La manchette du haut au-dessus ? C’est un mensonge. La fosse est toujours pour vous. C’est pour tout le monde. L’une des choses les plus cool dans un show hardcore, c’est qu’il n’y a absolument aucune barrière à la participation. (Je le dis à la fois au sens figuré et, généralement, au sens littéral. Si vous voyez une barrière sur scène, vous n’êtes probablement pas à un show hardcore.) Toute personne suffisamment motivée par la musique et/ou la soif de sang peut s’y engouffrer et foutre quelque chose en l’air, tant qu’elle est prête à se faire défoncer en retour. C’est ça la beauté — des amis et des inconnus qui se percutent et/ou qui donnent des coups de pied dans tous les sens. Vous en faites partie simplement par votre présence dans la pièce.
Si vous êtes du genre téméraire qui fonce tête baissée dans chaque fosse que vous voyez, je ne peux que vous saluer. Vous vousmettez en danger pour contribuer à un environnement un peu fou. Merci. Si vous ne pénétrez jamais dans les fosses et que vous regardez seulement depuis le fond de la salle, parfait ! Vous en faites tout de même partie ! Moi aussi, je suis trop vieux et trop fragilisé et malhabile pour agiter mes membres partout, sauf lors de rares occasions où quelque chose réveille mon berserker intérieur. La plupart du temps, j’aime être près de la fosse. Bouger un peu. Attraper des stagedivers. Avoir des gens qui me percutent de temps à autre. C’est mon créneau. Mais je dois toujours évaluer la situation. Parfois, la situation me dit que je dois rester loin de la fosse.
J’avais déjà écrit là-dessus quand cela s’est produit, mais il y a quelques années, le jour même où mon livre est sorti, j’étais à New York, et God’s Hate aussi. Je n’allais pas manquer l’occasion de voir God’s Hate en live. Ce que je n’avais pas réalisé, c’était qu’il y avait un pay-per-view AEW dans le New Jersey ce week-end-là, ce qui signifiait que la fosse était remplie de catcheurs. Ce n’était pas seulement Brody King sur scène; ce furent ses collègues dans le public — des types que je regarde régulièrement à la télévision — qui äl faisaient du moshing à fond. Je n’étais pas près de cette fosse. Cette fosse n’était tout simplement pas faite pour moi. J’aime l’idée de dire que j’ai moshed avec des catcheurs, et ce n’est pas comme si je pensais vraiment que Darby Allin m’arracherait la tête. Mais je ne saupoudre pas de verre brisé sur mes draps la nuit, je n’ai pas de piranhas dans ma baignoire, et je ne me mets pas dans des situations où je pourrais me faire one‑up par un coup de poing tournant d’Eddie Kingston. Je suis resté au fond de la pièce cette nuit-là.
Lorsque Division Of Mind a organisé son spectacle de sortie de disque à Richmond il y a quelques semaines, je ne suis pas resté au fond de la pièce, mais je ne me suis pas approché non plus de la fosse. Ça ressemblait à une fosse réservée aux VIP. Ce n’était pas une fosse pour les curieux. Il fallait prendre cette fosse au sérieux. Du moins, c’était mon hypothèse. Je ne voyais pas vraiment ce qui se passait dans la fosse. C’était vraiment, vraiment sombre là-dedans, et cette obscurité a guidé ma décision. En gros, Division Of Mind a fait venir certains des groupes les plus malfaisants et lourds du paysage actuel dans une pièce pas mal remplie, cavernelle, qui ressemblait à la Batcave. C’était carrément génial, et le danger dans l’air faisait partie du charme.
