ces mots, j’entends l’idée de se connecter avec une autre personne, peut‑être que c’est là que réside la véritable connaissance de soi, mais peut‑être qu’il y a aussi une vidange musicale. « Il n’y a plus rien à l’intérieur de moi / Plus rien à savoir », ce qui pourrait être une conclusion paisible et sereine, ou alors il y a certainement une lecture négative possible aussi. Est‑ce censé être une ellipse ouverte à interprétation à la fin de l’album ?
FILIPCZAK : Ce n’est pas censé représenter quelque chose de particulier. Ce n’était pas écrit pour remplir une fonction précise. Mais je vois définitivement les deux côtés dans cette chanson, et je pense que c’est une pièce ouverte à de multiples interprétations. Je me suis probablement senti plus vide en l’écrivant. Mais j’espère qu’elle peut servir à de nombreuses fonctions. Je pense aussi qu’il y a beaucoup d’espoir dans cette chanson aussi. Ce n’est pas une chanson strictement triste.
Autosmile est sorti maintenant chez 4AD.