Depuis que j’écris cette chronique, j’ai probablement évoqué plus de performances live de Division Of Mind que de n’importe quel autre groupe. J’habite près de Richmond, la scène qu’ils considèrent comme leur chez‑eux. Leurs concerts sont de véritables événements ici. Ils font devenir les gens fous. L’album éponyme de DOM est sorti juste avant que je commence cette chronique, et je ne suis pas allé à son lancement parce que je pensais voir tous les mêmes groupes au festival United Blood quelques mois plus tard. C’était au début de 2020. Le festival a finalement eu lieu, mais pas avant cinq ans plus tard. J’aurais dû aller à ce foutu show. Plus tôt cette année, DOM a enfin sorti son deuxième LP très attendu, Exoterror, et c’est un disque de ouf, l’un de mes préférés de l’année. Exoterror méritait un lancement d’album épique absolu, et c’est exactement ce qu’il a eu.
Dans cet espace, j’ai essayé et échoué à plusieurs reprises à discuter des performances live de Division Of Mind. Ils sont toujours incroyablement bons. Leur musique est sombre, lourde et écrasante, et ils y mettent tout leur être. Si jamais ils jouent quelque part à moins de deux heures de route de chez vous, vous devriez vraiment aller les voir. Mais c’était ma troisième fois les voir rien que pour 2026, donc je préfère utiliser cet espace pour parler de l’atmosphère qu’ils ont su créer. La plupart du temps où je les ai vus, c’était au Warehouse, le lieu DIY qu’ils géraient, et ce lieu est tragiquement disparu aujourd’hui. Leur release show d’Exoterror s’est déroulé dans un autre espace DIY, qui m’était nouveau, et cet endroit était fascinant.
Je ne nommerai pas cet espace DIY parce que je ne veux pas mettre quelqu’un dans l’embarras, mais c’était essentiellement une gigantesque crypte de sous-sol. Pour entrer dans la pièce, il fallait suivre ce qui ressemblait à un chemin sinueux à travers des couloirs de béton humide, qui s’ouvraient sur un espace immense éclairé comme une maison hantée, c’est‑à‑dire à peine éclairé du tout. Il faisait tellement chaud là-dedans que je pouvais à peine bouger. Quelqu’un a installé un refroidisseur d’eau de style bureau à l’arrière de la pièce, et que Dieu bénisse cette personne. Chaque fois que je sortais entre les groupes, l’air frais avait le goût d’une bénédiction divine.
La pièce avait une vibe maléfique, et les groupes sur la liste aussi. Never Ending Game, de Détroit, est par exemple pratiquement le modèle parfait du groupe hardcore. Ils jouent des riffs lourds avec un rebond incroyable, leur chanteur ressemble à quelqu’un qui mange des cendriers entiers au brunch, et ils apportent ce type de breakdowns qui te donnent envie d’attraper un condor dans le ciel et de le ddt de façon cyclonique. La connexion de NEG avec Division Of Mind est profonde; ils ont joué aussi lors du dernier show de release en début 2020. Richmond comprend Never Ending Game, et ils comprennent Richmond. (À la table de merch, ils avaient des tee-shirts parodiques Avail, sauf avec « poor ugly unhappy » imprimé dans le dos.) Leur son est si brutalement satisfaisant sur un plan instinctif, et ils étaient tout simplement incroyables.
Sur disque, Final Resting Place, le seul groupe sur le lineup que je n’avais jamais vu, est trop pour moi. Ils appartiennent à la vague actuelle de groupes hardcore qui prennent vraiment le death metal brutal et rendent les choses abrasives et éloignées à tel point que je n’arrive pas à adhérer. J’aime généralement la musique viscérale, mais les voix de cochon/grésillement, les guitares sombres et la caisse claire qui ressemble à une tige d’acier frappant mon crâne, c’est tout simplement trop. Ce sont des choix intentionnels de la part du groupe, bien sûr. Ça devrait te stresser. En personne, surtout dans un endroit si sombre comme ce sous-sol, ces choix d’enregistrement n’ont plus d’importance, et la laideur pure du riffage atteint une certaine majesté. Je ne mettrai probablement pas leurs disques de sitôt, mais j’ai été impressionné.
Sin Against Sin, en revanche, font exactement le genre de musique de pogne abrasive que j’aime. Sur le papier, ils ne diffèrent pas vraiment de Final Resting Place, avec leur lourdeur extrême et leur sensibilité « oops-all-breakdowns ». Mais la saveur de leur lourdeur est différente. Ce n’est pas vraiment du death metal. Au contraire, c’est calibré vers les générations passées du metalcore, avec deux chanteurs et des guitares accordées plus bas que ce que j’aurais cru possible. Leur musique semble n’exister que pour faire bouger les gens de façons violentes. Je me sens en danger même lorsque je les écoute seul chez moi. Ils restent un groupe nouveau, avec deux démos et environ un an d’existence. Mais s’ils continuent de déplacer les gens comme ils l’ont fait à Richmond, ils vont bientôt semer le trouble à une échelle bien plus large. J’ai hâte.
Le chanteur de Division Of Mind, Zachary Acosta-Lewis, fait toujours des discours inspirants pendant les prestations du groupe. Lors du show de release, son meilleur moment entre les morceaux fut quand il a évoqué la nouvelle vague de jeunes groupes de Richmond qui, selon lui, sont prêts à prendre les rênes de la génération plus âgée qui inclut DOM. L’un des groupes qu’il a mentionnés était Lose Sight, le premier à l’affiche, et je ne peux qu’être d’accord avec ce qu’il a dit. Le son de Lose Sight est du matériel de chant droit et simple à chanter; c’était le seul groupe ce soir-là sans grand métal dans son attaque. Ce sont des enfants. Je les ai vus pour la première fois il y a seulement quelques mois, sur une autre affiche que DOM avait en tête, et ils ont gagné une quantité effrayante d’assurance en si peu de temps. Aujourd’hui, leur chanteur porte des lunettes de soleil à l’intérieur, même lorsqu’il joue dans la pièce la plus sombre du monde, et des foules de gens crient ses paroles dans le micro avec lui. Tout comme Sin Against Sin, Lose Sight vont aller loin.
Je suis en train d’écrire cette chronique juste avant que le festival Sound And Fury, annuel, n’arrive à Los Angeles. C’est le plus grand week-end de hardcore chaque année. Je n’ai jamais été au Sound And Fury. J’aimerais bien y aller. Il faut que j’y aille l’un de ces quatre ans. Sound And Fury est un spectacle magnifique parce qu’il présente la version la plus conviviale, la version grande ouverte du DIY hardcore, celle qui peut englober à la fois Saves The Day et Obituary. J’adorerais être dans cette fosse, et mon impression générale est que quiconque porte ne serait-ce que le moindre intérêt pour la musique pourrait aller au festival et passer un excellent moment. Le show de release de Division Of Mind n’était finalement pas si différent de Sound And Fury, et les deux bills partageaient quelques groupes. Mais ce que j’ai vu à Richmond cette nuit-là n’était pas la version grand public du hardcore. Ce n’était pas convivial. C’était sombre et méchant et combustible, et c’est ce qui m’inspirait.
Alienator – « Brutal Occupation »
Alienator, de Portland, vous simplifie les choses. Cela ne veut pas dire que c’est facile pour autant. Leur musique est rapide et sale et profondément moche. Mais si vous avez déjà porté une lourde chaîne comme accessoire de mode, une chaîne qui n’était pas fabriquée pour être un accessoire de mode, alors vous comprendrez cette musique. Elle résonne profondément dans votre âme. Tant que quelqu’un n’entraînera pas de raccoons sauvages pour reprendre Discharge, c’est ce que l’on peut faire de mieux. [Extrait de l’EP Brutal Occupation, sorti maintenant sur Black Water.]
Crazy Clue – « Broken Spirit »
La musique de Fucked Up s’est énormément éloignée vers un espace proggé-out expérimental au fil des années, et je trouve ça génial. Je peux mettre n’importe laquelle de leurs chansons d’une heure autour du thème du Zodiaque chinois et passer un bon moment, même si je ne me rappelle pas les passages une fois que c’est terminé. Mais c’est magnifique d’entendre quelques membres de Fucked Up se verrouiller et fabriquer un punk basement rapide et crasseux façon années 80, même si cela ne prend que la forme d’un projet conceptuel annexe. Mike Haliechuk et Jonah Falco sont incroyablement doués pour créer une nouvelle vague de power-pop tourbillonnante quand ils font Jade Hairpins, mais ils le sont probablement encore plus dans ce genre de sprint fou. [Extrait de Where The Dregs Dwell, sorti maintenant sur Beach Impediment.]
Discontent – « Human Emergence »
Discontent se complaît dans la même brutalité urgh-splat de death metal que Final Resting Place, et les deux groupes partagent au moins un membre, le guitariste Mike Marino. Mais il y a un peu plus de grandeur dans l’approche de Discontent, qui apporte une sensation d’épopée et de mise en scène à la fête. C’est tout de même horriblement grossier, toutefois. « Human Emergence » est une épopée démente, un voyage cinématographique au centre de la rate qui s’effondre de quelqu’un. [From Poised For Human Emergence EP, sorti le 1er octobre sur Streets Of Hate.]
Judiciary – « Wall Of Skulls »
Comment construiriez-vous un mur de crânes, d’ailleurs ? Cela semble difficile. Les crânes sont trop arrondis pour être empilés les uns sur les autres sans mal. Il y a aussi beaucoup de variations en taille et en forme, aussi. Peut-être faudrait-il simplement construire un mur régulier comme base et ensuite disposer les crânes sur et le long de ce mur. Dans le Bone Temple « 28 Years Later », les monuments à l’allure de flèches crâniennes donnent un sens structurel, surtout quand on voit comment Ralph Fiennes assemble ces pièces. Un mur, toutefois ? Ça semble plus compliqué. Et si vous construisiez un mur de crânes, vous devriez éviter de jouer cette chanson, du moins tant que je suis dans le coin. Parce que j’entendrais ces riffs déchaînés et je traverserais votre mur de crânes comme si j’étais le Juggernaut. Je ramasserais des morceaux de crâne, les ferrerais ensemble, les grinderais entre mes dents. D’ici l’entrée de ce didgeridoo (ou peu importe), votre mur serait réduit en atomes, et il vous faudrait commencer à en bâtir un nouveau. Ça semble vraiment dommage d’avoir un mur de crânes et de ne pas pouvoir écouter « Wall Of Skulls », vous ne trouvez pas ? La leçon ici, c’est que je ruine tout. [From Stalagmite Angels EP, sorti le 4 septembre sur Closed Casket Activities.]
Man With Rope – « Terror Starts At Home »
Il y a quelques années, No Echo a rapporté que ce groupe de St. Louis a commencé lorsque deux gars se sont rencontrés dans un café — l’un portant une chemise His Hero Is Gone, l’autre exhibant son tatouage Tragedy. C’est beau. Les choses devraient commencer comme ça. Les gens devraient planter de petits drapeaux et se retrouver, puis se rassembler et créer d’immenses hymnes crust D-beat de stade, lourds et imposants. [From Terror Starts At Home EP, sorti le 4 septembre sur Another City.]
Montclair – « Eyesight »
Le Montclair du Connecticut prétend être post-hardcore, mais ce terme peut signifier plein de choses différentes. Dans ce cas, c’est assez proche du hardcore straight-up, avec les riffs gras et les tempos rapides et les cris qui impliquent le terme, sauf avec quelques hurlements mélodiques et murmures dramatiques par moment. Ces flourishes ne gênent jamais l’élan héroïque, alors je n’hésite pas à les qualifier de groupe hardcore. C’est un compliment. On peut chanter un peu parfois; cela ne signifie pas que vous n’êtes pas dur. [From Eyesight EP, sorti le 25 septembre sur New Morality Zine.]
NØ MAN – « They Have Names »
Il est facile de plaisanter sur le hardcore et ses multiples mini-genres et parapluies, avec toutes leurs déviances et codes et rituels et clichés. Mais la raison d’être de la musique, la raison pour laquelle elle a engendré toutes ces associations subculturelles, est qu’elle a le pouvoir d’exprimer une émotion directe, féroce et bouleversante, et « They Have Names » met ce pouvoir en plein écran ici. Maha Shami, fille d’immigrants palestiniens, rugit et grogne et crie sur le fait que son peuple est assassiné puis effacé, traité comme s’il n’avait jamais existé du tout. Lorsque la chanson atteint son pic qui fait dresser les poils, Shami crie une phrase plusieurs fois: « We were always gonna save ourselves! » Et il y a une coda étendue où les gens récitent les noms d’amis et de membres de la famille qui ont été tués dans l’occupation israélienne. J’entends généralement autre chose lorsque j’emploie le terme « lourd » dans cette chronique, mais il n’y a rien de plus lourd que ceci. [From Between The Sword And The Neck, sorti le 1 octobre sur Iodine Recording.]
Pain Of Truth – « Stranded »
Je ne peux pas mentir : « Unforgiven », le premier single du deuxième album de Pain Of Truth, m’a un peu inquiété. Ça sonnait professionnel. Ce n’est pas une mauvaise chose en soi, mais la netteté et la mélodie semblaient étouffer l’attitude imposante que Pain Of Truth apportait à leurs premiers disques et à leur LP de débuts. Je n’avais pas besoin de m’inquiéter. Ces lignes propres et nettes sont toujours là, et on peut dire que c’est un groupe qui joue exclusivement dans les grandes salles maintenant. Cette fois, c’est toutefois propre et acéré comme le goût du sang dans la bouche. Pain Of Truth jouent ces grandes salles maintenant parce que personne d’autre ne fait des hymnes de lourdeur aussi majestueux qu’eux aujourd’hui, et celui-ci en fait partie du panthéon. Quand je lance « Unforgiven » après ceci, ça devient encore plus fou, et je me demande pourquoi j’étais si sceptique au départ. [From Pain Of Truth, sorti le 25 septembre sur DAZE.]
Rat Cage – « Steady On Now »
La mohawk est ruiné. C’est passé de mode. Si vous voyez quelqu’un avec une mohawk aujourd’hui, il n’y a absolument aucune garantie qu’il soit ne serait-ce qu’un petit peu punk. Ça va. Les cultures et les styles changent. D’une certaine façon, c’est assez impressionnant que la mohawk ait tenu aussi longtemps. Pendant peut-être 20 ans, des directeurs de casting à Hollywood pouvaient ajouter un figurant avec une mohawk dans une scène, et cela pouvait servir de raccourci visuel pour quelque chose. Ils ne peuvent plus faire ça. Ils doivent engager des figurants avec des tatouages sur le visage à présent. C’est correct. Le seul point triste, c’est que certaines chansons devraient vraiment être entendues dans des pièces pleines de gens qui sentent mauvais et dont les mohawks défient la gravité. En voici une. [From Not Asking For Much, sorti le 28 août sur La Vida Es Un Mus Discos.]
Self Defense Family – « Reclusion »
Drug Church existe depuis pratiquement toujours, et Patrick Kindlon comprend parfaitement comment utiliser les grooves gros et lumineux de ce groupe comme véhicules pour son humour noir et fataliste. Il est le meilleur à ça. Mais Self Defense Family, le collectif lâche qui est en réalité essentiellement un projet solo de Kindlon, peut parfois exprimer cette même sensibilité sans le sourire du blasé ni le riff accrocheur — tout est pendaison, sans l’ombre d’un humour. Avec ceci, ce premier morceau en années, Self Defense Family développe le son à la Lungfish, guitare éclatée et à répétition infinie que Kindlon aime tant, et il le déploie pour supplier le monde de les laisser, lui et sa femme, tranquilles, merci bien. [Single autonome, sorti maintenant sur Run For Cover.]
